Drama Música Cine Arte Fotografía

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31 jul. 2015

Festival de Animación EXPOTOONS 2015. En Setiembre.


¿QUÉ ES EXPOTOONS?

Es el Festival Internacional de Animación más representativo de la región. Un referente obligado para toda la industria del sector: profesionales, creativos, productoras, animadores, estudios de comunicación, agencias de publicidad, canales de TV, empresas tecnológicas, institutos de enseñanza, proveedores y estudiantes. Tiene por objetivo difundir la Animación como motor de crecimiento de la industria audiovisual y cultural, generando un espacio para el intercambio de tendencias, tecnologías, conocimientos, propuestas artísticas y experiencias entre los distintos países.

¡Animate a descubrir y disfrutar de esta novena edición del Festival Internacional de Animación EXPOTOONS!

Este año se realizará los días 3, 4, 5 y 6 de septiembre en el CCK, El Dorrego, y Espacios Incaa Gaumont Buenos Aires


INVITADOS NACIONALES E INTERNACIONALES

Tenemos el agrado de confirmarles las visitas de los destacados invitados tanto internacionales como nacionales
Desde Marruecos, Hassan El Youbi (director de arte y especialista en efectos especiales Avatar, Ga’Hoole La leyenda de los guardianes y Ásterix); Carlos Biern (CEO de BRB Internacional, una de las empresas líderes en Europa, referente de la animación española en producción, distribución y licencias de programas de televisión de alta calidad); Pablo Toscano (Director de animación enUBISOFT, una de las empresas más importantes de transmedia y videojuegos de Canadá), Emiliano Sartoris (Director Senior de Contenidos para la región Andina, Argentina y Cono Sur de los canalesCartoon Network, Boomerang y Tooncast), Dardo Sauret (Director creativo de Nickelodeon), María Soledad Yañez (Representante de Discovery Kids), César Coelho (Director y fundador del festivalAnima Mundi e importante productor de Brasil), Erwin Gomez y Margarita Cid Lizondo, directores y fundadores del Festival de animación de Chile, Chilemonos), Sergio Martinelli (Director y fundador deZoyo Entertainment), Rodrigo Eba (Representante de TvPinGuim de Brasil y director de Peztronauta),Alfredo Soderguit (Director de la película de animación uruguaya, AninA y director de Palermo Estudio), Pablo Aristizabal de Aula 365 presentará el caso de éxito de transmedia con nuevas tecnologías de OCULUS Riff, entre otros importantes representantes del sector.

RED DE FESTIVALES

Presentaremos formalmente la Red de Festivales mediante una conferencia latinoamericana que incluye a 5 países de la región (Argentina, Colombia, Chile, Brasil y México), de manera de fomentar la coproducción latinoamericana. Como puntapié inicial de este proyecto, anunciaremos el lanzamiento del Primer Concurso de Guiones Latinoamericanos.

PELÍCULAS EN COMPETENCIA/ MUESTRAS PARALELAS

Durante el Festival se realizarán proyecciones de films nacionales e internacionales, de las 1.100 piezas animadas de 75 países diferentes que se han inscripto, se seleccionarán para la consideración de la audiencia lo mejor y lo más actual del mundo.

Un prestigioso jurado elegirá las mejores producciones en la Ceremonia de Premiación.

Por otra parte, también contaremos con dos muestras paralelas.

Muestra paralela FRANCIA – con lo mejor de la animación francesa de los últimos años.

Muestra paralela DERECHOS HUMANOS – una cuidada muestra realizada por nuestro programador contando con piezas que utilicen la animación como herramientas para tratar temas vinculados a los DERECHOS HUMANOS.

Se sumarán a estas proyecciones una selección de tres cortos de lo más destacado en animación del último festival BAFTA (UK) y de la animación española.


RONDA DE NEGOCIOS

Dentro del programa de actividades también se desarrollará las Rondas de negocios en MICA de la que participarán destacados invitados internacionales que representan a importantes compañías de Brasil, Chile, México, Estados Unidos, Marruecos, Canadá y Argentinas que están interesados en contactarse con productoras para coproducir y adquirir proyectos.


REEL DAY

Como todos los años, contaremos con el Reel Day. Un encuentro efectivo de intercambio entre destacados compradores internacionales que representan a las más importantes compañías del mundo, interesados en contactarse con productoras para coproducir y adquirir proyectos. Una oportunidad para pilotos y servicios de producción.


UNIVERSIDADES

La educación es un pilar muy importante para Expotoons. El ideal de capacitar al sector es primordial. Por tal motivo, este año estamos preparando contenidos atractivos y necesarios para poder acercarles a los estudiantes de carreras afines a la industria. Mediante talleres, conferencias, workshops y contacto con los referentes más destacados de la industria les mostraremos la actualidad de la industria de animación de aquí y del mundo.
El sector Universidades se fortalece año a año entendiendo la importancia que tiene la formación para esta industria.


DESCUBRIENDO NUEVOS TALENTOS

En este sentido, continuando con la exitosa alianza que realizamos el año anterior con LEADER ENTERTAINMENT, abriremos la 2da. Edicion del Concurso para descubrir nuevos talentos. A los ganadores se les entregaran premios económicos para la producción de 12 cortos musicales. Estos ganadores se subirán al canal con el que cuentan en Youtube y serán incluidos en un DVD de LEADER ENTERTAINMENT.


Ronda de negocios

En MICA Rueda de negocios
http://mica.cultura.gob.ar/
Sin cargo


Del 3 al 6 de septiembre de 2015
Proyecciones: Espacio Incaa Cine Gaumont (Rivadavia 1635)
Conferencias y Master Class: El Dorrego (Dorrego y Zapiola)
Ronda de Negocios: CCK (Sarmiento 151)

“Entre la desmesura y la insignificancia. Estudios para la construcción del paisaje”. Exposición de Diego Villalba en el Recoleta.



“Entre la desmesura y la insignificancia.


Estudios para la construcción del paisaje”

de


Diego Villalba







El Centro Cultural Recoleta del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, presenta la muestra Entre la desmesura y la insignificancia. Estudios para la construcción del paisaje del artista Diego Villalba, que tendrá lugar el jueves 30 de julio a las 18h en la Sala 13.



La muestra es la primera escala del proyecto “Entre la Tempestad y la Calma”, que se basa en una serie de pinturas de pequeño y gran formato, a modo de relato, utilizando conceptos y elementos con los que vengo trabajando en mi obra en estos últimos años.



Luego de esta etapa, el mismo se expondrá en Fundaciones, Centros Culturales y Museos de varias ciudades de Latinoamérica en el correr de los próximos dos años.

La idea que lo orienta es la construcción de diversos paisajes, que evocan y remiten a conceptos como la memoria, los recuerdos, la pérdida y la soledad.



La técnica utilizada principalmente es óleo, pero utilizo también acrílico, carbonilla, grafito, solventes, sobre tela y papel. La cantidad de obras son 12, dentro de las cuales hay obras formadas por dípticos y polípticos de cuatro, cinco y nueve paneles.




Inauguración: jueves 30 de julio

Cierre: domingo 16 de agosto

Sala 13

Horarios: de martes a viernes de 13.30 a 20.30 hs.

Sábados, domingos y feriados de 11.30 a 20.30 hs.



CENTRO CULTURAL RECOLETA

Junín 1930 

28 jul. 2015

La Varsovia de Patricia Suárez. Dirección de Liliana Adi. En El Excéntrico de la 18º.



La Varsovia

De Patricia Suárez

Dirección y Puesta en escena: Liliana Adi
"La Varsovia" transcurre durante un viaje en barco desde Polonia hacia Argentina en los años 30. Mignón "traslada" a Hanna, mujeres polacas-judías arrastradas a la prostitución, enamoradas del mismo hombre que las reduce a objetos, las enamora y las contrapone.

Actrices: Lena Simón y Silvana Rosón 
Músicos en vivo: Alejo Slucki (Acordeón) y Matías Wettlin (Guitarra)
Asistente de dirección: Mailen López

Funciones: Sábados 19 hs

Teatro: El Excéntrico de la 18° Dirección: Lerma 420

Reservas: 4772-6092 www.elexcentricodela18.com.ar

Localidades $ 120 (descuento Jubilados y Estudiantes $100)


http://tiempo.infonews.com/nota/156962/varsovia-una-obra-sobre-mujeres

Entrevista a Liliana Adi

"No es una puesta realista, tanto la escenografía como el vestuario. La obra se desarrolla durante el viaje de dos mujeres hacia la Argentina. Muestra el vínculo entre ellas y un personaje masculino."


http://saborateatro.com/2015/06/16/esclavas-blancas/

Por Mariela V. Gagliardi

"Una excelente escenografía, súper artesanal –constituida por maderas superpuestas-, un vestuario blanco y delicado, un texto deleitoso y atrapante, al que se le une la dirección precisa y fina de su directora; permiten que "La Varsovia" sea una propuesta justiciera y artística de alto vuelo."


http://periodicoelduende.blogspot.com.ar/2015/06/la-varsovia.html

Por María Riccheri

"Las actrices dejan en el escenario toda una pasión que transmite emoción y deleite haciendo la trama más que interesante para todos los espectadores."



http://www.adrianafrancia.com.ar/2015/06/la-varsovia.html

Por Adriana Francia

"Muy buenas actuaciones de ambas actrices. Una puesta en escena para destacar con la participación de músicos en vivo que aportan un toque de dramatismo a la obra."


http://forodebaires.com.ar/?p=20555

http://lapiaf.com.ar/w2013/?p=1811

Por Ana Leguísamo Rameau
"Mujeres distantes y distintas, logran una clara amalgama de puro talento."

Por Florencia Campetelli
"En lo experto teatral, los músicos en vivo acompañan las escenas detonantes, con una armonía con acordeón y guitarra que alude a las melodías de las canciones típicas de la llegada de los inmigrantes. Es una obra situada en el año 1930. Los colores del vestuario son claros, sencillos, perfectos para la ocasión, rosa pálido y blanco tiza. Las luces, azules y naranjas en su mayoría, y un foco ubicado desde el suelo remarca los gestos inagotables e invasivos de los personajes. Hay un increíble compás de tiempo entre los diálogos."

Por Azucena Ester Joffe, María de los Ángeles Sanz
"Las actrices logran convencer con su performance en sus diferentes roles a un espectador que sigue una trama que deja caer su punto de vista y su fuerza en la entonación de las palabras más que en el ejercicio de las acciones físicas. En esta puesta en escena, en la varsovia 2particular, en el amplio espacio lúdico, todos los sistemas significantes encastran perfectamente para crear el clima de la fragilidad femenina."

Por Amelia Jonte
"Con diálogos casuales que van hilvanando una historia trágica sin perder nunca el humor, la dramaturga Patricia Suárez nos cuenta su punto de vista acerca de La Varsovia, una red de prostitución forzada que operó en nuestro país y en Europa durante muchas décadas del siglo pasado. No recurre a datos históricos ni cita fuentes: lo suyo es un puro relato del presente."

" 24 horas viraje " de Gilda Bona, Con dirección de Francisco Civit. En t e a t r o a n F i t r i ó n



" 24 horas viraje " de Gilda Bona, Dirección: Francisco Civit. sábados a las 22 30 hrs en
t e a t r o a n F i t r i ó n Venezuela 3340. Entrada gral $120. C/ desc $90


"Betina, luego de recibir una llamada telefónica en mitad de la noche, es arrojada a una pesadillesca travesía en las entrañas de un recóndito hospital; allí la espera un explosivo cóctel de confusiones, burocracia hospitalaria, inyecciones de halopedirol y hasta un encuentro prohibido. A un ritmo vertiginoso atravesará una y otra vez las escaleras del hospital, sumergida en una comedia negra de la que saldrá 24 horas después, totalmente transformada."



"24hs Viraje"
de Gilda Bona


Dirección: Francisco Civit


Con: Irina Alonso, Marta Pomponio, Gabriel Yeannoteguy, Marcela Grasso, Pablo Aparicio, Gabriella Calzada, Belen Rubio y Daniel Barbarito.


Premios ACE nominación:
Revelación femenina por la dramaturgia de 24 horas viraje, Gilda Bona.


Premios Trinidad Guevara, nominaciones:

Mejor Dramaturga, Gilda Bona
Mejor Actriz Protagónica, Irina Alonso
Mejor Director, Francisco Civit


Premios Florencio Sanchez, nominaciones
Revelación Femenina, Gilda Bona

Actriz Protagónica, Irina Alonso


Premio Teatro del Mundo:
Trabajos destacados:
Dramaturgia, Gilda Bona

Dirección, Francisco Civit
Iluminación, Facundo Estol

Premio Mayor Actriz, Irina Alonso

" 24 horas viraje " de Gilda Bona, Dirección: Francisco Civit. sábados a las 22 30 hrs en 
t e a t r o a n F i t r i ó n Venezuela 3340. Entrada gral $120. C/ desc $90


Marta Casale, para Elespectadorcomulsivo 7/5/2015
"Alonso da a su Betina vehemencia y prodigalidad, fragilidad y fortaleza; la hace querible en todo momento y, sobre todo, creíble."


Charly Borja, para Descongelandomentes, 21/4/2015
"Una obra que entretiene y denuncia a través del humor la displicencia de mucha gente ante situaciones límites."


Luna Teatral, 12/4/2015
" La actuación desborda de expresividad y el trabajo de la actriz es de una excelencia exuberante. " leer


La Nación, 19/10/2014
Muy buena. "Gran actuación de Irina Alonso"


Revista MATEO

" Una perla imperdible" 


Cultura del Ser



"24 horas viraje es uno de los espectáculos imperdibles lejos!!Muy merecedora de todos los premios ganados, y que sigan sumando más" 



El crítico enmascarado para Actualidad Artística

"De la familia, de la femeneidad, de los hospitales, de la adolescencia, de la vida y la muerte, los temas son muy variados pero, más que nada, esta obra nos muestra las infinitas vueltas que entran en una aventura. La prodigalidad con la que se reparten es lo que embriaga de la obra. 24 horas viraje se propone darnos todo lo que puede hacer entrar en una representación y nos deja, al final, extenuados y felices, como su protagonista." leer


Alfred Hopkins para Jaquematepress
"La obra está bien construida, los discursos de los personajes navega entre la poesía tenebrosa y un lenguaje verosímil. La protagonista es a la vez la esposa y la voz narradora, planteo original que la permite establecer un vínculo único con los espectadores. Como algo similar sucede con otros personajes, los espectadores se convierten en "extras" de una película de terror narrada con gran argucia. Además, es una exploración profunda del universo femenino."



María Inés Sanabre para Espectaculosalamod´s
"...Un tour de force para Irina Alonso, en una obra con muchos enfoques a un tiempo... ...Un texto muy interesante de Gilda Bona, tiene gracia, reflexión y sorpresas... ...La actuación de Marta Pomponio es para destacar." 

Pamela Sepúlveda para La Letra Tal Vez
"Hay efectos musicales, burbujas en el aire, bastante suspenso y mucha risa. En medio de todo, el público ríe constantemente, por los logrados quiebres del guión. Sumamente recomendable, diversión asegurada."


Teresa Gatto, para Puesta en Escena

"El texto de Gilda Bona cobra en la espléndida labor de Irina Alonso una dimensión de lo representado que se ancla en la narración y pasa a la acción sin solución de continuidad.Gran propuesta para un domingo por la tarde, en el Teatro Anfitrion."



Hermosos Perdedores

" El under teatral argentino es rico por sus inquietas e incesantes búsquedas, y 24 horas Viraje es un fiel exponente de eso."






24 Horas Viraje fue ganadora por Argentina del concurso de la Bienal Internacional de dramaturgia femenina: La Escritura de las Diferencias -edición 2012-2013



Ficha técnica:

Diseño de Iluminación: Facundo Estol

Música: Adolfo Oddone
Vestuario: Daira Gentile
Asesoramiento escenográfico: Marina Apollonio
Diseño Gráfico: Adrián Riolfi
Prensa Novello
Fotografía: Lluis Miras Vega
Producción ejecutiva: Zoilo Garcés
Operador de seguidor: Ariel Cortina

Asistencia de Dirección: Nacho Ansa




Esta obra cuenta con el apoyo de Proteatro y el Instituto Nacional del Teatro

REMANENTES. Collages de Nino Cais. En Gachi Prieto.




Gachi Prieto presenta a partir del 15 de Julio "Remanentes", una instalación de collages de Nino Cais, con curaduría de Francisco Medail. En su primera exhibición individual en Argentina, Nino Cais presenta una selección de collages producidos a partir de imágenes fotográficas extraídas de libros y publicaciones antiguas. En línea con su último trabajo exhibido en el Paço das Artes de San Pablo, Cais retoma la práctica del montaje para enfatizar el carácter material de las imágenes y la fragilidad de los cuerpos representados.

La fuerza material de estas imágenes enfatiza a su vez la representación del cuerpo que hay en ellas. Fragmentación, anulación y ocultamiento son algunos de los procedimientos que Cais utiliza para poner en evidencia la relación existente entre el cuerpo humano y el mundo que lo rodea. Para el artista, el cuerpo es la matriz que moldea todos los elementos de nuestro habitar cotidiano; actúa sobre los objetos y les da sentido en la medida en que ellos también interfieren y ejercen acción sobre él.*

*Extracto del texto curatorial de Francisco Medail

Nino Cais: São Paulo (Brasil) 1969. Licenciado en Artes de la Universidad Santa Marcelina (FASM). Participó en la 30ª Bienal Internacional de Sao Paulo (2012) y en la 3ª Bienal de Bahía (2014). En 2014 presentó una importante exposición individual en el Paço das Artes y un Solo Project en la feria Basel de Miami. Su obra se encuentra en diversas colecciones como; en el Museo de Arte Moderno de Bahía (MAM-BA), el Museo de Arte de Ribeirão Preto (MARP) y el Servicio Social de Comercio de San Pablo (SESC).





CONVOCADOS. Con Jorge Capussotti y Silvia Copello en un espectáculo de cuentos, tangos, poemas y milongas. En Teatro del Pasillo.


Estreno Viernes 24 de julio a las 21hs


CONVOCADOS

Jorge Capussotti y Silvia Copello en un espectáculo de cuentos, tangos, poemas y milongas.



Funciones: Viernes 21hs

Teatro Del Pasillo : Colombres 35 – C.A.B.A.

Localidades $100 – Reservas : 11 49815167

delpasillo@fibertel.com.ar www.delpasilloteatro.com.ar

Iluminación Mariano Pozzi



Todo ocurre una noche en que el cosmos juguetea haciendo equilibrio con los cuatro elementos: el aire, el fuego, el agua y la tierra pero aparece un quinto elemento que es el amor.

El amor que por ser un sentimiento parece frágil y sin embargo es la fuerza más grande de todas y es quien nos convoca.

A nuestro entender si se le hiciera un estudio de ADN al amor estamos convencidos que aparecería el tango.

El tango y el valor infinito de sus letras enlazadas a micro relatos, el cosmos atravesado por el amor.

Entre otros: Baldosa Floja, Pero yo se, Pasional, Ahora no me conocés, Tal vez será su voz, Pedacito de cielo, Paciencia y Me enamoré una vez.






Sobre Silvia Copello

Egresó de la Universidad del Salvador con el titulo de escenógrafa y trabajó hasta el 2005 con directores como Julio Tahier, Carlos Carella, Héctor Presa y Manuel González Gil.

De la mano de Tahier entró en la dirección y comenzó a jugar con tangos armando historias y desde 1989 se considera dramaturga.

Funda el Teatro del Pasillo en 1996 que dirige hasta la actualidad.

En 1998 comienza a transitar la actuación, es en 2012 que abraza una nueva pasión, la narración oral y no se aparta desde entonces del camino de los cuentos. Y son esos cuentos que la llevan a participar de Festivales en Portugal y hoy a estrenar en el corazón de Almagro, Convocados uniendo sus dos pasiones los cuentos y los tangos.



Sobre Jorge Capussotti

Está próximo a estrenar Siempre estamos en mayo con dirección de Enrique Dacal.

Estudió teatro con Roberto Vega, Osvaldo Calatayud y Manuel González Gil que fueron los primeros en dirigirlo.

Se desempeñó como cantante de la Orquesta Metropolitana del Tango, dirigida por Néstor Marconi.

Pero fue en el 83 que lo dirige Julio Tahier en Cantame un tango Romeo y es ahí que se conocen con Silvia Copello, a quien acompaña en la apertura del Pasillo y un sinfín de espectáculos mas y ese vinculo desemboca hoy con el estreno de Convocados.

Taller literario a cargo de Laura Freixas. En el CCEBA.



Taller literario a cargo de Laura Freixas
6 y 7 de agosto 2015 – 10 a 13.00h
CCEBA Florida 943


Con cupo limitado e inscripción en www.cceba.org.ar/inscripcion hasta el 31/07/2015.

El diario es un género insólito, sui generis, quizá el único verdaderamente nuevo desde la Antigüedad clásica, pues no encaja ni en la lírica (poesía), ni en la épica (narración), ni en el arte dramático (teatro). Aunque puede buscarse su origen en textos anteriores (como los libros de cuentos o los cuadernos de bitácora de los navegantes), nace realmente en el siglo XVII (diario de Samuel Pepys) y se desarrolla ligado a la Reforma protestante y a la Revolución Francesa. Su nacimiento es paralelo al de la prensa: tanto el diario íntimo como el diario-periódico proceden de un nuevo concepto del tiempo. Cada vez más respetado y apreciado, el diario íntimo termina por considerarse un género literario de pleno derecho.

Por razones históricas (en particular, de tipo religioso), es este un género que se ha desarrollado poco y tarde en España. En otros países existen numerosos y espléndidos diarios ya desde el siglo XVII, y muchos escritores lo han cultivado como un género literario; en el nuestro, el diario literario sólo aparece entrado el siglo XX, y al menos en un primer momento, es obra casi siempre de escritores catalanes y/o exiliados.

El curso consta de tres partes:

Teoría e historia. Definición, aparición y evolución del diario íntimo.
Lectura. Se comentarán en clase extractos de algunos diarios íntimos del pasado y del presente: Samuel Pepys, H.-F. Amiel, André Gide, Virginia Woolf, Rosa Chacel, Sylvia Plath, Juan Bernier, Jaime Gil de Biedma, Andrés Trapiello…
Escritura. Las y los participantes que así lo deseen aportarán algunas páginas de un diario propio (real o ficticio), que se comentarán en clase.

Laura Freixas (Barcelona, 1958) es escritora. Ha publicado varias novelas (Entre amigas, Amor o lo que sea…), libros de relatos (Cuentos a los cuarenta) y la autobiografía Adolescencia en Barcelona hacia 1970. Ha sido también editora, crítica literaria y traductora, y en todas esas facetas ha abordado el diario íntimo. Tradujo dos volúmenes del diario de Virginia Woolf y llevó a cabo la selección, edición y traducción del de André Gide. En la colección que dirigía, El espejo de tinta, en la editorial Grijalbo, publicó diarios y autobiografías de varios autores (Paul Bowles, Joe Orton…). En 1996 dirigió un número monográfico de Revista de Occidente consagrado al diario íntimo en España.

Ser feliz del Club Artístico Los Siempre. En el Konex.



Ser feliz del Club Artístico Los Siempre
30 y 31 de Julio - 1 y 2 de Agosto.
Vacaciones de invierno en el Konex. Espectáculo para toda la familia.


Los Siempre son seres mágicos que viven en su bosque felices hasta que comienzan a aparecer unos extraños personajes. Descubren que Don Cóndor, un empresario con bigote, quiere destruir una parte del bosque para poner allí un casino y está enviando a sus secuaces con el objetivo de persuadir a Los Siempre para alejarlos de su lugar. Es entonces que estos seres deberán defender su hábitat. Pero ellos no conocen la guerra, ni la violencia. Es entonces que a través de sus inocentes canciones, Los Siempre intentarán enfrentar a sus enemigos disipando todo el mal que hay en ellos.

La habitación de Diótima de Marisa Villar. Sábados 23.15hs en El Kafka (Lambaré 866) Danza/teatro.

En la Habitación, aparte de un gran Banquete, hay una pareja (Lucia y Domingo) que hacen reales las palabras de Diótima, jugando, moviendo, bailando, construyendo y habitando el amor.




La habitación de Diótima de Marisa Villar. Sábados 23.15hs en El Kafka (Lambaré 866) Danza/teatro.

La Habitación de Diótima vuelve a pensar el amor. Su origen y su naturaleza, sus alcances y el uso de su palabra, sus causas y efectos. Tomando la obra de Platón, El Banquete, la obra transita el significado del amor y sus debates eternos, reubicándolo en el ahora, en la intimidad de un cuarto donde cualquier banquete es posible.


"A lo largo de la obra podremos sumergirnos en distintas etapas de la relación de Lucia y Domingo: jugaremos a ver espacios, roles, festejos y tensiones de ese mundo complejo y maravilloso al que nombramos amor."
(Vladimir Di Fiore - Agencia Paco Urondo 17/07/15)

22 jul. 2015

Martha Argerich inauguró La Ballena Azul, en el ex Palacio de Correos o CC Kirchner y el domingo tocará con Daniel Baremboin en el Teatro Colón.

La eximia pianista Martha Argerich, inauguró la imponente sala llamada la Ballena Azul, con obras de Schuman, y el acompañaniento de la sinfónica nacional dirigida por Luis Bacalov que interpretó tangos clásicos y de Piazzolla y la música de El Cartero por la que ganara un Oscar de la Academia de Hollywood.

El domingo 26 a las 17 horas, los dos grandes maestros Daniel Baremboin y Martha Argerich, interpretarán juntos a Béla Bártok.




TEATRO COLÓN

Cerrito 628
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
República Argentina
+5411 4378 7100
info@teatrocolon.org.ar
www.teatrocolon.org.ar

LA PRINCESA DE FRANCIA. Una película de Matías Piñeiro


´

LA PRINCESA DE FRANCIA

Una película de Matías Piñeiro

ESTRENO COMERCIAL: 6 DE AGOSTO




SINOPSIS 

Un año después de la muerte de su padre en México, Víctor regresa a Buenos Aires con el objetivo de reconquistar la vida que se vio obligado a abandonar.
En su vuelta, Víctor trae consigo un trabajo para su antigua compañía de teatro: realizar una serie latinoamericana de radioteatros grabando un piloto de la última obra que realizaron juntos, "Trabajos de amor en vano" de William Shakespeare, donde supo interpretar el rol de "La princesa de Francia".

Cinco actrices, a quienes él conoce demasiado bien, lo esperan para empezar las labores: su novia, Paula, que desde hace meses pretende serle fiel; su amante, Ana, que duda de la verdad de su amor; su ex, Natalia, que piensa que sigue siendo la preferida; su amiga, Lorena, que sueña con quererlo un poco de más; y Carla, un vago recuerdo que después de todo puede llegar a ser su próximo amor.

Así, el trabajo reúne a estas cinco mujeres, rodeando a Víctor con intenciones de trabajar el destino sentimental de esta particular princesa.

Entre el teatro y la radio, el tiempo del trabajo, se vuelve tiempo para la reconquista de amores perdidos. Y, entre el pasado y el presente, "La princesa de Francia" desarrolla su doble misión: exponer las promesas de amor y enfrentarlas a los actos, dejando caer las máscaras para develar así un gesto último.


PARTICIPACIÓN EN FESTIVALES

Festival Internacional de Cine de Locarno
(Competencia oficial)

Festival Internacional de Cine de San Sebastián
(Horizontes Latinos)

NYFF - Festival Internacional de Cine de Nueva York
(Competencia oficial)

BAFICI – Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente
(Competencia Argentina – Premio a Mejor Película)

FICUNAM - Festival Internacional de Cine UNAM
(Competencia oficial)

Festival Internacional de Cine de Valdivia
(Competencia oficial)

TIFF - Festival Internacional de Cine de Toronto

BFI London Film Festival

Viennale – Festival Internacional de Cine de Viena

DIJO LA PRENSA

"Destacable por su particular atmósfera, humor y lenguaje". Variety

"Piñeiro es uno de los directores más brillantes [de su generación]. Su pasión cinéfila es sólo una de las múltiples aristas que aparecen en sus películas, donde lo culto y lo popular, (...) conviven con absoluta armonía, fluidez y belleza". - Diario La Nación

"Atractivo entramado que va tejiendo de a impulsos, sumado a la labor de las actrices y la imagen que se va formando de su particular mundo". EscribiendoCine


ELENCO


Julian Larquier Tellarini (Víctor)
Agustina Muñoz (Paula)
Pablo Sigal (Guillermo)
Gabriela Saidón (Jimena)
Romina Paula (Natalia Moreno)
María Villar (Ana)
Elisa Carricajo (Carla)
Laura Paredes (Lorena)
Julián Tello (Gastón)
Juan Chacón (Juancito)



FICHA TÉCNICA


Guión y Dirección: Matías Piñeiro
Asistente de Dirección: Lionel Braverman
Imagen: Fernando Lockett
Asistente de cámara: Inés Duacastella
Dirección de Arte: Ana Cambre
Montaje: Sebastián Schjaer
Música: Julián, Robert Schumann.
Sonido: Daniela Ale, Mercedes Tennina, Emilio Iglesias
Asistentes de Sonido: Martín Lapissonde, Francisco Pedemonte, Santiago Douton.
Foto Fija: Alessio Rigo de Righi

Producción: Melanie Schapiro
Asistente de Producción: Martín Schuliaquer

Año: 2014
Duración: 70 min.
País de origen: Argentina
Género: Drama



NOTA DEL DIRECTOR

"La Princesa de Francia" es parte de un proyecto a largo plazo que vengo desarrollando desde el 2010 titulado "Las Shakespereadas". Se trata de una serie de películas de diferentes formatos y duraciones que recorren el mundo de los personajes femeninos de las comedias de William Shakespeare en un universo contemporáneo y argentino.
"La Princesa de Francia" es el tercer episodio de dicha serie que mezcla la ficción teatral con las vidas de las actrices que la interpretan. La tarea de traducir al cine la obra de Shakespeare es un desafío que juega con los límites de lo cinematográfico y también de lo nacional. La película trabaja una noción de identidad nacional profanadora e inclusiva, trasladando uno de los mayores cánones de la cultura inglesa a un español rioplatense de hoy, que incorpora nuevas fronteras y permite decir: "Esto también me pertenece."
Hacer estas películas me da la posibilidad de trazar puentes entre el universo isabelino y el actual, operación que antes pensaba imposible pero que ahora me ofrece mil posibilidades para poder generar ficción y experimentar con las formas de narrar entre la literatura, el teatro y el cine.
"La Princesa de Francia" es un segundo desprendimiento de una obra de teatro que me invitaron a escribir y dirigir en el ciclo "Operas Primas" del Centro Cultural Ricardo Rojas de la Universidad de Buenos Aires. La obra se llama "Y cuando no te quiera será de nuevo el caos" y fue estrenada en Marzo del 2011. Esta entrega se planteó explorar el campo sonoro del texto Shakespereano, basando su trama en la grabación de dicha obra como un radioteatro.



SOBRE EL DIRECTOR

Matías Piñeiro



Director y guionista.

Nació en 1982 en Buenos Aires, Argentina.
Estudió en la Universidad del Cine, donde enseñó Guión, Dirección e Historia del Cine. En 2011 se trasladó a Estados Unidos para realizar la beca Radcliffe de la Universidad de Harvard. Actualmente vive en Nueva York con una nueva beca en la Universidad de esa ciudad.

Filmografía:

La princesa de Francia (2014)

Viola (2012)

Rosalinda (2010)

Todos mienten (2009)

El hombre robado (2007)

A propósito de Buenos Aires (2006)

Semen en los ojitos. Dramaturgia y dirección de Gonzalo Senestrari. En NO AVESTRUZ.




Todos los jueves a las 22.30 hs. se presenta “Semen en los ojitos”, una comedia oscura con dramaturgia y dirección de Gonzalo Senestrari, interpretada por Nicolás Albamonte, Demian Bello, Martín Crespo, Manuela Fernández Vivian y Claudio Garófalo. A partir del 18 de junio, todos los jueves a las 21 hs. en el No Avestruz, Humboldt 1857 / Info – Reservas: 4777-6956


Semen en los ojitos nació a partir del deseo de Gonzalo Senestrari por mostrar, en un contexto de ficción, las vicisitudes que envuelve el proceso creativo de la escritura. Con un estilo barroco y el prisma tan particular de los personajes, se develan las frustraciones, los miedos; el infinito vaivén de seducción y enfrentamiento con las palabras. La temática, la adicción por el sexo, fue el recurso metafórico de la estructura dramática y, a la vez, la necesidad de plasmar una mirada crítica en torno a la problemática. ¿Cuál es el límite de la palabra adicción? Con un texto que parte del humor sagaz, se propone transitar ese límite hasta dejarlo al desnudo. La distancia enorme, el punto de quiebre entre el deseo y la necesidad.



Síntesis // Waldo, un ex-adicto al sexo, coordina un grupo de ayuda para personas que padecen la adicción, integrado por Ramón, un hombre que ya no logra tener erecciones; Amanda, una joven que comparte historias románticas con ningún tipo de contenido sexual; Chester, un nuevo integrante que trae consigo el caos y una sonrisa insolente y Tyrone, un dramaturgo encerrado dentro de su cabeza. Semen en los ojitoses un lugar en donde dos universos paralelos suceden al mismo tiempo, la ficción y la realidad se unen a grandes velocidades, hasta finalmente colisionar. La realidad, con toda su carnadura espesa y maldita, será la única verdad.



Ficha Técnica: Dramaturgia: Gonzalo Senestrari; Intérpretes: Nicolás Albamonte, Demian Bello, Martín Crespo, Manuela Fernández Vivian y Claudio Garófalo; Asistente de Dirección: El Fiero; Arte y Vestuario: Patricia Iglesias; Iluminación: Ricardo Sica; Colaboración Musical: Blakk;Dirección: Gonzalo Senestrari

Preestrenos con entrada libre en el Día del Director cinematográfico.




Preestrenos con entrada libre en el Día del Director



Con motivo del Día del Director Audiovisual, el jueves 23 de julio DAC (Directores Cinematográficos Argentinos) y el INCAA organizan la proyección -gratuita- de cuatro preestrenos nacionales: El cielo del centauro, de Hugo Santiago; Lulú, de Luis Ortega y los documentales Walsh entre todos, de Carmen Guarini y Cuerpo de Letra, de Julián D´Angiolillo. Las cuatro películas argentinas podrán verse con entrada libre en el Gaumont, BAMA, Artemultiplex, Artecinema y la Sala Leopoldo Lugones. Los horarios de las funciones pueden consultarse en todos los cines adherentes o a partir del martes 21 en www.dac.org.ar







Sobre el Día del Director Audiovisual:

El 23 de julio se festeja el Día del Director Audiovisual. Sancionada por Ley, la fecha recuerda la creación -hace 57 años- de DAC Directores Argentinos Cinematográficos, la asociación que fundada por legendarios cineastas como Fernando Ayala, Hugo del Carril, Lucas Demare, René Mujica, Leopoldo Torre Nilsson y Mario Soficci, entre otros, nuclea desde entonces a los realizadores audiovisuales argentinos y defiende su derechos como autores.

Además DAC, que este año celebra su 57 aniversario, realizará ese día "La gran noche del director audiovisual" en su amplia sede inaugurada el año pasado. Una fiesta en la que entregará premios a consagrados directores y directoras del cine y la TV como:



Anahí Berneri
Adrián Israel Caetano
Carlos Sorin
Fernando Birri
Héctor Olivera
Hernán Abrahamsohn




Sobre DAC y La Casa del Director Audiovisual:
Incluido el director como autor de las obras audiovisuales en la ley de propiedad intelectual a partir de 2004 y reglamentada su aplicación efectiva por decisión del Poder Ejecutivo Nacional a través de DAC desde 2009, la entidad que ya venía organizándose para esta gestión, ha comenzado desde entonces a recaudar, administrar y distribuir los beneficios de los derechos representados constituyéndose además en un importante miembro de la CISAC, la gran sociedad internacional de autores y compositores con sede en París que gestiona estos derechos en todo el mundo.

Fruto del eficaz cumplimiento de estas funciones, el año pasado DAC celebró la apertura de la Casa del Director Audiovisual, una sede propia de 3.000 metros cuadrados en Vera 559, Villa Crespo, en donde este 23 de julio se realizará la gran fiesta del Día del Director Audiovisual. Participarán de ella más de 500 invitados entre los que se incluirán miembros de la comunidad audiovisual, entidades colegas, representantes de todos los medios, importantes autoridades y funcionarios nacionales cuyo apoyo y permanente disposición fue preponderante para este logro de inclusión que todos los directores y directoras de la Argentina festejan.


21 jul. 2015

“Relatos Iraníes” Un film de Rakhshan Banietemad




Festivales



-Festival Internacional de Cine de Venecia

Competencia- Ganadora del premio a Mejor Guión



-Festival Internacional de Cine de Toronto



-Festival Internacional de Cine de Hamburgo GMBH



-Festival Internacional de Cine de Vancouver



-Festival de RIO



-Festival Internacional de Cine de Busan Asiática



-Festival BFI de Londres



-Viennale – Festival Internacional de Cine de Vienna



-Festival Internacional de Cine de Abu Dhabi



-Festival Internacional de Cine de Thessaloniki



-Festival Internacional de Cine de Estocolomo



-Festival Internacional de Cine de Cálcuta



-Resistencia Cultural del Festival Internacional de Cine de Libano



-Festival Internacional de Cine de GOA



-Festival Internacional de Cine de Brisbane Asia Pacifica



-Festival Internacional de Cine de Chennai





Sinopsis



“Relatos Iraníes” (Ghesseha) repasa los diferentes personajes femeninos de la



filmografía de Rakhshan Banietemad, mujeres en un mundo de hombres,



representando las diferentes clases sociales, que luchan por hacer valer sus derechos como operarias, cineastas, escritoras o



trabajadoras sociales y que componen una imagen valiente y honesta de la sociedad actual de Irán.



Todos ellos tienen algo en común: son apasionados y están enamorados





Ficha artística:


Golab Adineh, Saber Abar, Farhad Aslani, Foojan Arefpoor, Bahareh

Daneshgar, Mohammadreza Forootan, Shahrokh Forootanian, BabakHamidian,

Mehdi Hashemi, Negar Javaherian, Baran Kosari, Fatemeh Motamedaria,





Ficha técnica:



Director & Productor: Rakhshan Banietemad



Guionistas: R. Banietemad, Farid Mostafavi



Diseño de Producción: Amir Esbati



Director of Fotografia: Koohyar Kalari



Sonido: Yadollah Najafi



Editor: Sepideh Abdolvahab



Musica: Siamak Kalantari



Maquillaje: Mehrdad Mirkiani



Production Manager: Nava Rohani



Productor Ejecutivo: Kanoon Iran Novin




Datos técnicos:



Título original: Ghesse-ha / Tales

Año: 2014



Duración: 88 min.



País: Irán





Biografía de la directora:






Rakhshan Banietemad nació en Teherán en 1954. Después de estudiar en la Universidad de Arte Dramático de Irán, hizo varios documentales para la televisión iraní.





En 1987, dirigió su primer largometraje "Fuera de Limites", y en 1991 se convirtió en la primera mujer que obtuvo el premio a mejor directora en el Festival Internacional de Cine de Fajr en Teherán por "Nargess". En 1995 ganó el Leopardo de Bronce en el Festival de Cine de Locarno por "Cubierta por un Velo Azul". Su siguiente película, "Bajo la piel de la Ciudad", fue la película más taquillera en Irán en 2000 y obtuvo importantes premios en Moscú, Turín, Festival de Karlovy Vary y Seattle. En 2005 hizo "Gilaneh" obteniendo la mayor cantidad de premios en su carrera en festivales como Tribeca, Toronto, y Pusan, entre otros.





Entre las últimas películas de Banietemad está “Mainline" ganadora de varios



reconocimientos, entre ellos el premio a mejor directora en los Asia Pacific Screen. En 2008, recibió un doctorado honorario de la Universidad de Londres.



En 2010, Banietemad obtuvo el Premio Henri Langlois del Festival Internacional de Cine de Vincennes. Es considerada la directora más reconocida de la cinematografía iraní.




Dijo la crítica:




“La cineasta iraní, Rakhshan Bani-Etemad, reúne hebras de sus dramas anteriores para elaborar una recapitulación de su carrera y su nación en Relatos Iraníes. La película había sido concebida como una serie de cortos al no conseguir una licencia bajo el régimen de Ahmadinejad, pero con el actual gobierno, la directora ha sido capaz de encadenar estas historias de esperanzas aplastadas, adicciones, abusos y amores. Con un estilo cercano al del documental, el filme hace observaciones puntuales sobre la necesidad de tener un cine comprometido socialmente”.



Jay Weissberg, Variety







"Una lección de cine. Interpretaciones cerca de la perfección. El último relato

(una simple conversación dentro de un taxi) justifica él solo cualquier premio

imaginable. Pocas veces, una declaración de amor dolió tanto. Perfecta."



Luis Martínez: Diario El Mundo







“Rakhshan Banietemad regresa con una fuerte visión del Irán contemporáneo con un estilo cohesionado en donde todas las historias de se mantienen unidas por un hilo subyacente de la angustia y la lucha, mientras que los actores se mueven a través de una luz simbólica y sombras comunes en la fotografía de Koohyar Kalari “



Hollywood Reporter, Deborah Young







“Irán tiene una película de florecimiento cultural a pesar de las restricciones de este país en el discurso social”



WASHINGTON POST, Ann Hornaday / Alyssa Rosenberg







EL TIEMPO ENCONTRADO un film de Eva Poncet y Marcelo Burd. Con Darío Rejas, Edwin Mamani y Berta Choque

*** 29° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata ***
*** 16° Festival Internacional DerHumALC Cine de Derechos Humanos ***


Estreno: 23 de Julio
Espacio INCAA Km 0 Cine Gaumont
Av. Rivadavia 1635
Funciones diarias: 12:35 – 19:55hs. Sala 2






El 23 de julio se estrena en el Cine Gaumont El tiempo encontrado, un documental de observación que acompaña la vida de tres inmigrantes bolivianos que viven en una zona rural de la provincia de Buenos Aires. A lo largo de un año, a través de una diversidad de situaciones, la narración se introduce en la vida de Darío (un quintero que se dedica a cosechar tomates), de Berta (una mujer que realiza trabajos de costura y tejido) y de Edwin (un joven que trabaja en una fábrica de ladrillos al aire libre). El tiempo encontrado es un relato coral que, en el marco de los ciclos de la naturaleza, da cuenta de los cambios, continuidades y rupturas que van desplegándose en las vidas de los protagonistas.




El film tuvo su estreno mundial en el 29° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, en la sección Panorama Argentino. También fue seleccionado para la Competencia Nacional de Documentales del 16° Festival Internacional DerHumALC Cine de Derechos Humanos, que se llevó a cabo en Buenos Aires del 17 al 24 de junio de este año.


Ficha técnica

El tiempo encontrado (Argentina, 86 minutos, 2013) Calificación: ATP.
Dirección y Guión Eva Poncet Marcelo Burd / Cámara y Fotografía Eva Poncet / Idiomas Castellano Quechua / Montaje Eva Poncet Marcelo Burd / Diseño de Producción Marcelo Burd / Sonido Fernando Vega Hernán Gerard / Música Jack Kellog/ Productor Marcelo Burd / Productora Poncet Burd Producciones/ Elenco Darío Rejas, Edwin Mamani, Berta Choque. Distribución Eva Poncent y Marcelo Burd


Sobre los directores

Eva Poncet nació en Quilmes, Argentina, en 1970. Estudió Artes Visuales en la Escuela de Bellas Artes de Quilmes, y se graduó en 1989. En 1993, egresó como realizadora cinematográfico del Instituto de Arte Cinematográfico de Avellaneda. Estudió Filosofía en la Universidad de Buenos Aires durante 1997-2002. En el campo del cine de ficción se desempeñó como guionista, productora y asistente de dirección de Vladimir en Buenos Aires (2001), que participó en los festivales de Mar del Plata, Nantes, La Habana, Toulouse, Chicago y Lérida (donde ganó el Premio al Mejor Director). Como realizadora produjo y dirigió, junto a Marcelo Burd y a Diego Gachassin, el documental Habitación disponible (2004). Como montajista ha participado en varios largometrajes, entre los que se destacan El otro Maradona (2012), Schaffe-haus, casa de ovejas (2010), Fortalezas (2009). Asimismo, en el campo de la enseñanza audiovisual, se desempeña como docente de la Universidad del Cine y en la carrera de Imagen y Sonido (UBA), entre otras instituciones.




Marcelo Burd nació en Buenos Aires, Argentina, en 1964. Se recibió de arquitecto en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo (UBA) en 1989. En 1992 egresó como realizador cinematográfico del Instituto de Arte Cinematográfico de Avellaneda. Como guionista ha colaborado en diversos guiones de largometraje, entre los que se destacan Vladimir en Buenos Aires (2002), de Diego Gachassin, y Habi, la extranjera (2013), de María Florencia Álvarez. Como realizador, junto con Eva Poncet y Diego Gachassin, ha dirigido el documental Habitación disponible (2004), que participó en los festivales de La Habana, Mar del Plata, Tres Continentes, Rencontres Internationales du Documentaire (Montreal), BAFICI, DerHumAlc, VII Festival Nacional de Cine y Video Documental (donde ganó el Premio al Mejor Documental). En el campo de la enseñanza audiovisual, ha ejercido la docencia en diversas instituciones universitarias en las materias Guión, Realización Audiovisual, Narrativa Fílmica, Estética y Análisis de film. Actualmente, se desempeña como docente en el Instituto de Arte Cinematográfico de Avellaneda y en la carrera Ciencias de la Comunicación (UBA).




Sobre el film El tiempo encontrado

Partimos de un interés compartido por la problemática de la inmigración: como nietos de inmigrantes, nos preguntamos acerca de la construcción de las identidades colectivas en la Argentina a lo largo del tiempo. Entendemos que parte de estos interrogantes pueden trasladarse a las inmigraciones recientes y que si bien hay aspectos particulares, existen rasgos universales que atraviesan la noción de migrar.

El tiempo encontrado se inscribe dentro de un proyecto mayor que se inició con Habitación disponible, nuestro anterior largometraje, que indaga en la problemática de las inmigraciones producidas a fines del siglo XX y principios del XXI. En dicho documental abordamos la vida de tres inmigrantes provenientes de Perú, Paraguay y Ucrania que habían llegado a la Argentina después de la crisis de 2001.

En El tiempo encontrado nos hemos centrado en los inmigrantes provenientes de Bolivia, para profundizar algunos aspectos de la inmigración que no fueron suficientemente desarrollados en nuestro anterior documental, tales como las relaciones dentro del núcleo familiar, los vínculos con la colectividad a la que pertenecen, la discriminación por parte de la sociedad receptora y la constitución de la identidad fuera del país de origen.

Si anteriormente trabajamos con inmigrantes recientes, en un momento de transición en el que recién intentaban desarrollar una nueva vida en un nuevo país y en el que aún persistía en ellos un fuerte arraigo respecto de su lugar de origen, nuestro interés actual consiste en realizar un documental sobre inmigrantes bolivianos que hace mucho tiempo que viven en la Argentina. Entendemos que este factor (la permanencia prolongada en nuestro país) incide directamente sobre la cultura originaria e intensifica algunas problemáticas que surgen con su inserción, y abre otros interrogantes ligados fundamentalmente con la cuestión de la identidad.

Este último punto es central a la hora de pensar en aquello que conforma la identidad. Innumerables son los factores que se nos plantean: aspectos económicos, políticos, sociales y culturales (de los cuales se ha escrito mucho, pero que nosotros tomamos como punto de partida). Nos interesa -sin dejar de lado dichos factores- ahondar en aquellos aspectos personales que son propios e intransferibles, que surgen a partir de vidas específicas.

Buscamos reflexionar en torno a la vida de tres personas que por razones concretas debieron abandonar su país de origen e inventar una nueva vida en un país extranjero. Ciertamente, existen patrones económicos, sociales y culturales que es indispensable tener en cuenta; pero muchas veces dichos patrones escapan a las particularidades o se tornan ambiguos y contradictorios, sobre todo en un espacio donde confluyen dos sociedades que se creen distintas. Es entonces donde creemos que toman fuerza los relatos de vida. Son inmigrantes, son bolivianos que viven en la Argentina; pero fundamentalmente son hombres y mujeres con nombres propios, con historia y con proyectos. Asimismo, aquellos que pertenecen a la sociedad receptora son personas: no son comunidades homogéneas y delimitadas. Pensar en Bertha, Darío o Edwin nos ayuda a deconstruir las nociones “otros” y “nosotros”. Entendemos que contar sus historias de vida puede permitirnos ampliar nuestro conocimiento del tema y también establecer una mirada más cercana, que incluso incorpore lo afectivo. De esta manera, trataremos de disolver la objetividad de la mirada de las disciplinas que abordan el tema, y de disolver la idea del realizador como sujeto omnisciente, dador de un sentido único.

Por otro lado, teniendo en cuenta que buena parte del discurso xenófobo instalado en nuestra sociedad surge del desconocimiento y de los discursos que proliferan en los medios de comunicación, pensamos que un conocimiento más amplio sobre los bolivianos que viven en nuestro país puede contribuir a establecer una representación más adecuada. También la realización de este documental posee razones de índole afectivo. Tenemos un vínculo con la cultura boliviana anterior a la puesta en marcha del proyecto. En varias oportunidades hemos viajado a Bolivia, nos relacionamos con sus habitantes, su cultura, recorrimos gran parte de su geografía, nos interiorizamos en el proceso político que están viviendo. Nos fuimos dando cuenta de que este contacto iba más allá del consabido viaje turístico: volver a Bolivia es volver a un lugar que no nos resulta ajeno.

Para nosotros, este proyecto es una forma de continuar este vínculo a partir de una serie de interrogantes sobre los procesos migratorios recientes en la Argentina.

12 jul. 2015

La que Besó y la que no Besó De Maruja Bustamante. Protagonizada por Ana María Casó y Roxana Randon, con dirección de Mariano Dossena. En el Centro Cultural de la Cooperación.




La que Besó y la que no Besó
De Maruja Bustamante, protagonizada por Ana María Casó y Roxana Randon, con dirección de Mariano Dossena




El viernes 17 de julio a las 20 hs. se estrena “La que Besó y la que no Besó”, la primer obra escrita por la reconocida dramaturga Maruja Bustamante, protagonizada por Ana Maria Casó, Roxana Randon, Eduardo Lamoglia, Lucas Merayo y Jimena La Torre, con dirección de Mariano Dossena. A partir del 17 de julio, todos los viernes a las 20 hs. en la Sala Solidaridad del Centro Cultural de la Cooperación, Av. Corrientes 1543. Entrada $120.- // Tels. – Informes: 50778077 // 50778000


Nueva comedia negra, con un humor picante y de profunda ironía, que narra la historia de dos hermanas quienes, en la última fase de su existencia, conviven juntas en una vieja casa de San Telmo. Pícaras, nostálgicas y atrevidas; eternamente compañeras y enemigas a la vez. Ellas ocultan un secreto. Todo aquello que enternece de sus miradas perdidas y hasta ingenuas, en un momento determinado, nos estremecerá con el sigiloso peso de lo siniestro.



Sinopsis// Dos mujeres viven solas y atrincheradas en su pequeña casa plagada de pasado. Recuerdos sobre ellas, sobre Entre Rios, sobre su familia y el carnaval. Hay una historia que mantienen oculta. Una besó y la otra no. Esa simple diferencia las enemistó y las unió para siempre.



“Una pieza que recorre temáticas fundamentales a la condición humana, tales como el deseo y las relaciones primitivas. Lo oculto que, aún sin manifestarse, aparece una y otra vez, hasta colisionar, hasta explotar. Lo oculto que deviene en tragedia. Como en los clásicos, que siempre me han fascinado, La que Besó y la que no Besó, tiene una estructura dramática sólida, con un manejo realmente inquietante del tiempo y del espacio. Todas éstas características, tan particulares de la pluma de Bustamente, junto con el enorme placer de poner en escena su primer obra, me han seducido desde el primer instante en el que comencé a fantasear con ésta nueva aventura teatral a la que hemos arribado”, comenta Mariano Dossena.



Ficha Técnica:
Dramaturgia: Maruja Bustamante; Elenco: Ana Maria Casó, Roxana Randon, Eduardo Lamoglia, Lucas Merayo y Jimena La Torre; Iluminación: Pedro Zambrelli; Música original, Diseño Sonoro, Piano, Guitarra, Bajo y Acordeón: Gabriel Senanes; Técnico de Grabación, Edición y Mezcla: Juan Belvis; Escenografía y Vestuario: Nicolas Nanni; Asistencia de Escenografía; Eliana Sanchez; Asistencia de Vestuario: Lara Paoletta; Diseño Gráfico: Andrés San Martín; Asistencia de Produccion: Tony Chavez, Carolina Nogueira; Produccion: Pablo Silva; Asistencia de Direccion: Mariana Jacobs; Dirección: Mariano Dossena

ABISMARSE de Analía Rosenberg, En la Sala Batato Barea del Centro Cultural Ricardo Rojas de la UNIVERSIDAD DE BUENOS AIRES.



Fotos: Pablo Varela


ABISMARSE

de Analía Rosenberg




En un lugar inhóspito y atemporal, seis individuos alienados se encuentran diariamente con el objeto de componer distintos estados psíquicos, físicos y anímicos, a través de la música. Esta tarea los irá transformando y desestabilizando, generándoles un conflicto entre el deber de continuar produciendo y la necesidad de atravesar sus propios estados emocionales.

Abismarse es un espectáculo multidisciplinario donde la música se reúne con el teatro, la pintura, la danza y la fotografía para representar distintos estados psíquicos, físicos y anímicos que atraviesan al ser humano.



Intérpretes:

Músicos:

Rodrigo Soko: flauta traversa

Emma Chacón Oribe: violonchelo

Emanuel Gaggino: percusión

Analía Rosenberg: piano, acordeón y composición



Voz: Bárbara Togander

Danza: Jack Syzard



Dibujos: Adrián Lirman

Fotografía: Mariana Cirulli

Diseño y realización de vestuario: Guido Lapadula

Realización escenográfica: Mariana Cirulli y María Maidana Corpus

Realización y edición de videos: Melina Franco

Edición y mezcla de audios en off: Rodrigo Soko

Diseño de luces: Gustavo Dimas García

Diseño de sonido: Santi Lesca

Producción general: Abismarse

Asistencia de producción: Virginia Mazzarella

Prensa: Carolina Alfonso

Diseño gráfico: Débora Akershtein



Idea y dirección general: Analía Rosenberg

Asesoramiento en dramaturgia y dirección actoral: Claudia Carbonell



Abismarse fue declarado de interés cultural por el GCBA y beneficiado con la Ley de Mecenazgo.





ESTRENO: SÁBADO 4 DE JULIO DE 2015, 22 HS.

Funciones: sábados 22 hs. desde el 4 de julio al 8 de agosto

Gratuitas en el marco de Mecenazgo Cultural: sábado 4 y 11 de julio

Duración: 70 minutos

CENTRO CULTURAL RECTOR RICARDO ROJAS U.B.A.

SALA: BATATO BAREA

Corrientes 2038 - Tel 49545521 - 49545523

www.rojas.uba.ar

Entradas: $ 60

Las entradas se retiran desde dos horas antes de la función

o anticipadamente (desde el primer día hábil del mes) en Tesorería.




"El contacto con la gente es lo más genuino"

Formó parte de Los Amados, una compañía musical que hizo historia. Hoy milita por la mezcla de disciplinas y reivindica el mano a mano con el público.

Por Silvina Pini, en la Contratapa de Tiempo Argentino

http://tiempo.infonews.com/nota/156519/el-contacto-con-la-gente-es-lo-mas-genuino



Trailer de Abismarse

https://fbcdn-video-b-a.akamaihd.net/hvideo-ak-xpf1/v/t42.1790-2/11668197_850488571653071_2092464057_n.mp4?efg=eyJybHIiOjQ1NSwicmxhIjo1MTJ9&rl=455&vabr=253&oh=c0b099fdcab787e60e8faf368c952b83&oe=559AD059&__gda__=1436209118_e03ec60632d2425acee2d7ad4ae99487





Analía Rosenberg

Pianista, acordeonista, arregladora y compositora.

Nació en Buenos Aires en 1981.

Realizó sus estudios en música clásica con Claudio González, Jorge Argiles y Beatriz Feldman; tango y arreglos con Nicolás Ledesma; jazz, armonía y música latina con Álvaro Torres. Estudió armonía, contrapunto y composición con el Maestro Daniel Montes.

Como compositora, resultó ganadora del Premio Argentores 2013 y 2011 por la realización de la música original de las obras teatrales: El diablo pellizca y Bajo once metros de cemento, de Claudia Carbonell y Alejandra Gonzalez.

Durante diez años formó parte de Los Amados, show teatral humorístico musical, realizando ciclos en importantes teatros de Buenos Aires y giras por Europa, Argentina y Chile.

Desde 2010, se desempeña como pianista, acordeonista, arregladora y directora musical en La Impertinente Señorita Orquesta, habiendo producido su primer disco, Voilà.

Realizó la banda sonora del documental Trabajadores de la danza (próximo a estrenarse) y Tango jasápico, ambos dirigidos de Julia M. Heimann y Konstantina Boumspoura.

Musicalizó las exposiciones de pintura FW: impro, del artista plástico Adrián Lirman y El horizonte es una línea cualquiera, de Valeria Calvo.



Rodrigo Soko
Flautista, compositor y docente.

Inició sus estudios a la edad de 5 años en el reconocido Conservatorio Beethoven, obteniendo el título de Profesor de Superior, estudiando con el maestro Gabriel Capusselli.

Realizó estudios de perfeccionamiento con los maestros Alejandro Santos, Jorge de la Vega, Damian Fogiel en saxo tenor, y Mario Galván en armonía y composición.

Se desempeñó como 1era flauta en la Orquesta Académica del Teatro Colón, Orquesta Sinfónica Libertador San Martín y en la Orquesta Sinfónica de Radio Nacional.

Investigó y desarrolló técnicas extendidas para la Flauta en el Flamenco, para luego dictar cursos y seminarios.

Como compositor realiza música para cine y teatro, escribiendo para la productora Magoya Films, Underground Films, Telesur (Venezuela) y The Goo (USA).

En teatro es director musical de las obras de música española estrenadas en y producidas por el Teatro Astral.

Es fundador de la productora de Medios Spika Música, recibiendo recientemente una selección en el Festival Internacional de Cine de Cannes, por el cortometraje con producción Colombo Argentina,Lunesta.



Emanuel “kiki” Gaggino

Baterista, percusionista y docente.

Se formó estudiando percusión y batería con Mario Gusso, Pepi Taveira, Carlos Riganti, José Luis Viggiano y Dario Giarda. Formación adicional con Ramiro Mussotto, Pipi Piazzolla, Phil Maturano y Marcos Campos, entre otros.

Participó como músico en la compañía Fuerza Bruta (Wayra Tour). Realizó giras internacionales por Inglaterra, España, Rusia y Bielorrusia con Nube 9. Integró diferentes grupos y acompañó solistas participando de festivales destacados a nivel nacional (Cosquín, Baradero y Villa María, entre otros).

Actualmente compone y produce la música de la película/documental Parir, a estrenarse en 2016. Integra el grupo Esonoes, la compañía percusiva Elemental, y participa como sesionista en grupos y con solistas en vivo y en estudio.

Se desempeña como docente de batería en el Instituto TAMABA, dicta clases grupales de percusión en Recreo de las Artes y en la Dirección General de enseñanza artística. Dirige sus talleres grupales de percusión, y da clases particulares de percusión y batería. Coordinó un seminario intensivo de batería en el IUNA y diversos seminarios de percusión en el interior del país.



Emma Chacón Oribe

Chelista y docente

Profesora Superior de Música con especialidad en violoncello y Música de Cámara, recibida en el Conservatorio Superior de Música de la Ciudad de Buenos Aires Astor Piazzolla.

Algunos de sus maestros fueron Jorge Otero, José De Pilato, Washington Castro, Claudio Baraviera, Nicolás Finoli, Néstor Tedesco, Jorge Bergero, Mauricio Veber, Myriam Santucci, Jorge Pérez Tedesco, María Eugenia Castro Tarchinni y Stanimir Todorov, entre otros.

Integró, entre otras, la Orquesta Académica del Teatro Colón, donde realizó una gira por Alemania e Inglaterra, la Orquesta de la Universidad del Salvador y de la Universidad de Lanús, actuando como solista. Fue contratada en la Orquesta de Cámara del Congreso de la Nación, en la Orquesta del Centro del Conocimiento de Posadas, Misiones y en la actualidad en la Orquesta de la Cátedra de Dirección Orquestal del IUNA también como solista.

Fue integrante de la Orquesta de tango La Otra Vereda, del Cuarteto de Cuerdas Akros y del cuarteto popular de música francesa La Impertinente Señorita Orquesta. Acompañó a Daniela Horovitz y a Alan Plachta en diversos espectáculos. En la actualidad se encuentra ejerciendo la docencia en el Conservatorio Superior de Música de la Ciudad de Bs. As. Es reemplazo en la obra de teatro Sacco y Vanzetti en el Teatro Cervantes.



Bárbara Togander

Cantante y compositora

Nació en Suecia. Pasó gran parte de su infancia en el continente africano hasta que a mediados de los setentas su familia se radicó en Argentina. A los 21 años inicia sus estudios musicales en la escuela de Walter Malosetti, los conservatorios López Buchardo y de Música Popular de Avellaneda. En 1993 arma su primera formación de jazz y tres años después comienza a incursionar en la música improvisada.

Como bajista y cantante tocó con Walter Malosetti, Norberto Minichilo, Enrique Norris, Capitanes de la Industria, David Moss, Shelley Hirsch, Roman Polanski, Carmen Baliero, Fernando Kabusacki, Sergio Dawi, Juan Mono Fontana, La Bomba de Tiempo y Santiago Vázquez, entre muchos otros.

En 2001 graba su primer disco ¿.? Perccontrvozcorn (Discos del Rojas), le siguen, MBM (Bcn, 2003), Love Manual (BAU, 2007), The Muni Muni Experience (a dúo con Enrique Norris, 2009) y Come Ranas,de FOTO (2014)

En teatro compuso la música de numerosas obras que le valió una nominación a los premios ACE 2012. Como actriz trabajó bajo la dirección de Rubén Szuchmacher, Rita Cosentino y Ant Hampton en teatro y en cine, además de haber protagonizado varios cortometrajes, actúa en el largometraje Alptraum, de Ana Piterbarg.

Actualmente integra el cuarteto de improvisación libre FOTO y se presenta con su solo set TOGBA donde incursiona en la electrónica y el scratch, y con su sexteto DA BARTOGBAND.



Jack Syzard

Coreógrafo, director y bailarín

Cofundador de la Compañía Nacional de Danza Contemporánea, en su carrera ha cumplido roles destacados como primera figura a nivel nacional e internacional.

Formó parte del Ballet del SODRE (Uruguay), Ballet Ecuatoriano de Cámara, Ballet Argentino, Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, grupo Nuevos Rumbos Argentina y La Compañía Nacional de Danza Cultura Nación (Argentina).

En el repertorio contemporáneo ha bailado obras de destacados coreógrafos de Europa, EEUU, Canadá y Japón.

Coproductor de Argentina en el Proyecto Habitantes en Tránsito con el apoyo de Iberescena 2009, realizó coreografías para la escuela Nacional de danzas de Uruguay, el grupo Nuevos Rumbos, el grupoLa Rayuela dirigido por Margarita Fernández, la reciente Compañía de Danza Contemporánea Cultura Nación y obras de producción propia.

Bailó junto a figuras de la danza como Julio Bocca, Sara Nieto, Rolando Candia, Maximiliano Guerra, Paloma Herrera y Ángel Corella, entre otros.

Actualmente dirige la compañía Novus Corpus.



Adrián Lirman

Artista Plástico.

Nació en Buenos Aires en 1968.

Sus primeras muestras individuales fueron en galería Lagard de Buenos Aires. Luego se desarrollaron dentro y fuera del país, en Schneider Gallery, Chicago, USA; South Art Miami, USA; Galería Euroidiomas, Lima, Perú; Magnet Gallery, New York, USA; Salas Nacionales de Exposición, Palais de Glace, Buenos Aires, Argentina; Casa d`Arte Ulisse, Roma, Italia; Museo Municipal de Bellas Artes de Río Cuarto, Córdoba, Argentina; Dakota Building, New York, U.S.A; Laetitia de Caritat Art Gallery, Bruselas, Bélgica; Grillo Arte, Punta del Este, Uruguay; Kitai Gallery, Tokio, Japón; Galería Bisagra Arte Contemporáneo, Buenos Aires Argentina y World Trade Center, Montevideo, Uruguay.

Realizó también numerosas exposiciones colectivas, entre las principales en Casa de Cultura de la Embajada Argentina en Roma, South Art Gallery Miami, Magnet Gallery New Cork, Cassa d'Arte Ulisse Roma, Dakota Building New Cork, Laetitia de Caritat Gallery Bruselas, Festival Kunst10daagse, Bergen, Holanda, Scope Art Fair, Miami en 2011 y Argentine Art in Houston, Spring Street Studios, Houston, Texas, USA en 2013.

En 2011 durante el mes de noviembre presenta la muestra Fw: Impro, en Daín Usina Cultural, en el barrio de Palermo, donde se produce una fusión entre su obra visual y la música compuesta por Analía Rosenberg.



Mariana Cirulli

Escenógrafa, profesora nacional de Bellas Artes y fotógrafa

Egresada de la Licenciatura en Artes Visuales (IUNA) y del Profesorado Nacional de Bellas Artes con orientación en Escultura en la Escuela Nacional de Bellas Artes – Prilidiano Pueyrredón, realizó posgrados en Taller de Restauración de pintura al óleo, Taller de Producción Escultórica y Artes del Fuego aplicadas al mural pictórico y escultórico.

Estudió fotografía con Daniel Kiblisky y Carlos Ginzberg, y maquillaje, caracterización teatral y objetos escenográficos con Gabriel Encina.

Dentro de sus trabajos fotográficos se destacan De pura sangre en 2013, trabajo discográfico del trío De Pura Sangre; La suite del barrio – La lengua del malón, en 2012, trabajo discográfico deTrascartón Tango y actualmente se desempeña como fotógrafa en Segunda. Cuadernos de Danza, revista especializada en danza contemporánea.

Trabajó como realizadora escenográfica en El pacto, El juicio de los condenados, de Marcelo Roitman; Circense, de Claudio Gatell (escenografía y vestuario); Paraíso, de Carlos Gindzberg (escenografía y dirección de arte); como así también para FX Stunt Team departamento de realización escenográfica y maquillaje de efecto en La última muerte, en 2009, de David “Leche” Ruiz; Anita, 2009, de Marcos Carnevale; Epitafios II, en 2008 por Pol-Ka – HBO, de Alberto Lecchi y Daniel Barone; Wipeout y Hombre al agua, en 2008 para Endemol.



Claudia Carbonell

Directora, dramaturga teatral y docente

Directora teatral egresada de la Escuela de Arte Dramático de la carrera de Puesta en Escena y Dirección Teatral en 1995 y profesora de Danza Clásica y Contemporánea.

Realizó diversos seminarios de Puesta en escena, Dirección y Semiótica teatral con Augusto Fernandes, Francisco Javier, Jaime Kogan y Ricardo Bartís entre otros.

Docente actualmente de la Universidad General Sarmiento (UNGS), Diplomatura de Autogestión Teatral en la materia de Puesta en escena y dirección en el área de Artes Escénicas, y del Instituto Teatrarte en Teatro para adultos nivel avanzado e intermedio.

En dramaturgia comparte numerosas obras con Alejandra Adela González. En todas ellas, además, ha hecho el trabajo de la puesta en escena y dirección. Estos son sus últimos trabajos realizados: El diablo pellizca (2013/2014/2015); Bajo once metros de cemento (2011/2012/2013) nominada a mejor dirección por los Premios Luisa Vehil y a los Premios ACE 2012, ambas obras recibieron el Premio Argentores Música Original para Teatro creada por Analía Rosenberg; Intemperie, (2011) Premio Producción Teatral 2006 otorgado por el INT y Premio Teatro del Mundo 2008 y La obediencia(2010/2011) espectáculo producido por la Universidad General Sarmiento que formó parte del Festival UNIART realizado en el Centro Cultural Borges.

Entre sus trabajos de dirección se encuentran también, Hablemos de Claudio Martínez Bel en el Paseo la Plaza y Mal amor no pudo llamarse, de Luis Cano, en el Centro Cultural Borges.


Mi hijo sólo camina un poco más lento (una pieza croata). De Ivor Martinić Dirección: Guillermo Cacace. En Sala Apacheta Studio.




Fotos: Vivian Porras

Branco padece una enfermedad en la que día a día va perdiendo movilidad. ¿Cómo se inscribe esta situación en lo familiar?¿Qué puede hacer él?¿Qué pueden hacer los que lo rodean?

En medio de esta realidad aparecen grietas por donde respirar otro aire.




Actúan: Aldo Alessandrini, Antonio Bax, Luis Blanco, Elsa Bloise, Paula Fernández Mbarak, Pilar Boyle, Clarisa Korovsky, Romina Padoan, Juan Andrés Romanazzi, Gonzalo San Millan, Juan Tupac Soler



Vestuario: Alberto Albelda

Escenografía: Alberto Albelda

Diseño de luces: David Seldes

Arreglos musicales: Francisco Casares

Fotografía: Viviana Porras

Asistencia de dirección: Juan Andrés Romanazzi

Directora asistente: Julieta Abriola

Dramaturgia: Ivor Martinić

Traducción: Nikolina Zidek

Dirección: Guillermo Cacace



Funciones: sábados 14 y 16.30 hs. y domingos a las 11.30 y 14 hs.

Duración: 75 minutos



APACHETA SALA ESTUDIO

Pasco 623, Capital Federal. Teléfonos: 4941-5669 / 1530142997

Web: http://apachetasalaestudio.blogspot.com

Entradas: $ 120 y $ 100 (descuentos a jubilados y estudiantes)

Reservas por Alternativa Teatral: http://www.alternativateatral.com/obra33486-mi-hijo-solo-camina-un-poco-mas-lento




Tráiler de la obra: realización: Mariano Asseff

https://www.youtube.com/watch?t=12&v=l0E-mM80rsw





Mi hijo sólo camina un poco más lento formará parte del FIBA 2015



Seis nominaciones a los premios ACE en los rubros: espectáculo teatro alternativo, director teatro alternativo, actriz teatro alternativo (Clarisa Korovsky y Paula Fernandez Mbarak), revelación femenina (Pilar Boyle) y revelación masculina (Juan Tupac Soler).




(…) Gracias Cacace por apostar al mejor teatro. En su espacio Apacheta él le muestra a los espectadores de qué hablamos cuando hablamos de teatro. Los actores de Cacace son mágicos. Si alguien quiere saber qué cosa es el teatro vaya a ver esta obra. Para hablar de teatro hacen falta directores como él, entre otros.

Osvaldo Quiroga, La otra trama



"Caminá mamá" es lo primero que se escucha en la obra Mi hijo sólo camina un poco más lento, de Ivor Martinic, que dirige Guillermo Cacace en la sala Apacheta. En el escenario, todos caminan, ruedan -se escuchará después- como rueda la Tierra. Pero existe (Eliot dixit) "el punto fijo del giratorio mundo", y es en torno de él que todo se organiza; aquí, en la obra todo da vueltas, en torno de quien no camina, del personaje que celebra sus 25 años, un eje de la vida, de la vida de un lisiado sobre una silla de ruedas. Hacia ese centro, ese dolor, se acercan o se alejan los personajes, aceptan o disfrazan ese dolor en carne viva y, a la vez, cada uno llega y se va con el suyo, pequeño o grande, siempre cotidiano, siempre humano, porque nada es blanco o negro, más bien gris, sin que entre demasiado la luz que haga insoslayable la verdad de sus vidas.
La obra transcurre en un día y ese día marca el paso de la negación -"mi hijo sólo camina un poco más lento"- a la aceptación -"mi hijo no camina"- y no es poco. Pero la mera verdad no basta, falta la entrega: hay un momento en que uno tiene que mirar la vida a los ojos y escupirla o abrazarla, abrazarla no por, sino, en general, a pesar de. y la madre duda, y como hija le pregunta al padre, ya cercano a la muerte, si valió la pena: "Esto., la familia., el dolor." El padre calla, generosamente, nos cede la palabra.

Hugo Mujica en El Outsider, La Nación Cultura



Excelente: Un drama coral que desemboca en el espectáculo teatral más poderoso que exhibe hoy el off porteño. El trámite de traducción y adaptación a nuestro código toma las nuevas alas de lo posible sobre este notable trabajo de puesta y dirección que firma Guillermo Cacace 
(...) En un elenco sin fisuras... cada personaje repite en sí la misma ceguera general de los que no quieren ver y transan el paliativo de una evasión sin salida.

Luis Mazas, Veintitrés



(…) personajes entrañables y hasta reconocibles (de la mano de un elenco alucinante). En cómo se expresan hay algo de lo excesivo pero también de lo genuino. Y Cacace maneja con maestría la lengua de ese exceso. Esa sinceridad permite que se diga la verdad más cruel y genere risa (…) la obra entera es un cross a la mandíbula, donde todo sucede provocando una sucesión de nudos en la garganta.

Ivanna Soto en revista Ñ de Clarín

http://www.revistaenie.clarin.com/escenarios/rostro-duro-verdad_0_1333066717.html



Brillante experiencia colectiva (...) lucidez estremecedora (...) Es una de esas obras que cada tanto sacuden el circuito teatral porteño irradiando una fascinación comprensible y difícil de explicar (... ) un equipo de intérpretes capaz de lanzarse contra los límites de la ficción.

Patricia Espinosa, Ambito Financiero



"Un hecho teatral tan vital, conmocionante y conmovedor que provoca simultáneamente asombro, risas y lágrimas por el contenido, el fenomenal elenco y la magnífica puesta de Guillermo Cacace. Uno de los grandes creadores del

teatro argentino.. Imposible perderse su visión."

Nora Lafon, Lo que el día nos dejó, Radio del Plata





El encuentro de la poesía con el teatro. Sobre la poesía de Hugo Mujica y esta obra.

Osvalvo Quiroga en Télam Suplemento Literario

https://issuu.com/suplementostelam/docs/slt179?e=0





Me deslumbró, por no afirmar que es deslumbrante, nada de la vida, ni su dolor ni su ternura, faltan allí, ni el amor ya serenado resignación o inventado por la memoria faltan, tampoco ni la histeria ni el delirio, ni lo que florece ni lo que muere. Es la vida en su cotidianidad, en su apenas anécdotas, pero que tanto por el texto, como por los actores y la tan multifacética como original puesta, más que anécdotas se ahondan nudos, arquetipos de la existencia, espejos del

espectador. (…)

Hugo Mujica



Una obra para apreciar en las mañanas de sol. En pocos minutos, la potencia escénica de los actores y lo que sucede adquiere tal fuerza, que es posible perder la noción de tiempo y espacio. Cada situación se sostiene por la enorme capacidad de los actores de vivir cada momento que interpretan, de construir esa realidad inasible. Para el final, queda el resto del domingo para que cada espectador –en palabras de Jacques Rancière– "componga su propio poema, con los elementos del poema que tuvo enfrente".

Mercedes Méndez, Tiempo Argentino

http://tiempo.infonews.com/nota/150557/una-obra-para-apreciar-en-las-mananas-de-sol



El nuevo espectáculo del prestigioso director Guillermo Cacace es una verdadera ceremonia teatral. Guillermo Cacace, que ha contado con un elenco de muy rendidores intérpretes, logra plasmar una puesta despojada y de mucha calidad, sutil en detalles, pródiga en recursos de distinta naturaleza escénica. Y sin otros efectos que los de la sola actuación. Una verdadera lección de teatro en estado puro.

Alberto Catena, La Nación

http://www.lanacion.com.ar/1788671-tensiones-de-familia



Aguda mirada sobre la familia. Una pieza admirable con influencias chejovianas. El equipo actoral conmueve (…) Una obra digna de permanecer para siempre en la memoria del espectador.

Isabel Croce, La Prensa





Con los sentimientos en primer plano.

Tema difícil con buenas actuaciones dirigidas por Cacace, sin golpes bajos, en una rica puesta.

Ana Seoane, Perfil





Pasaron tal vez 15 días de haber compartido Mi hijo sólo camina un poco más lento... todavía tengo imágenes fragmentadas, voces, atmósferas, respiraciones...
Es un abordaje de Cacace despiadado y desesperado y profundamente amoroso.
Aparece la síntesis poética y cuando esto ocurre en el teatro aparece el Arte.
Palabra a la que no le tengo miedo... sé que hoy como nunca es un lugar de resistencia, de creencia, de fe... Va mi agradecimiento y alegría para Guillermo y esos actores con esa mirada que quiero guardar.

Rita Cortese

Bajo la rauda luz del sol. El prestigioso director Guillermo Cacace, rodeado de un grupo nutrido de muy eficaces actores, construye un hecho teatral de peculiar intensidad. En pleno día. La pieza observa el trabajo que da y a veces el dolor que produce reconocer al otro.

Cecilia Absatz, revista Noticias

http://www.pressreader.com/argentina/noticias/20150627/281655368724704/TextView



Teatro un domingo a la mañana es una propuesta arriesgada. Pero resulta perfecta por tratarse de una obra luminosa, no sólo por la luz que ingresa a través del ventanal de Apacheta, sino también por la emoción generada que parece aumentar tras desp



ertarse en un día feriado. Una historia familiar, tierna y divertida.

Martín Wain, La Nación Revista



La infelicidad en familia. Lo que impacta de Mi hijo sólo camina un poco más lento es su delicadeza para demoler en varios niveles, como un boxeador elegante. Por momentos, provoca risas amargas, por otros, emoción; casi siempre una angustia existencial que traspasa generaciones. Sin moralejas. Con mecanismos teatrales que parecen simples y funcionan como epifanías, a la luz natural que entra por una ventana. Los personajes femeninos desbordan de intensidad; los masculinos, de ausencia. Diez actores en una coreografía de la tristeza. Se comprueba, no sólo en teatro, algo en común entre el alma argentina y la balcánica. Acá en una obra mayor, hecha con elementos mínimos.

Miguel Frías, revista Viva de Clarín



Muy buena. Un gran texto y once actores maravillosos que dan ganas de salir a abrazarlos. Sin duda la potencia de los diálogos va armando una de las mejores propuestas teatrales del año.

Hernán Firpo, Clarín

http://www.clarin.com/extrashow/teatro/Hijo-silla_de_ruedas-Cacace_0_1379262151.html



Y así es en "Mi hijo sólo camina..." Cómo se llama eso: puesta en escena, teatro, producto cultural, interpretación actoral, cómo? Simplemente sucede.El espacio sostiene el tiempo. Todo está a la vista y, sin embargo, hay una intensa develación.
Mientras, llamemos la obra, sucede allí estamos. Ni sé precisar haciendo qué? Luego todo se disuelve.
Por eso las personas tardamos tanto en aplaudir. Yo, al menos, para no ser lanzado al mundo organizado, gestual, reconocible. No quería desprenderme de lo sucedido afuera y adentro de mí, sin molestia. Claro, que hay que haber transitado el oficio, las herramientas, las exploraciones concretas, para llegar hasta allí. Pero a mí no me importa.
A mí dame más.

Jorge Huertas



Mi hijo sólo camina un poco más lento: dice la madre. Hoy, entonces, allí, en Apacheta, resguardados de la lluvia, todos: ellos y nosotros - tal vez estuvimos fingiendo un poco: nosotros fingiendo ser público y ellos fingiendo ser una familia; tal vez, entonces, todos estuvimos un poco más cerca y no nos dimos cuenta - pero ahora cuando cae la noche recuerdo aquel momento entre la fingida abuela y su fingido nieto y descubro un secreto, inexpugnable, leve, silencioso - como la vida de muchos: que discurre, así. Hasta el inexorable final. Guillermo Cacace y su grupo de actores detienen durante un tiempo al tiempo y nos permiten creer que hemos vencido (por un instante) a la muerte. O fingimos que hemos podido vencerla, sí. Teatro, entonces. Sean todos bienvenidos.

Alejandro Tantanian



Excelente puesta de Guillermo Cacace que muestra el corazón más dolido de la gente y su desesperanzada vocación para el amor. Un poco de esto habla la maravillosa pieza croata de Ivor Martinic. El elenco trabaja junto, parejo y compacto guiados por el gran Cacace.

Laura Ávila, Planeando sobre Bue



Conmovida aún con el trabajo de equipo de Mi hijo sólo camina un poco más

lento. Genial puesta y apuesta de Guillermo Cacace.

Gabriela Radice, Visión 7

http://television.data99.com.ar/video/SoEzcjrCa0c



Mi hijo sólo camina un poco más lento” es de una ternura descomunal, y de una belleza y de una destreza técnica impecables. Hoy a la mañana había un sol precioso y el fondo de la obra tenía esa luz, preciosa también, sin artificio, sin pretensiones más allá de la entrega. Entrega de corazón, a cada segundo. Una obra de arte como un caballo viniéndote al galope de frente, un caballo cuya musculatura en movimiento puede ser tan bella que no hacés tiempo a correrte, y te pasa por encima. Como cualquier ser con miopía, traté de objetivar, de pensar “qué bien, qué bien, como vuela eso y cómo viene directo hacia mí”, y traté de correrme e hice fuerza y sin embargo acá estoy, escribiendo esto porque me parece que si la recomiendo le hago un bien a alguien. En la obra, el grupo suspira al unísono en varias oportunidades. Yo creo que hay experiencias que te regalan un suspiro y es lo más difícil de regalar a veces. Es algo que está vivo y está pasando y te hace suspirar, creo, porque está pasando y porque salís y sigue pasando y te hace ver que alrededor tuyo la vida está pasando y sigue pasando también.

Mariano Saba



Que el teatro conmueva y emocione es algo que pocas veces se ve. Logra momentos inolvidables con actores de una singularísima claridad emocional. Un autor desconocido hasta el momento y la dirección de Cacace hacen de una mañana de domingo el momento ideal para dejarse llevar por la poesía de los cuerpos.

Luis Machín, actor





Hay puestas sobre las que cuesta escribir. Más que nada, por el gran bagaje con la que cuentan, haciéndose difícil el abordaje. Esto es una bendición. El sano ejercicio de dejar que las palabras y las sensaciones fluyan para conformar la visión de una obra que es, sencillamente, genial. Un mundo y una humanidad completa atraviesan a estos seres incompletos que conforman un combo tan reconocible que llama a la reflexión. Será allí donde el trabajo de Guillermo Cacace será sublime junto con el de un elenco a la altura de las circunstancias. Las actuaciones son sublimes y permitirán que cada espectador se aproxime a lo que plantea cada uno de ellos. Por eso, no será extraño que más de uno la vuelva a ver. Seguramente habrá algo nuevo para descubrir y, por sobre todas las cosas, sentir. “Mi hijo solo camina un poco más lento” es, sin lugar a dudas, una de las mejores puestas del año, con un todo de excelencia, comandado por la sabia batuta de Guillermo Cacace.

Daniel Gaguine, El Caleidoscopio de Lucy

http://elcaleidoscopiodelucy.blogspot.com.ar/2015/06/mi-hijo-solo-camina-un-poco-mas-lento.html





Otro conmovedor trabajo de Cacace como director. Donde hay un entendimiento pleno de un texto. Transformando en poesía lo austero. Convirtiendo un espacio limitado y un grupo de actores a la luz del día en una experiencia teatral de una intensidad infrecuente, poderosa, reveladora. Del tipo de obras donde todo lo que uno pueda decir es inútil; se debe ver, transitar y llevarla en la memoria como un recuerdo preciado, frágil y entrañable. En su aparente modestia, es un verdadero acontecimiento. Solitario y luminoso. Imperdible.

Santiago Loza, dramaturgo/cineasta



Recomiendo con efervescencia y ahínco una experiencia teatral que tuve hace una semana "Mi hijo camina solo un poco mas lento" (...) y actúan unos actores que se te revelan de un modo tal,que los amas para siempre .
Los sábados y domingos por la tarde en Apacheta. Vayan a temblar de emoción.

Alejandra Flechner, actriz



Linda tarde de sol y nosotros fuimos al Teatro, a meternos en la oscuridad de la sala. Por la ventana, al fondo del escenario, se intuía el resplandor del día. Y adelante, unos actores resplandecían, bajo el manto de un texto delicioso y una dirección sensible. Que alegría salir nuevamente al sol con los ojos brillantes y el corazón sacudido! Precioso trabajo. Gracias!

Paula Hernández



Buenísima la obra. La entrega de los actores, la sensibilidad de la puesta. Belleza de muchas cosas vivas ahí. Hermoso. Gracias.

Erica Rivas





Imperdible, único, extraordinario. Y un elenco perfecto. A no perdérsela!

Osmar Nuñez



Cacace encontró en la sinceridad su mejor antídoto para resaltar, mucho más que los sucesos en sí, sus consecuencias en los personajes. De esta manera, convirtió su trabajo una experiencia sensible sobre el dolor y sobre la experiencia humana, o al menos sobre muchos de sus matices. En su política de franqueza, Cacace no pone el énfasis en que nos creamos el artificio, sino que nos invita a entrar a la historia por la puerta del costado, a partir de la exhibición de todos los mecanismos enunciativos de su puesta. Todo en esta puesta repite: esto es una ficción, y puede pegar más que la realidad.

Natalia Laube, Mi Teatro Favorito

http://miteatrofavorito.tumblr.com/post/119029950306/mi-hijo-solo-camina-un-poco-mas-lento-de-ivor



Ir más allá de las estructuras de obediencia del neocostumbrismo y el melodrama del teatro porteño con la estrategia de una actuación espectral a base de un realismo afectivo-corporal, que implican al espectador en una nueva experiencia de encuentro, donde hay que deponer las armas como en el

acontecimiento discursivo de la declaración amorosa; vérselas con una lengua extranjera –un texto escrito por otro- y saber inventar un modo de existencia escénico con procedimientos singulares como suele y puede hacerlo el sujeto afectivo del poema que cambia los modos de vida, es caminar bastante lejos.

Silvio Lang, director



Recomiendo mucho, muchísimo, la hermosa y potente obra del gran Guillermo

Cacace y su maravilloso equipo. Gracias! Felicitaciones de nuevo a todos y por favor, no se la pierdan!

Celina Murga, cineasta



Impecable, poético y conmovedor. Lo que Guillermo Cacace y "sus" actores hacen en el espacio de Apacheta es algo así como una bendición para los amantes del buen teatro. Emociona, conmueve (mueve con) identifica, despierta sonrisas, suspiros, inquieta, acaricia, calma y renueva.

¡Cacace, me saco el sombrero, cada día dirige mejor!

Beatriz Pustilnik, dramaturga/investigadora





El lenguaje universal de los lazos familiares.

Nueva obra expone red disfuncional de emociones que va del drama al humor.

Mi hijo sólo camina un poco más lento es una pieza fuerte, emocional, inteligente y universal que reflexiona sobre estos hechos, apelando a la empatía de su público en todo momento, y que nos demuestra que las relaciones de sangre son los mismas en cualquier idioma y latitud.

Máximo Pereyra Iraola en Buenos Aires Herald

http://www.buenosairesherald.com/article/191320/the-universal-language-of-family-bonds





Fui al teatro a las once y media. No de la noche - de la mañana. Había visto la obra, me había gustado. Y ahora me invitaron a verla de nuevo, esta vez de día, con la luz de un domingo soleado que entró por la ventana. Ese hecho cambió radicalmente la impresión. La luz natural formaba parte de la puesta en escena. Vi otra obra. Valió la pena volver. Hay que verla, esa obra del joven croata Ivor Martinić. Y hay que verla dirigida por Guillermo Cacace. Y Felicitaciones a todo el equipo! Once actrices y actores, ¿cuándo hemos visto eso por última vez? ¡Bravo a todos!

Hartmut Becher, agente literario



Suceden vínculos que conmueven, suceden nudos en la garganta, suceden risas que quiebran la tensión. Y un juego de ritmos increíbles. Sucede teatro en

toda su expresión. Bella, conmovedora, con un nivel de actuación impecable, con una dirección brillante, con un texto entre la caricia y la cachetada. Una de esas puestas, definitivamente, inolvidables.

Mónica Berman en su blog Máquina de Escribir

http://amonicaberman.blogspot.com.ar/2014/12/mi-hijo-solo-camina-un-poco-mas-lento.html





Lo curioso de esta puesta en Apacheta es que –imaginemos- si uno no tuviera el “dato” de que la obra es croata, podría perfectamente pensar que está frente a una producción, excelente y epigonal, de aquella productiva vertiente de obras porteñas sobre mundos familiares disfuncionales que irrumpieron a fines de los noventa y poblaron durante más de una década nuestro teatro.

La obra va a las 11.30 de la mañana de los domingos, hora ritual si las hay. (…) la elección del horario le da a todo un brillo especial: luz diurna acompañada de luces complementarias, en un entorno de barrio que vive, dominguero...

Ignacio Apolo, dramaturgo

http://la-diosablanca.blogspot.com.ar/2015/04/sobre-mi-hijo-solo-camina-mas-lento-de.html



Me vuelven las sensaciones de la obra, de lo más bello y conmovedor que vi en los últimos tiempos... de esas obras que cuando salís sentís que te volviste a enamorar del teatro.

Carolina Adamovsky, actriz/directora





La experiencia teatral que nos ofrece esta obra es arrolladora.

Guillermo Cacace es un hechicero. Mi hijo sólo camina un poco más lento, imperdible. Inolvidable por ser, de principio a fin, tan pero tan entrañable.

Mariana Mazover, Puesta en Escena

http://www.puestaenescena.com.ar/teatro/2171_nombrar-para-vivir.-mi-hijo-solo-camina-un-poco-mas-lento.php





Es un grupo humano donde se mezclan actuantes, donde pareciera que hay actores y no actores que relatan sensiblemente una historia dura de amor familiar. El trabajo de la dirección se vale de elementos de distanciamiento, de un relator, de miradas al público... logrando amalgamarlo poéticamente. El espacio, la luz sutil que apoya la luz de día, domingo, temprano. Todo transcurre en el tono de una amable teatralidad...

Luis Ziembrowski



Todo empieza antes, con los mates que ceban y ofrecen los actores, con las palabras y las muestras de afecto del director a su actriz octogenaria, con las miradas. Y nos sabemos cuándo termina, cuándo dejará de resonar en nosotros esa enigmática energía, tan perturbadora como verdadera y amorosa. Se trata de una pieza croata escrita por Ivor Martinić y la va de familias disfuncionales. Este último dato puede desalentar porque esa temática ha saturado los escenarios porteños durante muchos años. Pero no. Es otra cosa, en gran medida gracias a la mano cariñosa y singular de un director fuera de serie, que sigue sus impulsos y su propio camino. Guillermo Cacace escribe la obra (el bello e inquietante texto de Martinić) en el cuerpo, en nuestro cuerpo, en el cuerpo de los actores. Logra que la palabra nos traspase, nos haga vibrar, nos modifique. Cacace construye su puesta lejos del realismo, lejos de las soluciones fáciles y lejos de los lugares comunes. Cada actor tiene su momento, cada uno se luce y a la vez deja que el otro se luzca. Se entregan al otro y se necesitan. No gravitan alrededor de nadie sino a favor del fuego sagrado, de la teatralidad en estado puro. Aunque visten equipos deportivos están desnudos, expuestos en toda su fragilidad. Como nosotros.

Verónica Escalente, Leedor.com

http://www.leedor.com/contenidos/teatro/mi-hijo-solo-camina-un-poco-mas-lento2





Mi hijo sólo camina un poco más lento arranca con una especie de maratón en que unos actores arrastran a los demás y todos juntos giran y nos van arrastrando a nosotros, espectadores, a un viaje con esta familia como todas y como ninguna: desmesurada, dolida, amorosa, temerosa de la muerte y del sufrimiento. Con enorme libertad Cacace narra en escena la historia cómplice de actrices y actores únicos, irrepetibles. Allí están, en poco más de una hora, planteadas todas las preguntas más acuciantes y las eternas: sobre la vida y la muerte, sobre el sentido del dolor humano, sobre la fuerza del amor. Entre todos logran un momento teatral muy alto que no en vano está teniendo la repercusión que tiene. Felicitaciones!!!

Hugo Urquijo





Desde ayer trato de retener la emoción que me produjo ver “Mi hijo solo camina un poco más lento”. No quiero que se me vaya, es un trabajo precioso. Precioso y arriesgado como vi pocos… Decir que los felicito es ñoño, pero los felicito. Han vuelto simple y conmovedora la convención teatral. Las decisiones de dirección me parecen solidas... excelentes. Hay que ser capaz de ocupar esos sitios.

Valeria Lois, actriz



(…) me gustó mucho… me gustó ir un domingo... me gustó ir de mañana… me gustó ver una puesta rigurosa y tremendamente vital y antisolemne a la vez... me gustó ver desplegado un enorme campo emocional en actores que nunca había visto actuar. Me gustó ver distintas historias de amor… me gustó ver a una sala, a un autor… y sobre todo ver a un director y a su elenco hacerle honor a la aventura de actuar.

María Onetto, actriz



(…) con actuaciones notables, con un compromiso de los cuerpos y las voces que brindan mágicos momentos… Pocas obras teatrales tienen la particularidad de conmover e implicar del modo en que lo hacen con “Mi hijo sólo camina un poco más lento” Guillermo Cacace y el elenco. Los espectadores en situaciones como está, no pueden menos que agradecer.

Daniel Cholakian, Leedor y Bajo el Volcán

http://www.leedor.com/contenidos/teatro/mi-hijo-solo-camina-un-poco-mas-lento





De ahora en adelante, cada vez que escuche el tema musical de la obra , va a ser imposible no tener alguna imagen u ojalá alguna emoción de las que me

llevé de Mi hijo camina sólo un poco más lento.

Martín Flores Cárdenas, director



Muy buena, la obra, todos los trabajos, la dirección. Me encantó y me emocionó mucho. No dejen de verla.

Stella Galazzi, actriz



¡Qué manera de llorar un domingo a la mañana! Muy fuerte el efecto de levantarse temprano y salir para asistir a una puesta teatral potentísima en un horario infrecuente; algo que te encuentra con la guardia baja, como en las mejores sesiones de terapia matinales.

Martín Liut, músico



En Mi hijo sólo camina un poco más lento hay dos protagonistas. Por un lado está la historia, el conflicto. Por otro lado su modo de contar, la maestría de Cacace (su director) y su equipo para narrar desde todos los rincones. El resultado de la combinación de estas dos variables con actuaciones perfectas hace que este cuento croata (lo escribió Ivor Martinic a los 26 años) se vuelva el cuento de cada uno. Es muy difícil contarles y recomendarles esta obra sin hacer referencia a lo que me pasó a mí cuando la vi. Es una experiencia. Con esto quiero decir que es más que un acontecimiento teatral porque ir a ver Mi hijo sólo camina un poco más lento es algo que yo viví, que me dejó con la cabeza agitada toda la semana y que seguro me va a servir como criterio de acción en el futuro.Mariano Saba dice que cree que si recomienda esta obra le hace un bien a alguien. Por eso estoy segura que estoy haciéndoles un bien grandísimo.

María Beatriz Delpech, Brandy con caramelos

http://brandyconcaramelos.com/2015/07/01/mi-hijo-solo-camina-un-poco-mas-lento-teatro/



(…) no es sólo un excelente espectáculo. Es una manera de hacer teatro, es una forma de respetar la vida, es poner incómodo al espectador para que se vaya pensando en cuestiones en las que no queremos pensar. Porque incomodan, justamente. La propuesta es arriesgada, intensa, brava. El grupo de actores rompe formas. Arriesgan, apuestan, provocan. La mirada del director sobre esa obra es de un bordear los límites, un huir por la tangente de lo establecido, un "terremotear" emociones. El público ríe, llora, vuelve a reír, vuelve a llorar y, en el final, ovaciona mudamente porque ha quedado sin palabras. Gracias Guillermo Cacace por el talento, por esa aventura teatral tan aguerrida, tan profunda. Uno de esos acontecimientos teatrales que una recordará una y otra vez, y pondrá de ejemplo mil veces, y sacará del arcón de los tesoros en algún momento en que la imaginación falte a la cita.

Stella Matute, actriz





Osvaldo Quiroga habla de la obra en su columna teatral en el programa de Víctor Hugo Morales en radio Continental

http://www.continental.com.ar/escucha/archivo_de_audio/teatro-osvaldo-quiroga-recomienda-mi-hijo-camina-solo-un-poco-mas-lento-de-igor-martinic/20150417/oir/2722503.aspx



Entrevista a Guillermo Cacace en revista Llegás por Juan Ignacio Crespo

https://issuu.com/revista_llegas/docs/revista_lleg__s_195?e=0





Todas las mañanas del mundo. Se presenta los domingos por la mañana y el texto es de un joven dramaturgo croata. Dichas así, las coordenadas de la pieza Mi hijo camina solo un poco más lento, de Ivor Martinic, suenan a propuesta excéntrica. Pero la obra dirigida por Guillermo Cacace viene recogiendo críticas efusivas y muchísimo público gracias a su densidad emotiva, los extraordinarios actores que van de los 20 a los 80 años y el despojo total de una puesta a luz del día.

Por Mercedes Halfon, en suplemento de Cultura Radar de Página 12

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-10731-2015-07-05.html




Un director que se afianza Guillermo Cacace un director cada vez más notorio que logra llenar su sala un domingo a la mañana.

Por Carlos Pacheco, en diario La Nación

http://www.lanacion.com.ar/1788097-un-director-que-se-afianza



Con luz propia Por la mañana, con la luz del sol, se exhibe una obra “distinta” que propone un viaje emotivo imperdible.

Por Javier Firpo en La Razón

http://www.larazon.com.ar/show/luz-propia_0_690300024.html





Un dramaturgo croata que pone a la familia bajo la lupa.

El autor pasó por Buenos Aires como parte de un festival internacional; dos

de sus obras se presentaron aquí dirigidas por Cacace.

Por Carlos Pacheco, en diario La Nación, en diciembre de 2014

http://www.lanacion.com.ar/1751862-un-dramaturgo-croata-que-pone-a-la-familia-bajo-la-lupa



Este espectáculo se estrenó en el marco del Festival Internacional de Dramaturgia Europa + América 2014 y participó de la Selección Obras de teatro CABA 2015.



Ivor Martinić es uno de los representantes más jóvenes de una nueva generación de dramaturgos en su país. Su acotada producción alcanzó rápidamente gran repercusión. Nació en 1984 en Split, Croacia. Egresó como dramaturgo de la Academia de Artes Dramáticas de Zagreb. Es autor de dramas, radiodramas y guiones. Su Drama sobre Mirjana y los que la rodean fue estrenado en 2010 en el Teatro Dramático Yugoslavo de Belgrado (Serbia), mientras que la obra Mi hijo sólo camina un poco más lento fue estrenada en el Teatro Juvenil de Zagreb, Croacia en 2011. Ambas obras tuvieron varias puestas en escena y fueron galardonadas. Sus obras han sido traducidas a idiomas extranjeros y recibió varios premios como autor.

Esta obra que se estrenó en el marco del Festival Internacional de Dramaturgia Europa + América 2014 en manos del director Guillermo Cacace, quien ha opinado de estos materiales: (…) Entiendo que algo que me atrajo mucho del material es que tematiza una suerte de esperanza que se erige sobre las ruinas… Hay cierto juicio en estado de suspensión que la obra propone y me resulta muy estimulante, permite mirar la cicatriz y decir: esta marca no se borrará nunca, cada tanto volverá a doler pero mientras tanto hagamos lo posible por no pasarla tan mal.(…)

(…) El autor es una persona muy joven… tiene apenas 29 años y –hasta donde yo sé- tres obras escritas. Las tres las he podido leer y me parece que poseen una sensibilidad exquisita en el marco de un lenguaje teatral que fluye de un modo poco usual. Es una textualidad sumamente generosa para con los intérpretes. Los diálogos se desarrollan sin estridencias y todas las rupturas en la continuidad del tiempo, el espacio o la lógica de los personajes emerge con delicadeza sin imponerse, aparece por necesidades de la trama, sin ánimos de poner su estilo por delante del acontecimiento que propone (…)