Drama Música Cine Arte Fotografía

Drama Música Cine Arte Fotografía
Rayo Verde Radio Rayo Verde Página Rayo Verde Blog

30 may. 2014

Perder la forma humana. En el Museo de los Inmigrantes.

PERDER LA FORMA HUMANA,
UNA IMAGEN SÍSMICA DE LOS AÑOS OCHENTA EN AMÉRICA LATINA

Organizan: Museo Reina SofíaMuntref, Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero y Cooperación Española
Con la colaboración de Embajada de España en Argentina


Centro de Arte Contemporáneo, Museo de los Inmigrantes, Av. Antártida Argentina 1355 

28 may. 2014

El sueño oculto de lo cotidiano. Manuel Archain en Pabellón 4


"El sueño oculto de lo cotidiano"
La búsqueda constante de un artista por relatar la historia de nuestras vidas. Manuel Archain nos propone imágenes que reflejan el imaginario de nuestra ciudad.
Con formación en dibujo, cine, diseño y animación, ha conseguido modular su arte para destacarse de su generación como guionista de sus propias fotografías, donde lo que prima es el relato y nada es librado al azar.
Archain parte siempre de bocetos, elabora un plan de trabajo -al igual que un story-boarder que abarca desde cuadros, anotaciones, indicaciones para la escena y decisiones en cuanto a la locación hasta que se desarrollan las tomas técnicas.
La narración es lo que unifica cada una de sus piezas y en la mayoría de ellas hay un personaje-arquetipo de nuestra sociedad.

La búsqueda constante de un artista por relatar la historia de nuestras vidas. Manuel Archain nos propone imágenes que reflejan el imaginario de nuestra ciudad. 
 
 Son muchas las veces que nos hemos topado con brillantes fotógrafos de notables herramientas de edición y composición que vinculan el mundo de la publicidad con el artístico. Pero son pocos los que consiguen, a partir de su producción, un lenguaje propio y una verdadera unidad de la acción. Manuel Archain (Buenos Aires, 1983) no es sólo un fotógrafo de oficio, es creador de relatos y artífice de imágenes cotidianas. Con formación en dibujo, cine, diseño y animación, ha conseguido modular su arte para destacarse de su 
generación como guionista de sus propias fotografías, donde lo que prima es el relato y nada es librado al azar. 
 Archain parte siempre de bocetos, elabora un plan de trabajo –al igual que un story-boarder que abarca desde cuadros, anotaciones, indicaciones para la escena y decisiones en cuanto a la locación 
hasta que se desarrollan las tomas técnicas. 
La narración es lo que unifica cada una de sus piezas y en la mayoría de ellas hay un personaje arquetipo de nuestra sociedad. 
 
Para comprender la psicología de los personajes retratados, es necesario ubicarse como un espectador y hacer catarsis a través de las historias detrás de cada una de ellas. En ocasiones la narrativa es evidente y en otras son los objetos que rodean al personaje lo que nos indica los hechos que han ocurrido o el cercano instante que vendrá. 
 
Sus obras se encuentran delineadas por series. Algunas podrían conformar capítulos de un gran texto visual donde nuestra realidad se somete al ojo crítico del artista para invocar reflexión sobre las acciones que realizamos a diario. Ir a trabajar, tomar café, fumar cigarrillos, leer un libro, caminar y conducir hacia y desde nuestros destinos cotidianos. 
 
 
Manuel Archain inició sus estudios dibujando y pintando en el atelier de su madre, la artista plástica Silvina Viaggio, a los cinco años de edad. A los trece profundiza sus estudios de dibujo e incorpora la historieta, estudiando con el profesor Carlos Pedrazzini. Simultáneamente inicia su trabajo como fotógrafo junto a diversos profesionales vinculando las artes plásticas y la imagen, alcanzando así un modo de expresión propio. Fue asistente de fotógrafos como Peter Rad, Blinkk, Samuel Bayer, Tony Kaye, Marc Trautmann, Michael Haussman y Peter Funch. Ha participado de las más relevantes ferias de arte internacionales representado por la Galería Pabellón 4, Argentina, y Galerie Bruneau / Munier, Paris. 
Sus obras se encuentran en colecciones de Argentina, Chile, Perú, Colombia, Puerto Rico, Estados Unidos, España, Suiza, Inglaterra, Alemania, Suecia y Rusia. 

Texto publicado en revista Arte al límite Nro 65 Marzo – Abril de 2014 por Laeticia Mello. Crítica de arte y curadora (Argentina).
Apertura Martes 15 de mayo de 2014 - 20 hs.
Cierre de 30 de Junio
Lunes a Sábado 16 a 20 hs.
Entrada libre y gratuita.

Geometría Poética Social. En el Faena hasta el 09/06


Presentación del Libro + SEMINARIO sobre GESTIONES AUTÓNOMAS DE ARTE CONTEMPORÁNEO - LATINOAMÉRICA

Viernes 30 de mayo 2014.
20:00 hs.


Presentación del Directorio de Gestiones Autónomas de Arte Contemporáneo – Latinoamérica
Jorge Sepúlveda T. e Ilze Petroni Ph.D. (editores), Susana Quintero y Kamilla Nunes.

La Red de Gestiones Autónomas de Arte Contemporáneo fue creada en abril de 2012 con los objetivos de difundir las actividades de espacios, colectivos e iniciativas de artes visuales contemporáneas que operan en y desde América Latina y fortalecer los vínculos afectivos y efectivos entre sus miembros y otras gestiones de la región. Desde entonces ha difundido a más de doscientas gestiones de Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Costa Rica, Ecuador, El Salvador, España, México, Panamá, Paraguay, Perú, Portugal, Puerto Rico, República Dominicana, Uruguay, USA y Venezuela.


Las 227 gestiones que se encuentran en el Directorio dan cuenta de la diversidad a la hora de trabajar en arte contemporáneo. Señalan en la coordinación y colaboración que realizan que es posible construir otros modos de relacionarse en tanto sujetos políticos, grupos y sociedades.

El lanzamiento de su primer publicación tiene el objetivo de fortalecer los vínculos hacia dentro y fuera de la Red; además de generar documentación que dé cuenta de la extensión y diversidad de prácticas artísticas y de gestión que cada una de los miembros posibilita.

La presentación se plantea como una instancia de difusión e intercambio de experiencias a partir del funcionamiento de la Red.


Entrada libre y gratuita.


Sábado 31 de mayo 2014.
10:00 a 17:00 hs.



Tentativa y Error-Seminario sobre Gestión Autónoma de Arte Contemporáneo


A cargo de Jorge Sepúlveda T. e Ilze Petroni Ph.D. Curatoría Forense

Fundamentación

En los últimos quince años las prácticas estéticas y discursivas contemporáneas de América Latina experimentaron cambios significativos en cómo comprenden el concepto de arte y sus objetos. Estas modificaciones afectan tanto a los procesos de producción artística, como a los modos de circulación, visibilidad y legitimación de lo artítisto, las relaciones con sus contextos de significación y las formas de establecer vínculos con la comunidad y el ámbito profesional.

Nociones tales como “escena local” y “gestión independiente” organizaron y potenciaron los esfuerzos de artistas y gestores, creando y fortaleciendo vínculos, generando convenios tácticos y alianzas estratégicas que densifican cada escena y que exigen mayores competencias laborales, económicas y políticas a quienes participan del sistema de arte en beneficio de una relación efectiva entre el arte contemporáneo, la cultura y la sociedad.

Es por eso que en este seminario proponemos reflexionar sobre las diferentes formas de comprender a la noción de gestión autónoma, analizar sus relaciones y tensiones con la institucionalidad artística y recorrer -a través de sus eficiencias prácticas- diversos modelos de gestión autónoma que están operando en América Latina.

Objetivos

· Brindar herramientas conceptuales y prácticas para la sustentabilidad de la gestión autónoma de arte contemporáneo.

· Propiciar el debate sobre las relaciones y complementariedades entre la gestión autónoma y la institucionalidad artística.

· Diagramar los diferentes modelos de gestión autónoma de arte contemporáneo de la región (Latinoamérica) y determinar sus eficacias en relación a la circulación, visibilidad y producción de conocimiento sobre y desde las prácticas estéticas contemporáneas.

Cupo limitado.
Requiere inscripción previa al mail elhormiguero.espaciocultural@gmail.com
Costo por participante: $300

http://curatoriaforense.net/_editorial/directorio_gestiones_autonomas/gira_presentacion.html




el hormiguero. espacio cultural

Calle 35 nº 1158 e/ 18 y 19
La Plata - Argentina
tel: 0221 154983769 - 0221 155061343
correo-e: elhormiguero.espaciocultural@gmail.com

Blog: http://elhormiguero-espaciocultural.blogspot.com
En facebook: Elhormiguero Espaciocultural

El cine según la música. Ciclo de cine en el MACBA


A 20 años de su estreno, el día sábado 31 de Mayo a las 17:30 se presentará en MACBA “Fuego Gris”, film musicalizado por Luis Alberto Spinetta y dirigido por Páblo César, destacado realizador argentino quien ha sostenido su producción cinematográfica desde el año 1982. La misma contará con la presencia del director que presentará su obra luego de la película.

Acompañando las proyecciones, el viernes 30 de Mayo a las 19:00 se exhibirá “Villegas” de Gonzalo Tobal, película presentada en la Selección Oficial del Festival de Cannes 2012 y estrenada en el 14º BAFICI, donde obtiene el premio a Mejor Película otorgado por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina.

El sábado 31 a las 15:30 se exhibirá “El pasante” de Clara Picasso. Un film que hace su camino en el cine de hoteles a lo Kubrick y Fellini pero en Buenos Aires. Una historia que nos invita a descubrir todos los personajes y espacios incógnitos de los lugares en los que nos alojamos. El film se proyectará con la presencia de Clara Picasso.

Finalmente, el domingo 1 de Junio a las 16:00 se presentará "Circe", de Manuel Antín película fundante en la historia del cine nacional inspirada en el cuento de Julio Cortazar y escrita junto a este gracias a una serie de audiocartas a distancia en el año 1963.






Pablo César ha dirigido veinte cortometrajes y más de diez films. Es pionero en realizar trabajos en coproducciones integradoras, entre Argentina y naciones como Túnez, India, África y Malí, entre otros.

El cine de Pablo César, es un cine que no puede circunscribirse a un género específico. Como pocos realizadores argentinos, Pablo César ha sostenido una visión, ideología y estética cinematográficas incomparables, sin precedentes entre sus contemporáneos.

Se podría decir, que la estética de Pablo César, es una estética que sólo puede llevar su nombre. El cine de Pablo César.

Es un cine que abre preguntas, que nos invita a preguntarnos sobre nuestras raíces, nuestra identidad, que indaga sobre la falsedad entre las fronteras geográficas y políticas, que invita a integrarnos como seres humanos y comunidades. La estética de Pablo es una estética transgresora, pero reveladora y fundamental para el espectador de cine.

FUEGO GRIS

Sinopsis

Una joven de 20 años sufre la alienación de una sociedad en la que la abulia y la indiferencia son los protagonistas. Sufre también la incomunicación con su padre quien, en su niñez, había sido cruel con ella, con su madre y sus mascotas. Como consecuencia de un empujón recibido en el ingreso a un recital, la joven trastabilla y pisa una tapa que se abre y cae hacia el fondo donde los conductos pluviales de la ciudad se transformarán en un microcosmos urbano, producto de su enajenación. Ella buscará la salida. Buscará el encuentro con la esencia.

Pablo César

Filmografía

La Sagrada Familia (1988)

Equinoccio (el jardín de las rosas) coproducción con Túnez (1991)

Fuego Gris (1993)

Unicornio (el jardín de las frutas) coproducción con India (1996)

Afrodita (el jardín de los perfumes) coproducción con Malí (1998)

Sangre (2003)

Hunabkú (2007)

Orillas (2011) coproducción con Bénin

Los Dioses de Agua (2014) coproducción con Angola y Etiopía

Ficha Técnica
 
Director: Pablo César

Productor: Félix Ambrosio

Música: Luis Alberto Spinetta

Guión: Pablo César y Gustavo Viau

Director de fotografía y cámara: José Trela

Escenografía: Valeria Ambrosio

Vestuario: Juan Repetto

Montaje: Pablo César

Director de producción: Gustavo Viau

Productor delegado: Maximiliano Ambrosio

Elenco:

Con el debut de María Victoria D'Antonio

Cristina Banegas

Arturo Bonin

Leonardo Sbaraglia

Alejo García Pintos

Eleonora Wexler

Información

Auditorio
Entrada general: $15 - valor promocional por estreno de Espacio Audiovisual.
Entrada gratuita para proyección de cortometrajes.

Blog del departamento audiovisual: http://audiovisualmacba.wordpress.com/
Programación Ficciones Jóvenes: http://www.macba.com.ar/novedad.php?n=50

Exhibiciones
Horario

Lunes a viernes de 12:00 a 19:00

Sábados y domingos 11:00 a 19.30

Ingreso hasta 30 minutos antes del cierre. Martes cerrado



Valor de la entrada

Adultos: $25.

Estudiantes, docentes y jubilados (o mayores de 65 años) con acreditación vigente: $15.

Menores de 12 años: sin cargo.

Miércoles:

General: $15.

Estudiantes, docentes y jubilados (o mayores de 65 años) con acreditación vigente: $10.

Menores de 12 años: sin cargo.

MACBA - Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires

Av. San Juan 328, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina

Tel. +54 11 5299 2010 | www.macba.com.ar





Ciclo de conferencias sobre curaduría





En el marco del Ciclo de Conferencias sobre Curaduría que organiza la Carrera de Curaduría y Gestión Cultural del CIC, los Invitamos a presenciar la charla con la Curadora Florencia Battiti que se llevará a cabo el día viernes 30 de Mayo a las 18:30hs en el CIC.

Confirmar asistencia a: reservas@cic.edu.ar

23 may. 2014

Eterno e Irreversible Final- sobre Aire Libre, de Anahí Berneri, 2014.




En 1945, David Lean dirigió una amarga película sobre una pareja en crisis que se llamó Breve Encuentro. La particularidad del film es que comienza con un largo flashback en donde la protagonista le cuenta al marido sobre una aventura que tuvo cuando conoció a un médico en el tren (espacio erótico de fugacidad y anonimato) mientras éste no la escucha. La casualidad, la brevedad, lo irrefrenable del deseo son las características de la aventura pero también lo son de la pareja misma, que ve desintegrarse aquello que en algún momento los ha mantenido unidos, mientras no pueden hacer más que observar e intentar hacer de cuenta de que nada ha pasado. Un drama que maneja los tiempos de los diálogos y de la visualización del derrumbe a la perfección, confundiendo también el deseo del espectador en donde no sabemos si desearle a la protagonista volver con su marido o animarse a vivir la historia con su amante.



En 1954, Roberto Rosselinni dirigió otra apesadumbrada película sobre una pareja haciendo grandes esfuerzos por salvar su relación. La película es Viaggio in Italia, protagonizada magistralmente por Ingrid Bergman y George Sanders, quienes interpretan a una pareja que busca salvar su relación y con ese objeto viajan de vacaciones a Napoles. Si bien el espacio en la película es evocado como un objeto que amalgame a la pareja, termina jugando en contra, ya que actúa como un intruso en la pareja misma, como una molestia aparte que recuerda en cada momento la cercanía e inevitabilidad de un final triste y divisorio. El carnaval, la extrañeza, la seducción de las festividades y también las ruinas, los fósiles de la muerte, dejan de ser espacios o decorados y se convierten en verdaderos protagonistas d la película.




También están las contemporáneas Lost in Translation (2003) de Sofía Coppola, en donde el desgaste y la fatiga de una relación de jóvenes es acelerada (o beneficiada de acuerdo a cómo lo miremos) gracias a la distancia cultural que impone el lugar en donde están de viaje (Tokyo). El viaje introspectivo necesario y sentimental hace que Charlotte (Scarlett Johanson) se derrumbe lentamente en un lugar que no conoce, con la indiferencia de un novio a quien tampoco conoce y prefiere desconocer.


Woody Allen, experto en narrar historias acerca de los derrumbes de las parejas hizo con Vicky Cristina Barcelona (2008), una perfecta ilustración sobre lo literal de aquello que es insalvable respecto del amor. Y También Richard Linklater, con Before Midnight (2013, última parte de la trilogía sobre una pareja que se conoce en un encuentro fugaz también en un tren) trata el tema del paso del tiempo en una pareja con hijos, que se conocen de manera casual y reviven su amor tiempo después. Con el paso del tiempo también llegan los reproches y los planteos sobre la necesidad de estar con alguien versus la elección de hacerlo.




En esta linea, pero con una poética muy personal, trabaja Anahí Berneri en Aire Libre (2014), donde otra vez el espacio es “la tercera en discordia”, como algo que no se puede resolver y cuya entidad crece y crece (al tiempo que se destruye literalmente) hasta llegar al bloqueo total del paso del aire. En Aire Libre lo que oprime no es ni el reproche, ni la insatisfacción ni el desencuentro sexual, ni la familia de ella, ni la de él, ni el hijo único, lo que oprime es el espacio, la casa que nunca termina de ser apropiada por la pareja y que se impone como un nuevo lugar que debería ser fuente de satisfacción y no hace más que traer problemas. El hogar aparece en la película como un miembro sustancial de la familia que está aun en formación, un miembro que algunos quieren y otros no, que a veces se añora y a veces se desecha. El ímpetu de destrucción se vuelve controlador de la construcción que aparece imposibilitada por la búsqueda inutil y la frustración de la pareja. Ni los cuerpos desnudos, los insultos, el deseo violento, los albergues transitorios, ni los vestidos sensuales pueden retomar y hacerse cargo de aquello que quedó pendiente y en el presente se hace carne como la indiferencia y el desprecio de un ser que ha sido amado por otro y hoy ya no lo es. La naturaleza aparece en la película como un resguardo pero sólo para uno, la pareja se destruye y destruirá todo con ella. La transformación de la pareja se vuelve metamorfosis en sintonía con la naturaleza y todos se vuelven animales en busca de amor y de satisfacción de un deseo tribal.




Aire Libre es una película de Anahí Berneri con las actuaciones de Celeste Cid y Leonardo Sbaraglia.


En Buenos Aires se proyecta en Hoyt's Abasto, Hoyt's Unicenter, Showcase Belgrano, Showcase Norte, Cinemark Palermo, Village Recoleta y Caballito, Hoyt's Dot, Belgrano Multiplex, Cinema Devoto, Cinemark Puerto Madero, Atlas Patio Bullrich, Monumental Lavalle, INCAA Gaumont.

Lucía Luna

Aire Libre. Una película de Anahí Berneri. Con Leonardo Sbaraglia, Celeste Cid, Marilú Marini y Fabiana Cantilo.




22 may. 2014

Perder la forma humana. Desde el 20 de Mayo en el Museo de la Inmigración



Una imagen sísmica de los años ochenta en América Latina.
Martes a domingos de 11 a 19hs.
MUNTREF – Centro de Arte Contemporáneo
Av. Antártida Argentina 1355
Más info: muntrefcac@untref.edu.ar

Pop Up de Arte- Alejo Schatzky


Híbrido


<<>>

Una mujer busca su pasado en una base militar secreta. Dos científicos
involucran novísima tecnología y métodos no del todo éticos para conseguir
saciar el vacío existencial que les produce la soledad a 10.000 metros bajo tierra.
¿Por dónde empezar si lo que ha quedado no son más que añicos?
¿Cuánto vale un recuerdo? ¿Hasta dónde la búsqueda de la verdad paga su precio?


Día y hora: Todos los sábados 20.30hs (durante mayo y junio)
Dramaturgia: Emmanuel Medina
Actúan: Leo Marcet; Florencia Fernández, Ain Molina
Música original: Martín Simonovich
Asistencia de dirección: Agostina Macchi
Dirección: Ana Laura Simonovich
Duración: 45´
Sala: La Vieja Guarida (Guardia Vieja 3777)
Entrada general: $50 (descuento estudiantes $40)

21 may. 2014

JESUS AND MARY CHAIN. En Groove.

Los hermanos Reid presentan en Groove su apocalíptico Post Punk, con el DJ Augusto Herni y la banda invitada IGUANA LOVERS.
Los JESUS AND MARY CHAIN prometen atronar Palermo en una noche que anuncia tormentas.


Groove:
Av Santa Fe 4389.
21 de mayo de 2014. 19 horas.
Entradas desde $ 400.-

Presentación de la Revista TRANSVISUAL NRO 7- En ArteBA.

PRESENTACIÓN REVISTA TRANSVISUAL #7 2013


El viernes 23 de mayo se presentará una nueva edición de la revista Transvisual #7 2013, la publicación institucional del Centro Cultural Recoleta que consolida en sus 140 páginas el nivel de programación y el quinto año de gestión. El encuentro será a partir de las 17 horas en el stand del CCR en ArteBA, la feria más importante de arte del país.

Se ha logrado para esta ocasión, y por primera vez, editar la revista Transvisual para presentarla en el mes de mayo, llegando a esta fecha gracias al dedicado trabajo del Centro de Documentación, Investigación y Publicaciones (CeDIP) del centro cultural.

A propósito, Claudio Massetti, director del centro cultural, sostiene: “He aquí el testimonio, el registro de todo lo ocurrido escrito y descrito por los excelentes profesionales convocados por el CeDIP, que completa el ciclo de la cultura, la memoria de lo realizado. Estimulamos todos los sentidos al mismo tiempo que ejercitamos el pensamiento, la reflexión, el reconocimiento y la creatividad. Son casi 2 millones las personas que nos visitaron y salieron del Centro con algo diferente por contar tras compartir experiencias únicas”.

El Centro Cultural Recoleta ha cobrado protagonismo como símbolo cultural de la ciudad. El Ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, Hernán Lombardi, considera que: “A lo largo de tres décadas, el CCR fue referente del universo artístico y un generador de espacios de intercambio y conocimiento ligado a distintas disciplinas, desde la fotografía a las artes plásticas, desde el cine y la arquitectura hasta la literatura. Es un orgullo para el Ministerio de Cultura el trabajo que año tras año el Centro Cultural Recoleta brinda tanto a ciudadanos como a turistas que son atraídos por la calidad y excelencia de su amplio abanico de muestras, espectáculos y talleres en diversas ramas de la cultura”.

Quienes visiten el stand del Centro Cultural Recoleta en ArteBA podrán adquirir la revista Transvisual # 7 a $30 y todos los catálogos editados hasta el momento a $50.

Cine y Fotografía en la Sociedad Central de Arquitectos. Disertante: Roberto Camarra.



20 may. 2014

OLDBOY: DÍAS DE VENGANZA Un thriller de Spike Lee

OLDBOY: DÍAS DE VENGANZA
Un thriller de Spike Lee
Con Josh Brolin, Elizabeth Olsen, Sharlto Copley,
Samuel L. Jackson y Michael Imperioli

Estreno: 29 de mayo

"Vigilias de un desarraigo". De Germán Cabanas. En el Galpón de Guevara.



"Vigilias de un desarraigo"


De Germán Cabanas

Dirección: Germán Cabanas, Santiago Castello y Mariano Pujal LaplagneEstreno: jueves 17 de abril, 21:30 hs.



Funciones: jueves, 21:30 hs. y sábados, 20:00 hs.

Lugar: El Galpón de Guevara (Guevara 326)
Entrada general: $100-.
Reservas: info@elgalpondeguevara.com
Venta en Ticketek: 5237 7200 | www.ticketek.com.ar



"El intérprete, mezclando lo dramático y lo físico, casi sin expresar palabras, utiliza su cuerpo integralmente, sin límites de movimientos, como elemento de comunicación. Cabanas tiene una ductilidad y un control privilegiado de su cuerpo. Lo demuestra al ejecutar virtuosamente todo tipo de acrobacias (aérea, palo chino, tumbling, danza y vuelos). (...) La perspicaz marcación del director Mariano Pujal sumerge al espectador en un mundo silencioso, donde los sentidos se colman de vértigo y fascinación creciente."
​ Cristian Dominguez, Página de Martín Wullich.​

"La importante trayectoria de Germán Cabanas en las artes escénicas se materializa a partir de su destreza corporal, producto del entrenamiento y de la investigación. Un hecho artístico que excede la categorización de teatro físico con un ritmo sostenido desde su inicio hasta su final a puro aplausos."
​ María de los Angeles de la Cruz, Luna Teatral.


" Por medio de la combinación de técnicas de teatro físico, danza, acrobacia y vuelos escénicos, la pieza de presenta como un mundo al revés donde el cuerpo del intérprete debe adaptarse a cada situación, sin importar lo real o ficcional de éstas desafiando constantemente la gravedad, con y sin arneses.
​ " Laura Rauch, Orchestra Revista.​



"Germán Cabanas hace de su cuerpo una metáfora para hablarnos de los efectos del amor. Y lo hace con diversos recursos como la acrobacia, la danza, los vuelos, utilizando su extraordinaria destreza física, con una dirección técnica y artística coordinada en los ínfimos detalles
​ .​

"
​ Raquel Tesone, El gran otro.​


PRIX D’AMI presenta “Vigilias de un desarraigo”, ideada y protagonizada por Germán Cabanas con dirección general de Mariano Pujal y dirección técnica de Santiago Castello. Con dirección técnica de Santiago Castello y dirección general y actoral de Mariano Pujal Laplagne.




Este espectáculo combina técnicas de teatro físico, acrobacia, danza y vuelos escénicos utilizadas a favor del conflicto dramático. Un hombre sufre una pena de amor. La vigilia lo desvela. Su percepción muta ante el aislamiento y pronto el sueño y la realidad se confunden. 


En el 2013, “Vigilias de un desarraigo” fue el espectáculo elegido para abrir el Festival Internacional de Teatro de Nuevo León, Monterrey (México).
​ Cabanas es un eximio acróbata y director artístico de PRIX D’AMI Producciones, en el área que ha coordinado y supervisado, las puestas teatrales de Casi Ángeles, Spiderman, Super Torpe, entre otros.

Te invitamos a ver el Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=5evHCuRr0H0


Sinopsis:

¿Quién pone los límites entre realidad y ficción? ¿Quién dice que el tiempo se puede medir en minutos, horas, días? Un hombre se encuentra encerrado en un departamento. ¿Por qué no puede salir? Lo real se mezcla con lo onírico y el espectáculo nos invita a ver lo que el intérprete ve. Tras las noches de vigilia, su percepcion cambia. Cuando perdemos a alguien todo deja de tener sentido, o cobra otro sentido.

"Mash Up, Mezcla Uno". De Leo Kreimer. En el galpón de guevara.

"Mash Up, Mezcla Uno"




Creación y Dirección: Leo Kreimer

Elenco: Estefanía Bavassi, Ana Gurbanov, Rakhal Herrero, Tomás Middleton, Matías de Padova, Ignacio De Santis, Benjamín Ruiz, Camila Schatzky y Débora Zanolli.

Funciones: viernes 22:00 hs. y sábados 23:00 hs.

Lugar: El Galpón de Guevara (Guevara 326)
Entrada general: $100-.
Reservas: info@elgalpondeguevara.com
Venta en Ticketek: 5237 7200 | www.ticketek.com.ar




Dijo la Prensa:

“50 minutos de alto impacto visual”(La Nación, Alejandro Rapetti)
“Lo que quiere Leo Kreimer es que la gente la flashee. Y lo logra” (Ñ, Clarín, Ivanna Soto)
"En Mash Up, mezcla uno hay suspenso, humor y adrenalina. Kreimer logra crear una pieza única.(Tiempo Argentino, María Sastre)
"La lograda creación de Leo Kreimer destaca en varios aspectos, y despliega potencia y creatividad." (En escena hoy, Martín Fernández Tojo)
"Mash Up, una nueva posibilidad para viajar por los vericuetos del teatro de la mano con la tecnología"(Espectáculos de acá, Santiago Toral Reyes)
"Más que una obra para ver, Mash Up es una experiencia para vivenciar." (Revista Lucarna, María Victoria Tamborelli)
"Un espectáculo inquietante y sorprendente"(Charly Borja, Descongelando Mentes)
"impresionante puesta en escena" (Revista Dínamo)




​ Comentario de Laura Rauch (jurado teatro del mundo)​




http://orchestrarevista.wix.com/orchestra#!Teatro-Proyectar-el-deseo-Mash-up-mezcla-uno-de-Leo-Kreimer/c1uxb/B85FAB75-301B-4EF2-A7B8-EE65E8A72445
Después de una excelente temporada de verano, "Mash Up, mezcla uno" retorna a la cartelera con cambio de día.
Desde el 11 de abril, los viernes a las 22:00 hs. y los sábados a las 23:00 hs., no dejes de ver "Mash Up, mezcla uno" de Leo Kreimer, una propuesta que combina aéreo, música en vivo y proyecciones en El Galpón de Guevara. 
Leo Kreimer es el protagonista de "Hombre vertiente" e integrante de la compañía De la Guarda. Con figuras del teatro físico como Débora Zanolli y Rakhal Herrero, "Mash Up, mezcla uno" deslumbra en su despliegue escénico.  El concepto  de "Mash Up" es uno de los subproductos más interesantes de la cultura del remix. 
En "Mash Up, mezcla uno" la realidad  es una proyección de tu deseo. 

Sinopsis:
“Un hombre recibe los estímulos de un televisor encendido. De repente, sin quererlo, algo en su percepción cambia. Y la realidad estalla en miles de imágenes y sonidos que son reprocesados y remezclados, creando algo nuevo, un hombre nuevo que es a la vez el mismo hombre. Adentro y afuera son la misma cosa. No hay separación entre lo que percibe y lo que es. La realidad se multiplica, él se multiplica, puede ser varón o mujer, humano o animal, puede volar, bailar, saltar de una fiesta electrónica a un hospital silencioso. Las partes de su cuerpo vuelan por los aires, se descompone y se vuelve a componer. Su conciencia y su cuerpo ya no están separados".

Campo Cascada Una obra de Gabriela Bejerman inspirada en Jane Bowles. En el Excéntrico de la 18º.



Campo Cascada
Una obra de Gabriela Bejerman inspirada en Jane Bowles





El sábado 7 de junio a las 22.30 se estrena “Campo Cascada”, una obra escrita y dirigida por Gabriela Bejerman, inspirada en Jane Bowles y protagonizada por Sofía Wilhelmi, Fernanda Pérez Bodria, Carolina Guareschi, Melisa Freund y Vanesa Madia. En El Excéntrico de la 18°, Lerma 420. Entradas $80 (Descuento a estudiantes y jubilados). Reservas: 4772-6092



Campo Cascada es el hilarante territorio del malentendido donde cinco mujeres intentan “ser parte de este mundo” pero se enroscan en sus mentes sin saber cómo ser ellas mismas y, de paso, descubrir alguna forma de amor que no sea otra cárcel.



Luego de traducir y prologar casi la mitad de la obra de Jane Bowles, inédita hasta 2012 (Juego de damas, Eterna Cadencia), y en coincidencia con la publicación de su libro de cuentos Heroína (Mansalva), Gabriela Bejerman se apresta a dirigir teatro por primera vez con un homenaje esta escritora norteamericana de culto.



La inquieta artista que supo seducir la noche underground como Gaby Bex y los temas de su álbum Mandona, nos presenta con esta comedia un mundo femenino de malentendido, complicaciones, amores enroscados, tejes y manejes. ¿La búsqueda de la felicidad o el encanto de complicarse la vida?



Laura y Fanny se conocen en un complejo de cabañas en el bosque al que llegan para encontrar su identidad y alguna forma de libertad. Mientras tanto, la dueña de un garaje intenta torpemente seducir a una vendedora de sándwiches, orgullosa y difícil. Finalmente, la solterona y manipuladora Dora viaja en busca de su hermana para traerla de vuelta a la casa familiar y ejercer su venenoso amor.

Dos mundos paralelos, el rústico paisaje de “Campo Cascada” y un moderno living urbano de los años cuarenta, que finalmente se cruzan. Cinco mujeres en conflicto consigo mismas que intentan liberarse de sus ataduras, enfrentar sus imposibilidades y miedos en un tono humorístico y con el absurdo propio de Jane Bowles.

¿Es posible amar y ser libre al mismo tiempo? ¿Qué es ser una mujer independiente? ¿Cómo perder el miedo y salir al mundo? ¿Qué amenaza oculta el amor?



“Escribí esta historia con las mujeres absurdas de Jane Bowles, que nos hacen reír mientras intentan ser ellas mismas y salir al mundo, mientras se preguntan si es posible ser libres y amarse.” Comenta Grabiela Bejerman





Ficha técnica: Actúan: Sofía Wilhelmi, Fernanda Pérez Bodria, Carolina Guareschi, Melisa Freund, Vanesa Madia,Escenografía: Fernando Lancellotti Música y diseño sonoro: Ulises Conti Iluminación y fotografía: Juan Pablo Castrillón, Proyección: Mariela Bond, Libro guirnalda: Daniel Joglar, Vestuario: Soledad Limido, Coreografía: Nicole Codrón, Diseño: Alejandro Ros, Asistencia de dirección: Patricio Claisse y Jennifer Szwarcbart Asistencia de producción: Mariángeles Zamblera, Dramaturgia y Dirección: Gabriela Bejerman




Sobre Gabriela Bejerman (http://es.wikipedia.org/wiki/Gabriela_Bejerman)

Es licenciada en Letras (UBA), escritora, traductora y cantante.

En 1997 coedita la revista literaria Nunca nunca quisiera irme a casa, que coincide con el boom de la poesía de los 90 y propicia un inédito cruce de públicos y esferas artísticas. Se perfila como escritora y performer.

En 1999 comienza a publicar poesía en libros individuales –Alga (1999), Crin (2001), Pendejo (2003), Sed (2004), Ubre (2012)– y en diversas antologías nacionales e internacionales (2009: Antología de la nueva poesía argentina, Perceval Press, Santa Mónica, CA, USA. 2009: Traverseés. Une anthologie de poètes nés en Argentine entre 1960 et 1978, Editions Apogeé, Rennes, France. 2007: Poetas argentinas, 1961-1980, Ediciones del Dock, selección y prólogo de Andi Nachon, Buenos Aires. 2006: Los poetas interiores (muestra de la nueva poesía agentina), Amargord, Madrid, Spain. 2001: Monstruos, antología de la poesía joven argentina selección de Arturo Carrera. FCE, Buenos Aires.)

En 2004 publica su primera novela, Presente perfecto, con el subsidio de la Fundación Antorchas y César Aira como jurado. Luego, Linaje (2009, novela) y Heroína (2014, cuentos), ambos por Mansalva. También participa en antologías de narrativa nacionales e internacionales (2014: Felices juntos, narrativa argentina. Tenemos las máquinas, Buenos Aires. 2013: Brasil. Ficciones de argentinos. Selección de Isis Costa McElroy y Eduardo Muslip. Casa Nova, Buenos Aires. 40 grados a la sombra, diez cuentos calientes escritos por chicas. Emecé, Buenos Aires. 2011: La condición pornográfica, [Antología de narrativa erótica latinoamericana] Santiago Luis compilador, ed. El cuervo, La Paz, Bolivia. 2010: Volveré y seré la misma. Panorama de nuevas narradoras argentinas. La calabaza del diablo, Santiago de Chile, Chile. 2010: Neues vom Fluss, [Antología de nueva narrativa latinoamericana], Verlag Lettrétage, Berlin Germany. 2008: El futuro no es nuestro, narradores de América Latina nacidos entre 1970 y 1980, antología virtual).

Entre 2002 y 2012 desarrolla su carrera de cantante con el seudónimo Gaby Bex. Edita un álbum en 2007, titulado Mandona. Participa de la escenaunderground de la música electrónica. Se presenta en ciudades de Argentinas (Buenos Aires, Mendoza, Córdoba, Rosario, Resistencia, Corrientes) y en Chile, México, Canadá, Francia y Alemania.

En 2008 actúa en Mayoría (dirección: Maruja Bustamante). Luego actúa en la miniserie PLAN V (www.planv.com.ar), dirigida por Maruja Bustamante, Lorena Romanín, Sofía Wilhelmi.

En 2012 y 2013 forma parte de los talleres de Biodrama con Vivi Tellas. Se presenta en Soy Vudú, Bocetos de Biodrama (CIA, 2013) Participa de “7 colchones”, teatro no lineal dirigido por Bárbara Echevarría.

En 2012 traduce y publica obra teatral y narrativa de Jane Bowles (Juego de damas. 9 cuentos y una obra de teatro, Eterna Cadencia).

Desde 2000 coordina talleres de escritura y lectura diversos (UBA, CCROJAS, Casa de Letras, Paideia).

Fue invitada a festivales internacionales de literatura y artes performáticas en México, Suecia, Canadá, Perú y Chile entre otros.




EL CIELO OTRA VEZ Una película de Gustavo Alonso

 SINOPSIS
El cóndor andino, el ave voladora más grande del mundo, está volviendo a surcar los cielos de las costas Patagónicas, gracias a un esfuerzo de conservación que integra los últimos adelantos biotecnológicos con la cosmovisión de los pueblos originarios, guardianes del milenario contacto con estas aves sagradas.
Lejos de ser un documental sobre naturaleza, EL CIELO OTRA VEZ es un relato sobre la condición humana. Sobre un grupo de biólogos y voluntarios argentinos que se ponen al servicio de una causa que trasciende las fronteras
La síntesis entre la cosmovisión de los pueblos originarios y la más moderna tecnología hacen posible que el caso argentino, aún con recursos limitados, constituya una experiencia de cría en cautiverio y reinserción en la naturaleza de reconocimiento mundial.
Se necesitaba un sueño, la unión de muchos corazones y un lugar muy especial, las Sierras de Paileman, para poder alcanzar, como era entonces, EL CIELO OTRA VEZ.

 

FICHA TÉCNICA
Documental, Argentina, HD, 66 min.
Rodado entre 2009 y 2014
Producción ejecutiva: Jorge Rocca/ Graciela Mazza
Producción: Noemí Fuhrer
Guión y dirección: Gustavo Alonso
Fotografía y cámara: Pablo Degliantoni/ Hendrik Mijers
Música original: Lolo Micucci
 
 
ACERCA DEL RODAJE
A lo largo del 2013 grabamos por última vez el ciclo de trabajo del Proyecto de Conservación del Cóndor Andino.
Seguimos el proceso de trabajo del Dr. Luis Jacome, que es el biólogo que motoriza el proyecto desde la Fundación Bioandina y el zoológico porteño y a su coordinadora la lic. Vanesa Astore. Junto a él trabaja en el Zoo de Buenos Aires un grupo de voluntarios, profesionales y becarios que esperan la llegada de un huevo de cóndor nacido en cautiverio en algunos de los zoológicos de la región para iniciar su incubación.
Comienza entonces la experiencia que incorpora desde el primer momento a los pueblos originarios, que participan del nacimiento del pichón, cuando casca el huevo.
El pichón de cóndor es alimentado por humanos que utilizan títeres de látex que simulan ser sus padres, rodeados de paredes espejadas, para pasar luego a un recinto junto a otros cóndores.
El desafío del registro era mantener la dinámica propia de los especialistas sin intervenir, en función de que los cóndores no “tienen ningún registro visual de un ser humano” a lo largo del proyecto.
La otra etapa del trabajo es la del monitoreo satelital con la que siguen el patrón de desplazamientos de los cóndores soltados con anterioridad, debido a un trasmisor instalado en una de sus alas.
El viaje a Pailemán representa la última etapa de rodaje en las que descubrimos a los voluntarios que viven en la aridez del suelo patagónico, tras las pistas de los cóndores liberados.
Y en las ceremonias encontramos a los pueblos originarios, con sus rezos y plegarias para que los cóndores los transporten al cielo.
 
 
 
NOTA DEL DIRECTOR
“Cuando Graciela Mazza y Jorge Rocca me propusieron dirigir el documental sobre la liberación de cóndores, bajo la producción de Noemí Fuhrer, dejé en claro que no encontraba en el tema un material de especial interés para mí.
Por entonces estaba produciendo ficción televisiva y conocía a los productores del mundillo del documental político y de derechos humanos. Todo bien lejos de cualquier montaña.
Los productores me mostraron parte de lo filmado en viajes anteriores, me comentaron el proyecto que había desarrollado la productora Sparks hasta el momento y finalmente nos reunimos en el zoológico porteño con los integrantes del proyecto de conservación del cóndor andino.
Expresé entonces que el documental tal como me lo proponían no lo podía desarrollar.
Propuse en cambio una interpretación personal del tema, más cercana al Moby Dickde Melville que al documental naturalista. Claramente el foco es la cría en cautiverio y posterior liberación de cóndores para su reinserción en la naturaleza, pero a mí me interesaba construir un relato sobre la motivación y el compromiso de ese grupo de biólogos y voluntarios que dejaban sus horas al servicio de una actividad científica convertida en ritual.
Posiblemente desde mis prejuicios urbanos buscaba razones para entender por qué un grupo de personas que trabajan y colaboran en un zoológico palermitano se trasladan a la Patagonia armando carpas de campaña, renunciando a la electricidad y a tantas otras cosas, para seguir el derrotero de un ave. ¿Cómo es posible que un joven voluntario decida no pasar la Navidad con su familia porque se queda de guardia para rotar un huevo de cóndor en una incubadora?
En la etapa de escritura se necesita transformar a esos seres en personajes y ahí estaba colocado mi deseo. Aprendí en ese proceso que el cóndor andino volaba hace miles de años en la región, que los pichones son criados en cautiverio con títeres de látex que imitan a los padres, que la experiencia de conservación de la Fundación Bioandina y el Zoológico de Buenos Aires tiene un cien por ciento de éxito - aún con menores recursos que países centrales-, que la forma de una piedra los había guiado, que la participación espiritual provista por los pueblos originarios es determinante para el trabajo y que esa espiritualidad es difícil de comprender en el campo científico y académico.
Recién entonces pudimos armar el equipo para registrar la suelta en Paileman, y comprendimos la ceremonia de los pueblos en una acción destinada a comprender la naturaleza”
 


Bio filmografía del director
Formado en la Facultad de Bellas Artes de la UNLP y en talleres con Pino Solanas, Dalmiro Sáenz, Alejandro Agresti, ha sido becario del último Taller de Guión impartido por Gabriel García Márquez durante 2008.
En 2006 estrenó su documental LA VEREDA DE LA SOMBRA, basado en la obra de Fabián Polosecki, y en 2008 estrenó ROMPENIEBLAS, UNA HISTORIA DE PSICOANÁLISIS Y DICTADURA.
Ha publicado crónicas, libros infantiles y ha dirigido la versión teatral de El Eternauta, con el elenco de la Comedia y la participación de Cristina Benegas, Lorenzo Quinteros y Víctor Laplace.
Guionista de los documentales FRAGMENTOS REBELADOS, de David Blaustein; LOS ANCONETANI, de Silvia DiFlorio; LA GUARDERÍA, de Virginia Croatto y REGRESO A CORONEL VALLEJOS, de Carlos Castro (en postproducción) y de las series CUMBIA DE LA BUENA, de Cristian Jure para Encuentro y BIZARROS, de Carlos Castro para CePIA.
Productor ejecutivo de los documentales LA GUERRA POR OTROS MEDIOS (2010), de Emilio Cartoy Díaz; DIEZ VECES VENCEREMOS (2012), de Cristian Jure; EN LOS OJOS DE LA MEMORIA (2013), de Betiana Bugardt y REGRESO A CORONEL VALLEJOS, de Carlos Castro.
Productor delegado del documental VÍCTOR, de Cecile y Alice Verstraeten, producido por los hnos. Dardenne.
Productor ejecutivo de de los largometrajes LOS CHICOS DESAPARECEN, de Marcos Rodríguez y EL BOSQUE, de Siciliano-Lasserre; y de las series de ficción DIALOGOS FUNDAMENTALES, dirigida por Lucía Cedrón, Ulises Rosell y Hernán Belón y productor de las series LA DECISIÓN EQUIVOCADA, de Cohn-Duprat y AMORES DE HISTORIA, de Pablo Fischerman y Martín Desalvo.


 
Más info:

https://www.facebook.com/pages/El-Cielo-Otra-Vez/511528298929622?fref=ts

HIPPOLYTE ET ARICIE UNA ÓPERA BARROCA EN LA USINA DEL ARTE. basada en Hipólito de Eurípides y en Fedra de Racine. Una producción de la Compañía de las Luces con Dirección Musical de Marcelo Birman, Puesta en Escena de Pablo Maritano y Coreografía de Carlos Trunsky

Lírica / 2014

HIPPOLYTE ET ARICIE
UNA ÓPERA BARROCA EN LA USINA




 

La Usina del Arte presenta la tragedia lírica  de Jean-Philippe Rameau, basada en Hipólito de Eurípides y en Fedra de Racine. Una producción de la Compañía de las Luces con Dirección Musical de Marcelo Birman, Puesta en Escena de Pablo Maritano, Coreografía de Carlos Trunsky  y la actuación de solistas especializados en el repertorio barroco, ballet, coro y orquesta de instrumentos de la época. 

En el ciclo de conciertos en La Usina tendrá lugar la presentación del CD Hippolyte et Aricie de la Compañía de las Luces, grabado en vivo durante el estreno sudamericano, realizado en octubre de 2011 en el Museo Nacional de Arte Decorativo.

 Presentaciones: viernes 23 de mayo a las 20.30 hs
sábado 24 a las 19.00 hs y domingo 25 de mayo a las 18.00 hs 
La Usina de las Artes: Agustín Caffrena 1, esquina Pedro de Mendoza
La Boca
Informes: info@usinadelarte.org  
Entradas: libre y gratuita

Son tiempos tumultuosos en Atenas. El rey Teseo, hijo de Neptuno, ha descendido a los infiernos, en busca de su amigo Pirítoo. La reina Fedra cree que su esposo ha muerto, y se dispone a conquistar al príncipe Hipólito, hijo de Teseo con la amazona Antíope. Hipólito, en cambio, sufre por el amor de Aricia, una joven virgen dispuesta a consagrarse al culto de la diosa Diana. En el Hades, Plutón y las Parcas le anuncian a Teseo que, cuando regrese a su casa, sólo encontrará sufrimiento. Pero en los bosques que rodean Atenas, Diana está dispuesta a proteger a los jóvenes amantes...


Ficha Artístico  Técnica
Compañía de las Luces

Marcelo Birman, dirección musical
Pablo Maritano, puesta en escena
Carlos Trunsky, coreografía
Diseño de iluminación: Betina Robles

Marisú Pavón                    Phèdre
Sergio Carlevaris             Thésée
Pablo Pollitzer                Hippolyte
Ana Moraitis                   Aricie
Norberto Marcos             Pluton
Beatriz Moruja                Diane
Esteban Manzano            Tisiphone / Première Parque
Cecilia Arroyo                 La Grande Prêtresse / Une Bregère
Soledad Molina                Une Matelote / Une Chasseresse
Luciana Milione               Œnone
Martín Benítez                Deuxième Parque
Juan Feico                      Troisième Parque
Christian Lombeida          Mercure


Sobre la obra
Por alguna razón, los villanos siempre resultan más seductores que los héroes. Verdi pensó en llamar "Yago" a su versión deOtello y Tim Burton pensó en llamar "El Guasón" a su primera Batman. Por eso, la primera ópera de Rameau podría llamarse, con todo derecho, "Fedra", un personaje realmente fascinante que fuera llevado al teatro francés del siglo XVII por Racine a partir de la tragedia Hipólito de Eurípides.
Después de su estreno, en 1733, se dijo que en Hippolyte et Aricie "había música para escribir por lo menos diez óperas". En realidad, es sólo una, aunque den ganas de escucharla muchas veces.
La Compañía de las Luces realizó en 2011 el estreno sudamericano de esta tragedia lírica –versión de 1757- en el Museo Nacional de Arte Decorativo, con solistas especializados en el repertorio barroco, coro y orquesta de instrumentos de la época; sumando un nuevo estreno a las realizaciones que el grupo liderado por Marcelo Birman viene presentando desde hace casi una década: Armide de Lully, Les danaides de Salieri, Castor et Pollux de Rameau y David et Jonathan de Charpentier.


DIJO LA PRENSA


"La Compañía de las Luces ha logrado convertir la tragedia lírica francesa en una nueva especialidad porteña."
Federico Monjeau, Clarín, sección espectáculos

"Hippolyte et Aricie de Rameau tuvo un estreno sudamericano impecable en manos de la Compañía de las Luces. Nuestra opinión: excelente"
Juan Carlos Montero, La Nación, sección espectáculos

"La Compañía de las Luces, pionera en la introducción de obras del repertorio francés, va elevando año a año la apuesta."
Ernesto Castagnino, Tiempo de Música