Drama Música Cine Arte Fotografía

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30 ago. 2016

Estrenos 01/09: El limonero real, de Gustavo Fontán




Estreno en salas JUEVES 01 DE SEPTIEMBRE


Listado completo de salas



1- Cine Gaumont - Espacio Incaa (C.A.B.A)

14:55hs - 20hs

Sábado 20hs - Presencia de Gustavo Fontán


2-MALBA Cine (C.A.B.A.)

Viernes de Septiembre - 20hs


3-CINEMARK Palermo (C.A.B.A.)

12:30hs - 18:45hs - 20:40hs


4-SHOWCASE Haedo (Gran .BS.AS.)

12:30hs - 16hs - 20hs (horarios estimados)


5-VILLAGE Avellaneda (Gran Bs.As.)

15hs - 16:45hs - 20:30hs


6-Cine Municipal Select - Espacio Incaa (Pcia Bs As)

20hs


7-Espacio UNICEN (Tandil - Pcia Bs As)

Sábado 3 y Lunes 5 - 22hs


8-Cine América (Ciudad de Santa Fé - Santa Fé)

Jueves 1: 20:15hs - PREMIER - Presencia de Gustavo Fontán y miembros de la película

Viernes 2 - 18:00hs y 21:45hs

Sábado 3 - 17:30hs y 20:45hs

Domingo 4: 18:00hs y 21:00hs

Lunes 5, Martes 6, Miércoles 7 - 18:00hs y 21:30hs



9-Cine & Teatro Pico (General Pico - La Pampa)

Jueves a Domingo - 20:30hs



10-Centro Cultural José Hernandez (Rawson – Chubut)

Sábado 3 - 22hs

Domingo 4 - 20hs


11-Espacio Incaa Tucumán (San Miguel de Tucumán – Tucumán)

Domingo 4 - 22hs

Lunes 5 - 20hs


11-Espacio Incaa Tucumán (San Miguel de Tucumán – Tucumán)

Domingo 4 - 22hs

Lunes 5 - 20hs


12-Cine Amankay - Centro Cultural Cotesma (San Martín de los Andes – Neuquén)

Horarios a confirmar


13-Cine Universidad (Mendoza)

Horarios a confirmar


14-Cine Opera (Paso de los libres – Corrientes)

Horarios a confirmar



Calificación

ATP



Duración

77 min






EL LIMONERO REAL

un film de Gustavo Fontán 

Basada en la novela homónima de Juan José Saer 


Sinopsis 


Una familia de pobladores del río Paraná se dispone a compartir el último día del año. Son tres hermanas, con sus maridos e hijos, que viven en tres ranchos, a la orilla del río, separados por espinillos, algarrobos y sauces. 

Aunque Wenceslao intenta convencerla, su mujer se niega a asistir a casa de su hermana para participar del festejo. Dice que está de luto: su hijo, su único hijo, murió hace seis años. 

También sus hermanas y sus sobrinas se desplazan para convencerla. Pero Ella sigue firme en su negativa: está de luto. 

El río omnipresente, las variaciones de la luz, el baile festivo, el sacrificio del cordero y la comida, el vino y los cuerpos, todo es atravesado, desde la percepción de Wenceslao, por las dos ausencias: la de su mujer y la de su hijo muerto, cuya figura emerge cada tanto, otorgándole al relato una densidad creciente. 

Desde el alba –“Amanece. Y ya está con los ojos abiertos”- hasta el regreso de Wenceslao al rancho después de la medianoche, cada acción cotidiana se vuelve ceremonia y el tiempo una espiral de sensaciones y recuerdos. 


Palabras del director 

Hay en la obra de Juan José Saer en general y en El limonero real en particular un interrogante que subyace de modo permanente: ¿cómo acceder a lo real y expresarlo? Su obra es testimonio de una desesperada aproximación, por todos los medios, a una porción de realidad - a la que se la mira y se la vuelve a mirar-, y de la constatación de la fuga. La mirada afirma y abisma el mundo, simultáneamente. La escritura reconoce en la realidad sus enigmas y nos advierte sobre la fragilidad de cualquier empresa de conocimiento. 

Por otro lado, hay en Saer una profunda conciencia de que la poesía surge del “tratamiento especial dado a la materia real”. La escritura se convierte entonces en el arte de “sondear y reunir briznas o astillas de experiencia y de memoria para armar una imagen”. 



El ámbito en el que ocurre la trama de El limonero real -las islas, la costa del río Paraná en la provincia de Santa Fe, Argentina, su luz y sus habitantes- no es un espacio desconocido para mí. Realicé ya dos películas en la zona: La orilla que se abisma y El rostro. Estas dos películas me pusieron ante la experiencia de las islas. Las islas del río Paraná son grandísimas extensiones de tierra, con montes de madera blanda, sauce, timbó, en la costa, y pajonales interminables, montes de espinillos, algarrobos y talas, lagunas y esteros, tierra adentro. Por naturaleza, las islas conforman un espacio cargado de cierta precariedad: las crecientes, siempre voraces, construyen una memoria y un riesgo. Nadie olvida las crecientes; por todos lados hay huellas, y nadie deja de temer a la creciente que puede sobrevenir. La isla es una imagen del antes y del después, y el presente es una especie de estadio frágil entre dos momentos dolorosos. Esta conciencia imprime en sus habitantes, los isleros, una extraña vitalidad. Se vive el presente, el sol y la pesca, los encuentros y el vino, el fogón y los silencios, como una fiesta y una despedida al mismo tiempo. Esa forma de habitar, conformada por ese vínculo particular agua-tierra-hombre-animales, tiene una impronta única. A ese modo de estar, vital pero inestable, podríamos definirlo en líneas generales como una vida a la intemperie. No por la falta de techo, que, aunque precario, existe; sino por algo más esencial, más hondo: la impronta que el espacio imprime en los habitantes y los deja siempre en tensión, fortaleza-debilidad, vitalidad-muerte. 

Del encuentro de esas dos experiencias, la de la lectura y la del mundo, surge esta película. 


Gustavo Fontán 

Gustavo Fontán recibió numerosas distinciones. Entre ellas el Premio Konex, en la categoría de Cine Documental, en el 2011. Ha sido guionista y dirigió los siguientes largometrajes que han participado en diversos festivales: El Rostro (2013) estrenado en el Festival de Roma, BAFICI 2014 (Premio a la Mejor Dirección), FICUNAM, entre otros; La Casa (2012), estrenado en BAFICI 2012; Elegía de abril (2010); La madre (2009); La orilla que se abisma (2008), diálogo con la poética de Juan L. Ortiz, que se ha presentado en el Bafici, Locarno, Valdivia, y el Festival de Cuenca donde obtuvo el Premio a la Mejor Fotografía y a la Mejor Dirección. En el 2009, participó en Punto de vista, Festival de cine documental de Navarra, y en el Festival de Las Palmas. El árbol (2006) ha sido nominada a dos Premios Clarín 2007, en Fotografía y Actor Revelación. Fue presentada en los Festivales de Guadalajara (México), Tribeca (Nueva York), Valdivia (Chile), Vancouver (Canadá), Trieste (Italia), Tesalónica (Grecia) y BAFICI, entre otros. Donde cae el sol (2002) que participó del Festival de Mar del Plata y Festival de Lérida obtuvo el Premio del Público. Asímismo, compitió en el Festival de Toulouse, Viña del Mar donde obtuvo el Premio Especial del Jurado. El limonero real, es su úlitmo largometraje. 


Ficha Técnica 

Año 2016 - 77 minutos 
Guión y Dirección: Gustavo Fontán 
Producida por INSOMNIA FILMS: 
Alejandro Nantón, Guillermo Pineles, Gustavo Schiaffino 
Producción Ejecutiva: Guillermo Pineles, Laura Mara Tablón
Dirección de fotografía y cámara: Diego Poleri
Dirección de sonido: Abel Tortorelli
Montaje: Mario Bocchicchio
Dirección de Arte y Vestuario: Alejandro Mateo
Asistente de Dirección: Alejandro Nantón
Dirección de Produccción: Mabel Ciancio
Dirección de Producción en Santa Fe: Cristina Marchese 
Productor Asociado UNTREF MEDIA 


Elenco 

Germán de Silva – Wenceslao 

Patricia Sánchez - Ella 

Rosendo Ruiz - Rogelio 

Eva Bianco – Rosa 

Gastón Ceballos - Ladeado 

Rocío Acosta- La Negra 

Carlos Daniel Linches - Agustín 

Maria de los Angeles Leiva – Teresa 

Micaela Villarruel – Amelia
Ramona Escobar - La Vieja 

José M. Mendoza - El Viejo 

Alberto O. Monzón – Chacho 

Fiama Aranda - Josefa 

Tomás Altamirano – Segundo 

Tania Neponuceno – Teresita 

Iván Quiñones - Rogelito 

Brian Quiñones - Carozo 

Luis Retamoso - Salas 

René Sánchez – Berini 




Sobre la novela 

La escritura de Juan José Saer ha sido reconocida por la crítica especializada como una de las más valiosas y renovadoras en el ámbito de la lengua española contemporánea. El limonero real (1974) representa un punto de condensación central en su vasto proyecto narrativo. Es la novela de la luz y de la sombra, cuyos juegos y alternancias puntúan el transcurso del tiempo; es la novela de las manchas que terminan, finalmente, por componer una figura; es la novela de la descripción obsesiva de los gestos más triviales, de las sensaciones y las percepciones, de las texturas y los sabores. 

Sobre la película 

Lo inefable, por David Oubiña 

Gustavo Fontán no encontró esta película sino que tuvo que llegar hasta ella. Es cierto que cada uno de sus films anteriores brillaba por méritos propios: El árbol (2006), La madre (2009), Elegía de abril (2010), La orilla que se abisma (2008) eran obras de una maestría infrecuente. Pero a la luz de El limonero real, adquieren un nuevo sentido; porque este film desborda sobre ellos y, ahora, observados en retrospectiva, aparecen como estaciones de un recorrido obstinado que debía conducir hasta aquí. 

Imposible adaptar la novela de Juan José Saer que ha servido como punto de partida para el film. Fontán lo sabe y por eso ni siquiera lo intenta. Prefiere dialogar con el texto y trazar su propio camino. Conserva la locación: esa pequeña galaxia provinciana conformada por las islas del río Paraná. Conserva algunos motivos argumentales: una muerte a destiempo, un luto interminable, un recuerdo que mortifica y que pesa demasiado sobre los hombros. Y conserva la respiración del relato: un ritmo cansino, arrastrado, pertinaz. Pero su talento como cineasta consiste en apropiarse de estos materiales para construir sobre ellos una coreografía audiovisual inconfundible. 

La vida es dura en las islas. Aunque hay alguna felicidad en este día de fin de año: como si el universo apurara el cierre de un ciclo y alentara la breve ilusión de un nuevo comienzo. Por momentos las cosas parecen encontrar alguna armonía. El resplandor del sol entre el follaje, una zambullida en el río, una fogata encendida mientras los niños corren o juegan por allí, un grupo de personas cenando alrededor de una mesa, el roce de los cuerpos cuando las parejas se entregan al baile: los actos más sencillos resultan episodios cósmicos bajo la mirada del cineasta. Pero esos islotes de plenitud no hacen más que subrayar una pena infinita que se extiende como un océano en la memoria. 

Gustavo Fontán posee el don de la belleza y, con El limonero real, completa una obra de rara perfección. Si desconfía de las facilidades que podría ofrecerle la narración clásica es porque prefiere apostar a la intensidad de cada imagen para comunicar una emoción que, en cada instante, resulta inefable. Al final, el hombre que rema de vuelta a casa es sólo una mancha negra que apenas se recorta en la oscuridad de la noche. Sólo escuchamos el chapoteo de los remos sobre el agua, las maderas del bote que crujen, la respiración acompasada. Casi no distinguimos nada. Y, sin embargo, Fontán ha triunfado allí donde el cine rara vez logra imponerse: nos deja ver eso que no se puede mostrar. 


Sobre la productora 

Insomniafilms es una productora audiovisual enfocada en el cine de autor que considera el proceso de producción como un aspecto fundamental y constituyente del núcleo creador de cada proyecto. Es por esto que el objetivo principal para sus películas es encontrar el modo adecuado de producción tanto para cada una de ellas como para sus directores. Entre las películas realizadas se encuentran: El limonero real, de Gustavo Fontán (2015), Hamdan, de Martín Solá (2015, co-producción); y El rostro (2014), La casa (2012), Elegía de Abril (2010), La madre (2009) y La orilla que se abisma (2008), todas dirigidas por Gustavo Fontán. 



Sobre OBRACine 

Es una compañía boutique de distribución & ventas de películas argentinas y latinoamericanas con una mirada focalizada en el cine de vanguardia, artístico y de autor. Su compromiso comercial incluye la comunicación, distribución y venta internacional de films independientes generando visibilidad y posicionamiento en el mercado local e internacional para así captar nuevas audiencias. Pensamos cada obra como única, diseñando estrategias específicas para cada lanzamiento, generando retrospectivas, focos, talleres y premiéres en festivales internacionales, apoyados fuertemente desde la comunicación. 


Segundo tiempo, en el Teatro La Comedia



Segundo Tiempo
de Ricardo Halac

Direccion: Emiliano Delucchi

Viernes 21.15 hs Teatro La Comedia

(Rodríguez Peña 1062, CABA)

Reservas: Plateanet.com

Con Shirley

Gimenez Laura Insúa

Ulises Pafundi / Emiliano Delucchi

Pablo y Marisa son un matrimonio joven enfrentándose a una profunda crisis, una pareja tratando de evolucionar en un mundo patriarcal inmerso en la violencia de género. Marisa va a volver a trabajar. Pablo no sabe cómo tiene que sentirse al respecto. El enfrentamiento entre el hombre que desea evolucionar y el que quiere quedarse atado a viejos mandatos. De regreso y por primera vez, vuelve esta divertida comedia Segundo Tiempo de Ricardo Halac. "Segundo Tiempo" se estrenó el 25 de junio de 1976, en el Teatro Lasalle de Buenos Aires con Dirección de Osvaldo Bonet y el elenco compuesto por Luis Brandoni, Marta Bianchi, Chela Ruiz.

Actúan: Shirley Gimenez, Laura Insua, Ulises Pafundi/Emiliano Delucchi

Producción: ShirTeatroProducciones

Producción Ejecutiva: Virginia Mazzarella

Vestuario: Gabriela Boniche

Fotografía: Gianni Mestichelli

Diseño Gráfico: Jorge Lopez

Stage Manager: Maruja Ceccotti

Dramaturgia: Ricardo Halac

Direccion: Emiliano Delucchi


29 ago. 2016

LAS ÚLTIMAS LUNAS. De Furio Bordon, dirigida por Susana Hornos. Con Federico Luppi, Susana Hornos y Ramiro Vayo. En el Centro Cultural de la Cooperación.



“Las últimas lunas” de Furio Bordon, dirigida por Susana Hornos, llega a Buenos Aires de la mano de Federico Luppi, quien decidió contactar al autor tras leer en una nota que fue la última obra que el querido Marcelo Mastroiannihizo en teatro. Al leer la pieza, la lucidez, la ternura, el humor y la sencillez con que habla de la vejez y las relaciones de familia decidieron a Luppi que merecía estar en Argentina.


Sinopsis
Un viejo maestro espera en la habitación a su hijo; tiene la valija preparada porque en un rato lo va a llevar a un geriátrico. Hablarán de todo lo indispensable... menos de la verdad. ¿Por qué se va?
Una obra que cuestiona con humor y franqueza qué hacemos con los ancianos en la sociedad moderna.

AGENDA:
Estreno: viernes 15 de julio, 19:30 hs.
Función de prensa: viernes 22 de julio, 19:30 hs.
Funciones: viernes, 20:00 hs.
Lugar: Centro Cultural de la Cooperación (Av. Corrientes 1543)
Entrada: $200 / Descuento jub. y est. / 2x1 Club la Nación y CABAL.
Reservas: 5077-8000 int 8313 / Alternativateatral
Duración: 80 min.


Ficha Artística

Dramaturgia: Furio Bordon
Dirección: Susana Hornos
Actores: Susana Hornos, Federico Luppi y Ramiro Vayo
Asistencia de dirección y producción: Lucía Tomás
Producción general: Pablo Silva y Susana Hornos
Escenógrafa:: Eliana Sánchez
Diseño de luces: Pedro Zambrelli
Silbatriz: Marisa Pons
Diseño gráfico: Yael Silva
Fotografía: Gianni Mestichelli
Prensa: OCTAVIA Comunicación

Sobre el autor

Furio Bordon comenzó su carrera como escritor a los 20 años en la RAI. Un año más tarde comenzó como dramaturgo en una obra producida por el Teatro Nacional de Trieste. Desde entonces ha continuado escribiendo para teatro, televisión y radio.
En 1994 su obra "Querido Elvis, querida Janis" ganó el premio de Mejor pieza teatral del año por el Instituto de Teatro Italiano. "Las últimas lunas" ha sido su pieza más representada por actores de la talla de Marcelo Mastroiani en Italia, Fernando Fernán Gómez o Galiardo en España o Jean Piaget en Francia y en más de una veintena de países. Como diría su traductor al español, el mismísimo Rafael Azcona: “la obra representa que ser viejo hoy es muy duro”. En esta obra, el italiano utiliza ya un recurso y lenguaje que mantendrá en parte de su dramaturgia, la comunión en un mismo espacio de personajes vivos y los que ya se fueron, dando a todos ellos la misma realidad; no lo plantea desde el efecto sino desde el diálogo de lo que no se dijo, aquello que en muchas obras teatrales serían monólogos interiores, Furio los transforma en discusiones y escenas de carnadura presente y real, sin importar el espacio temporal donde cada protagonista se halle, sino lo que tienen que decirse, lo que deciden seguir ocultando, lo que los enfrenta y acerca está por encima de esta particularidad.
Ha recibido multitud de premios internacionales a lo largo de su carrera y dirigido de 1988 al 1992 il Teatro Stabile del Friuli Venezia Giulia, y del 2004 al 2006 il Teatro Romano Festival di Trieste.

Sobre la directora

Susana Hornos comenzó como actriz en la compañía estable Teatro de La Estación en Zaragoza (España), donde actuó en montajes de teatro clásico y contemporáneo. Desde 1999 trabaja entre Argentina y España. En Argentina ha trabajado con Federico Luppi, Hugo Urquijo, Julia Calvo, Juan Carlos Desanzo, Gustavo Garzón, Sofía Gala, Daniel Araoz… Fue ganadora del premio actriz revelación en el Festival de Toulouse (Francia) con una película de su autoría (Pasos).
Escribe para cine, teatro y televisión, habiendo sido seleccionados sus trabajos para el ciclo Nuestro Teatro o para CEPIA del Ministerio de Cultura. Como directora hace cinco años que codirige, junto a Zaida Rico, la Trilogía Republicana (“Granos de uva en el paladar”, “Pinedas tejen lirios” y “Auroras”). Este año, junto a la dirección de “Las últimas lunas”, estrenará como actriz el unipersonal “La fría noche que Eva nunca quiso soñar” dirigido por Dardo Dozo.


Sobre Federico Luppi
Federico Luppi nació en Ramallo en 1936. Este actor argentino ha obtenido numerosos premios a lo largo de su carrera, entre los que se cuenta una Concha de Plata en el Festival de San Sebastián. Su primera película fue "Pajarito Gómez" (1965), y su consagración cinematográfica se produjo gracias a la película "El romance del Aniceto y la Francisca".
Ha participado en numerosas películas del director Adolfo Aristarain. También ha trabajado con el director mexicano Guillermo del Toro en tres películas: "Cronos" (conocida también como La invención de Cronos), "El espinazo del diablo" y "El laberinto del fauno".
Luego de convertirse en uno de los actores argentinos de mayor prestigio nacional e internacional y de protagonizar varias películas del cine argentino, decidió radicarse en España en el año 2001. En España participó de importantes realizaciones, pero también ha trabajado en series de televisión e incluso ha sido el protagonista de la obra "El guía del Hermitage" en 2008, luego de 10 años sin efectuar trabajos teatrales.
Además, probó suerte como director con la película "Pasos", de producción española. Las actrices Ana Fernández y Susana Hornos se alzaron con los premios a Mejor Actriz en el Festival Iberoamericano de Villaverde y a Actriz Revelación en el Festival Cinespaña de Toulouse (Francia) respectivamente por esta película.
Federico Luppi ostenta el récord de ser el actor argentino con más Premios Cóndor de Plata al mejor actor, que ganó seis veces.

Leo Caruso & Club Mondrian (blues jazz/trío) en el ciclo Jazz Voyeur. En el Hotel Meliá Recoleta Plaza



Leo Caruso & Club Mondrian
(blues/jazz trío) continúa presentando su trabajo discográfico, COLORES PRIMARIOS, un viaje por la transversalidad estética del blues.


Una propuesta de género con mirada de autor.

Con un especial énfasis en las sonoridades del piano de blues, la propuesta conjuga los sonidos de los afterhours blues, el West Coast y el Cool Jazz, en personalísimas versiones de artistas que van de Nat King Cole, Ray Charles, Charles Brown, y George Gershwin, hasta The Beatles, The Doors o Manal entre otros, además de composiciones propias.


COLORES PRIMARIOS, editado por el sello RGS, incluye invitados de lujo como el maestro Claudio Gabis, (quien dejó registrada su guitarra en la versión del tema Avellaneda Blues), y artistas de la talla de Alfredo Piro, Daniel Raffo, y Juan Cruz de Urquiza.




Leo Caruso & Club Mondrian (blues jazz/trío) 

en el ciclo Jazz Voyeur
16 de septiembre- 21.30 hs.
Hotel Meliá Recoleta Plaza- Posadas 1557 

Bs As



Propuesta estética



El sonido de Club Mondrian no es el de aquellos blues de la esclavitud y de los campos de algodón; más bien, es el blues de la generación de los descendientes de aquellos esclavos, que llegan a las grandes ciudades y descubren que el futuro no es tan distinto al pasado, que aquella vieja opresión ahora se llama trabajo precario, miseria o segregación.

La propuesta de COLORES PRIMARIOS se enfoca, en las décadas de los ‘40s, los ‘50s y los ‘60s, y el sonido exquisito de la Costa Oeste (West Coast Blues); esos nuevos-viejos blues que cargan la intangible elegancia de un repertorio de hipnótica y austera sensualidad, embriagados, cada tanto, por el contagioso ritmo del Boogie Woogie a piano solo.



Club Mondrian:


Leo Caruso: Piano, voz, arreglos y dirección musical-


Pablo Leone: Contrabajo-

Demián González Premezzi: Batería-

Músicos invitados:

Matías Bahilo: Trompeta y Flugelhorn

Nani Moser: Saxo Alto




Dijo la prensa sobre Colores Primarios, y su presentación en vivo:



“La búsqueda de lo esencial en la música popular (… ) ¿Cuáles son los colores base a partir de los cuales se dieron las varias revoluciones musicales del siglo XX? Para Leo Caruso hay varias respuestas a esa pregunta, y todas las vuelca en Colores Primarios”. (Espectáculos, Clarín).


“El número mágico de Leo Caruso, Los Tres (…) Un correlato estupendo entre la obra de Mondrian y la estructura del blues” (Revista Veintitrés).


“Caruso sorprende con covers en clave jazzística.”. (Ambito Financiero).



"La espesura del piano blusero" (Melografías)



"El club de la elegancia" (Diario Popular, Vienen sonando)



"A veces las palabras quedan pequeñas o inocuas ante la magia de la música. Leo Caruso logró un álbum de una profundidad exquisita con interpretaciones realmente superlativas." (Malbec & Blues)



Del show en vivo:



"Caruso no solo fue cautivando a través de las melodías sino también de las palabras, y durante los últimos temas podía percibirse en el público la melancolía del final indeseado pero inevitable. No sé si ya todo ha sido inventado o el mundo ha nacido viejo, pero sin dudas todavía existen aquellos que hacen de lo viejo y lo inventado un mundo nuevo de posibilidades". (Puesta en escena)



“Leo Caruso y Club Mondrian resultó una grata sorpresa, pues lejos de adoptar una sintonía estilística excesivamente reglamentada por los tres tonos y los doce compases propusieron un camino amplio. Leo es un músico que se permite ciertas fantasías desde su piano, que, lejos de desarraigar al blues, lo colorean”. (Diario La Nación).

28 ago. 2016

6º Festival Internacional de Cine Latino Árabe, Latinarab.



La Asociación Civil Creciente Cine Fértil, responsable del Festival Internacional de Cine Latino Árabe LatinArab, invita a disfrutar de su 6.a edición que se llevará a cabo del 1 al 12 de septiembre en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

El Espacio INCAA Cine Gaumont, la Alianza Francesa, el Complejo Bajo Plaza del CCGSM, la Biblioteca del Congreso Nacional, Salón Dorado de la Legislatura y el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti serán las sedes y puntos de encuentro.



"El festival LatinArab llega a su 6ta edición constituido como el evento latinoamericano referencial en cooperación cultural y audiovisual Sur-Sur que reúne a las cinematografías e industrias latinoamericanas y árabes en un escenario único en el continente.
Como cada año, el festival nos propone reencontrarnos con aquellos pueblos y sus historias que nos interpelan sobre nuestros prejuicios, realidades y que de manera introspectiva nos abordan desde otro lugar con nuevas preguntas y distintas miradas para los nuevos desafíos. Y es aquí donde emerge el valor del cine puesto en juego con todo su potencial.
LatinArab nos invita, así, al goce del camino largo del viajero. Desandando en un lenguaje propio, inacabado —aunque siempre esperanzado— las narrativas finitas del miedo enajenante para construir escenarios no solo más humanizados, sino con mayores posibilidades para la cooperación y la alteridad en el marco de una cultura del desarrollo y de la paz.
Esta edición trae buenas noticias también en materia de industria audiovisual, convirtiéndose en un hito en las relaciones cinematográficas entre los países árabes y latinoamericanos: formación de audiencias, proyectos bi-regionales, coproducciones y nuevos mercados para generar trabajo de calidad son muestras de la proyección de nuestro festival.
Los esperamos en Buenos Aires, Argentina, desde el sur del mundo; fortaleciendo la creación colectiva y el encuentro único que genera el cine. Desde las pantallas estamos invitándonos al desafío de compartir la circularidad del espacio-tiempo, inexorable para todos; a reconocernos en esas múltiples y diversas miradas como parte única e irrepetible de la gran familia de la humanidad.
Mirándonos con ojos latino árabes, promoviendo la diversidad cultural, avanzamos.
Bienvenidos a la 6.a edición del Festival Internacional de Cine Latino Árabe LatinArab".

Edgardo Bechara El Khoury
Director Ejecutivo
Cine Fértil y LatinArab




ACTIVIDADES | PROGRAMA

El Festival se encuentra estructurado sobre tres pilares: la programación de películas; actividades de industria y actividades de formación. El programa está dividido en secciones competitivas (Selección Oficial) y no competitivas. La programación del festival, diseñada para celebrar la pluralidad de voces y la abundancia de creatividad de la región; busca un equilibrio, seleccionando obras de profesionales de renombre como así también de cineastas jóvenes y emergentes. Asimismo, pretende nivelar las expresiones tradicionales y populares con el cine de autor y de vanguardia; reflejando también la historia del cine árabe a través de retrospectivas y proyecciones especiales.
En 2013, el festival inauguró la categoría “País Invitado de Honor”. En esta ocasión, celebrará la cinematografía de EGIPTO con la Primera Semana de Cine Egipcio en Argentina a desarrollarse del 5 al 09 de Septiembre 2016 en la Alianza Francesa de Buenos Aires.



SELECCIÓN OFICIAL
Una vez más, los países árabes y latinoamericanos encuentran en LatinArab un espacio en donde hacer oír su voz, entrecruzándose y dialogando a través de la más fascinante experiencia estética: el cine.
Por quinto año consecutivo, el espectador tendrá la posibilidad de encontrarse con los más diversos modelos de representación y de producción cinematográfica del mundo árabe en las competencias de Largometrajes y Cortometrajes Árabes, y de América Latina en la sección Panorama LatinArab.

Las siguientes secciones competitivas conforman la Selección Oficial LatinArab 2016:

• Competencia de Largometrajes Árabes
• Competencia de Cortometrajes Árabes
• Panorama LatinArab de filmes latinoamericanos

Las películas que integran las distintas secciones de la Selección Oficial serán evaluadas por un jurado conformado por importantes figuras nacionales e internacionales, como Ricardo Longhini, Luis Franc, Nicolas Carreras, Luciano Saracino, Nicolas Prividera, Pablo Giorgelli, Cristian Jure, Cecilia Salim, Santiago Nacif, entre otros.


SECCIONES NO COMPETITIVAS Y PROYECCIONES ESPECIALES

La siguiente programación fuera de competencia está siendo curada para completar el programa de LatinArab 2016:

1.a SEMANA DE CINE EGIPCIO EN ARGENTINA
En el marco de la 6.a edición del Festival Internacional de Cine Latino Árabe LatinArab, llega a Argentina la Primera Semana de Cine EGIPCIO, que se desarrollará del 5 al 09 de Septiembre en la Alianza Francesa de Buenos Aires.

FRONTERAS PRIVADAS - MIGRANTES UNIVERSALES
Ciclo de documentales sobre refugiados producidos por AL JAZEERA DOCUMENTARY CHANNEL
A través del ciclo Fronteras Privadas - Migrantes Universales, se presentarán tres documentales producidos por Al Jazeera que permiten dar a conocer la tragedia universal que se esconde tras estas historias humanas particulares.

“MADE IN QATAR”| VENTANA PARA LA INFANCIA Y LA JUVENTUD

Made in Qatar es una pequeña muestra del trabajo de cineastas radicados en Qatar. LatinArab 2016, presenta un programa especial que permite hacer un recorrido por la programación del Festival de Cine Joven Ajyal que se realiza anualmente en Qatar y en el que se exhiben películas hechas por y sobre jóvenes.

ACTIVIDADES DE MERCADO E INDUSTRIA

LatinArab se establece como punto de reunión para profundizar las relaciones entre las industrias cinematográficas de los países árabes y latinoaméricanos, desarrollando una plataforma donde puedan celebrarse acuerdos bi-regionales de cooperación. El Banco de Proyectos Latino Árabe de Cine y TV es la materialización de ese objetivo. En esta línea de acción, la sexta edición de LatinArab reúne diversas actividades en su cronograma.

ACTIVIDADES FORMATIVAS, MESAS Y CONFERENCIAS
LatinArab se establecerse como un lugar de reunión para la reflexión y el debate, presentando un rango de mesas debate, paneles y clases magistrales.



SEDES


• Cine Gaumont - Espacio INCAA (Av. Rivadavia 1635)
• Alianza Francesa (Córdoba 946)
• Complejo Bajo Plaza - CCGSM (Sarmiento 1551)
• Sala Leonardo Favio - Biblioteca del Congreso de la Nación (Alsina 1835)
• Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (Av. Del Libertador 8151)


ACERCA DE CINE FÉRTIL:


La Asociación Civil Creciente Cine Fértil para la Promoción de la Diversidad Cultural está constituida por un equipo abocado a la difusión desde Argentina hacia América Latina del cine y la cultura árabe, así como a la promoción de la diversidad latinoamericana y del cine argentino en los países árabes.
Creada en 2003, ha consolidado un espacio latinoamericano de acceso a la realidad cultural, social y política del Mundo Árabe a través del cine. Mediante muestras, semanas y festivales de cine generamos herramientas para el diálogo intercultural, el conocimiento mutuo de nuestras sociedades y el desarrollo de estrategias comunes de producción audiovisual entre los países árabes y latinoamericanos.
2010 fue el año del afianzamiento institucional de Cine Fértil, ya que se organizó en agosto la primera Muestra de Cine EuroÁrabe Amal, con la colaboración del Euroarab Film Festival Amal de Santiago de Compostela, España. En octubre de ese año, Cine Fértil coorganizó en la Ciudad de Buenos Aires el programa Cartografías Urbanas, curado por Casa Árabe de España. En 2011, Cine Fértil organizó el primer Festival Latinoamericano de Cine Árabe: LatinArab, donde se proyectaron algunas de las más sobresalientes películas contemporáneas producidas en el Mundo Árabe. Para lograrlo, contó con el apoyo de prestigiosas instituciones como el INCAA (Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de la Argentina), AFAC (Arab Fund for Arts and Culture), DFI (Doha Film Institute), CCM (Centro Cinematográfico Marroquí), Abu Dhabi International Film Festival (Emiratos Árabes Unidos), la Fundación Prince Claus (Holanda), Ventana Sur (INCAA y Marché du film Cannes) junto con la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF) y la Universidad de Buenos Aires (UBA). A partir del año 2012, el festival ha fusionado la competencia de largometrajes de ficción y de documental, apoyándose en la idea de que los límites entre la realidad y la ficción son cada vez más difusos. Luego de cuatro exitosas ediciones, LatinArab se instala como Festival Internacional de Cine Latino Árabe enmarcando a Cine Fértil como una de las organizaciones más relevantes en nuestro continente, dedicada al intercambio cultural y de industria entre América Latina y los países árabes. Todas las muestras, ciclos y festivales llevados a cabo por Cine Fértil han sido auspiciados por el INCAA a través de la Gerencia de Relaciones Institucionales y la Sub Gerencia de Festivales Nacionales, siendo declaradas oportunamente de interés por el Congreso de la Nación, el Ministerio de Cultura de la Nación, la Legislatura de la Ciudad de Buenos Ares, el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires y de las respectivas Legislaturas y Secretarías de Cultura provinciales, entre otros.

LOLA ARIAS presenta DOBLE DE RIESGO. En el Parque de la Memoria.


Lola Arias, Doble de riesgo



El Parque de la Memoria presenta la muestra Doble de Riesgo de la escritora, directora de teatro y artista Lola Arias. Una propuesta especialmente concebida para la sala PAyS, en el marco de un programa curatorial que apuesta a la interdisciplinariedad y al cruce de géneros. A partir de una serie de instalaciones, videos e intervenciones sonoras la artista aborda algunas cuestiones que forman parte del imaginario colectivo argentino: como la guerra de Malvinas, los discursos presidenciales o el pueblo manifestando en las calles. La muestra está organizada cronológicamente desde 1976, efeméride del golpe de Estado y año del nacimiento de la artista, hasta la actualidad. Arias despliega en sala distintas estrategias que develan el carácter de representación que anida en la construcción de la historia, a partir de relatos biográficos, testimonios y material de archivo.

Hasta el 13 de noviembre.
En el Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado.
Avenida Costanera Norte Rafael Obligado adyacente a Ciudad Universitaria.



NOCTURNO HINDÚ. A partir de la novela de Antonio Tabucchi. Adaptación y Dirección: Gabriela Izcovich. Con Alfredo Martín, Agustín León Pruzzo y Gabriela Izcovich. En El portón de Sánchez


Luego de 18 años, se estrenará “Nocturno hindú”, adaptación teatral realizada por Gabriela Izcovich de la novela homónima de Antonio Tabucchi.

“Nocturno Hindú” ha recibido el Premio “Primer Teatro del Mundo 1998” en el rubro Mejor Adaptación y Mejor Actuación Masculina. También ha sido calificada en primer lugar en el Certamen Metropolitano de Teatro “Buenos Aires Teatro 1999”.

Este espectáculo se representó en Barcelona, como así también en Florencia, Italia, donde estuvo presente Antonio Tabucchi



El protagonista va a la India en busca de un amigo que ha desaparecido de su vida y del que no sabe nada desde hace mucho tiempo. El itinerario que realiza lo van diseñando las personas con las que se va encontrando en cada sitio, "La vida no está hecha de paisajes naturales, sino de paisajes humanos", dice Tabucchi.

A medida que avanzamos en su recorrido, cada vez más tenemos la sensación de adentrarnos en un Nocturno que abarca a una sombra. Esa sombra sea tal vez la persona que él busca o quizá el llamado para un viaje interior.

La India multifacética y contradictoria está presente. Tan presente como la ansiedad del protagonista que recrea un mundo paralelo.



Esta historia fue escrita a propósito de un viaje que el escritor hizo a la India y quién escribió acerca de esta experiencia: “Este libro, además de insomnio, es un viaje. El insomnio corresponde a quien ha escrito el libro, el viaje a quien lo hizo”.





Nocturno Hindú

A partir de la novela de Antonio Tabucchi

Adaptación y Dirección: Gabriela Izcovich

Elenco: Alfredo Martín, Agustín León Pruzzo y Gabriela Izcovich

Funciones Sábados 21 hs en El portón de Sánchez : Sánchez de Bustamante 1034. – CABA www.el portondesanchez.com.ar

Localidades $ 180 – Estudiantes y Jubilados $120 - 
Tel: 4-863-2848.



Un hombre realiza un viaje a la India en busca de su amigo del que no sabe nada desde hace mucho tiempo, esta travesía se transforma en un descubrimiento de su propio ser.




Escenografía: Alicia Leloutre

Música Original: Ezequiel Izcovich

Iluminación: Mariano Dobrysz

Asistencia de dirección, producción ejecutiva y fotos: Marco Riccob


“Las excelentes actuaciones del trío protagónico: Alfredo Martín como Roux, en uno de los mejores trabajos de su carrera, Gabriela Izcovich y Agustín León Pruzzo, que en la encarnación de varios personajes exponen una gran ductilidad no exenta de un refinado humor, que tampoco falta en el texto y le da a veces una apariencia falsamente distante, y la iluminación de la palabra, ese nuevo dios al que alude Pessoa. Entre tantas ironías filosas de los diálogos y las exploraciones casi detectivescas detrás del paradero investigado, asoman frases que, como resplandores, alumbran las sombras de la abyección o el horror...” Diario La Nación Alberto Catena.

"...En esta excelente adaptación de Gabriela Izcovich que también es una de las tres intérpretes en escena- se logra transmitir la misma inquietud que el autor italiano fallecido en 2012 imprimió en su libro, que no es otra que la interrogación sobre el mandato romántico de escribir con el cuerpo la propia novela ¿Hasta qué lugar es con letras la única manera posible de escribir un poema? ¿Es posible la mímesis en la literatura?..."
http://www.espectaculosdeaca.com.ar/nocturno-hindu-2/


"...Una historia exótica, que en los personajes comienza en la construcción de una identidad a partir del vestuario, y sigue por la gestualidad, la voz y los tempos diferentes entre una cultura otra; y su escritura escénica que a través del recorrido laberíntico nos sumerge en ese espacio casi onírico... La precisa iluminación oculta y descubre de manera escurridiza cada escena. Pues cada criatura se va desplazando por el amplio espacio lúdico y a medida que el juego actoral lo construye a su vez lo va deconstruyendo. Imágenes visuales efímeras en un devenir poético..."
https://lunateatral2.wordpress.com/…/nocturno-hindu-de-ant…/Azucena Ester Joffe y María de los Ángeles Sanz

“Entre las correctas actuaciones, destaca por su versatilidad la del actor Agustín León Pruzzo, con una llamativa velocidad y prolijidad para cambiar de personajes en el acto. Otro recurso que imprime distinción a la pieza es el uso de la oscuridad como elemento sugerente que moviliza el misterio que impregna a la obra. Así, se va desarrollando este extenso viaje que cada vez se torna más introspectivo, el protagonista se va perdiendo a sí mismo en esas tierras lejanas y entre esos extravagantes, pero seductores personajes hasta perder de vista las razones iniciales de su viaje e ir hacia un extraño encuentro..."
http://lamironaartistica.blogspot.com.ar/…/yo-soy-otro-sobr… por Vivi Montes



“Gabriela Izcovich (que además de dirigir la adaptación, actúa), se las ha ingeniado de una manera notable para transmitir el mensaje de Nocturno hindú, incluso a pesar de las limitaciones, incluso a pesar de la traducción, del idioma. Está bien, suena lógico: Gabriela Izcovich viene trabajando en esa línea desde hace años ya, adaptando obras literarias que parecen intraducibles al lenguaje teatral y siempre ha salido bien parada... Es curioso, pero pienso que parte del acierto de Nocturno hindú está, precisamente, en haber sabido captar que, aunque transcurre en la India, en realidad la obra transcurre en ningún lado...” Blog Spectavi.wordpress 2016 por Luciano Alonso



“Es destacable que tantos diferentes lugares puedan ser recreados en un mismo espacio, por lo que la puesta se lleva varios de los aplausos de la obra.
Finalmente y así como los viajes son invitaciones a conocernos, el teatro también nos invita a reconocer a los autores y en este caso, llegar a Tabucchi no es poca cosa. Un placentero viaje sin vuelta atrás...."
https://binoculares.wordpress.com/…/el-viaje-adentro-del-v…/ María Eugenia Barrionuevo.



“¿Cómo representar a la India, un país de miles de millones de habitantes, en un escenario negro y rectangular en el barrio de Almagro? Aquí Izcovich desenvaina múltiples recursos. Trabajo de luces, cambio de tiempos y de personalidad en los personajes vistiéndose y devistiéndose cambiando el tono y el acento de su voz, la insoportable impaciencia de no saber que ocurre, algunos elementos de escenografía que según su lugar cambian de valor logran que, al final, Izcovich lleve al espectador de Bombay hacia sus alrededores, como en un tren fantasma...”

Tango Diario por Federico Frisach



Llega desde Montevideo, la gira Argentina de TROPO. Por la Compañía de Titiriteros Coriolis. En el Galpón de Catalinas. Única Función.




Una tormenta que arrasa y que crea,

Un pueblo que busca sus partes por todas partes,

Dos amigos y una gran aventura,

Una historia donde faltan partes...



Reseña del espectáculo



Julián y Ramiro toman el camino equivocado y se pierden. Mientras, una gran tormenta azota a los habitantes de su pueblo llevándose consigo alguna parte importante de cada uno. Al volver se encuentran con un pueblo cambiado, donde todos han perdido una parte y están desesperados por volver a ser los que eran. Estos dos amigos se sienten culpables ya que al perderse no llegaron a tiempo para ayudar a sus amigos y son los únicos que cuentan con todas sus partes.

Por ello, en un acto quijotesco Ramiro decide ir en busca de la tormenta, enfrentarla y hacer que les devuelva todo lo que se llevó; mientras Julián se queda en el pueblo haciendo inventos que solucionan algunos de los problemas de los habitantes a los que le faltan partes.



Una propuesta original, moderna y arriesgada donde dos titiriteros mediante técnicas mixtas que van del tradicional títere de guante, pasando por las sombras y manipulación a la vista, cuentan una historia de aventura que llevará a los espectadores por el humor, la emoción, el miedo y la reflexión.



Un espectáculo de gran riqueza estética y atención a los detalles, con un gran despliegue escénico creando distintos espacios sobre el escenario que van desde un campamento, pasando por un océano, un pozo, una batalla con la tormenta y terminando con el vuelo en un globo aerostático. Gran proceso de investigación e innovación sobre técnicas de iluminación que permiten el desplazamiento por todo el espacio escénico rompiendo con la eterna frontalidad de los títeres dando la posibilidad de trabajar de espalda, costado, etc., sin afectar la visión del público, También se combina la tecnología con el uso de proyecciones para generar la escenografía del pueblo (Mapping) y diversos efectos de iluminación, abriendo y cerrando espacios.



Sobre la Compañía:



Compañía de Titiriteros Coriolis
se crea en el 2012 (aunque sus integrantes trabajan juntos desde 2004 en La Ovidio Titers Band) con la finalidad de investigar, experimentar y producir espectáculos de títeres con perfil teatral. En este proceso es que surgen a la fecha dos espectáculos, su primer producción, "El traje Invisible" versión de "El nuevo traje del emperador" Christian Anderssen ; espectáculo de manipulación directa en mesa de títeres de boca.

En el 2014 se monta su segunda producción "Tropo", texto original, montaje de teatro de títeres de técnicas mixtas (guante, mesa, sombras, luz negra), sumado a una experimentación en proyección mapping e iluminación inalámbrica de los títeres.

En el 2015 se crea y produce el Primer Ciclo Internacional de Titeres de Montevideo presentando espectáculos de Brasil, Argentina y Uruguay.





Premios y nominaciones:




Premio Florencio Mejor Espectáculo de títeres del año, otorgado por la Asociación de Críticos Teatrales del Uruguay./2014

Nominado Premio Florencio a Mejor ambientación Sonora./2014

Nominado a Mejor espectáculo de títeres, en los premios Florencio para niños 2012

Fondos Concursables para la Cultura del MEC/ Gira Sur de Argentina 2016.

3º edición Programa Fortalecimiento de las Artes 2014_ Intendencia de Mdeo. (IM)

Fondos Concursables para la Cultura/Ministerio de Educación y Cultura/ 2014.





Ficha Artística



Dirección: Gerardo Martínez Gnazzo

Texto original: Cecilia Bruzzone, Gerardo Martínez y Maru Fernández.

Titiriteros: Maru Fernández y Gerardo Martínez.

Técnica: Cecilia Bruzzone/ Trilce Yapor.

Diseño de vestuario: Mariana Dosil.

Selección Musical: Sebastián Pereira y Gerardo Martínez




GIRA ARGENTINA 2016
"TROPO"
Llega desde Montevideo




Única función abierta: Domingo 28 de agosto, 16.30hs.

Sala: Galpón de Catalinas_ Benito Pérez Galdós 93, La Boca. tel. 11 4300-5707 | 114307-1097

Entrada general: $70 / www.alternativateatral.com

Facebook: Coriolis Titeres Montevideo

Instagram: titerescoriolis

Twiter: @titerescoriolis

Espectáculo de Teatro de Títeres para todo público.

Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=JwRwB4l-DMg



FUNCION ESPECIAL PARA INSTITUCIONES: Lunes 29 de agosto 11hs.

Entradas: $30

D e c a d e n c i a de Steven Berkoff. Con Ingrid Pelicori y Horacio Peña. En el Teatro Payró.




Foto: Juan Travnik











D e c a d e n c i a


FICHA TÉCNICA


Autor: Steven Berkoff

Con: Ingrid Pelicori y Horacio Peña

Traducción: Rafael Spregelburd

Versión: Ingrid Pelicori y Rafael Spregelburd

Ambientación y vestuario: Jorge Ferrari

Diseño de Iluminación: Gonzalo Córdova

Diseño sonoro: Edgardo Rudnitzki

Fotografía: Juan Travnik

Pelos: Granado

Producción ejecutiva: Gabriel Cabrera

Asistente de dirección: Pehuén Gutierrez

Comunicación Teatro Payró: Vera Czemerinski

Diseño gráfico: Agustín Ceretti

Jefe técnico y operador de luces: Gabriel Haenni / Lucas Orchessi

Asistencia de producción: Daniela Muniz

Realización vestido: Patricia Terán

Dirección: Rubén Szuchmacher

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Funciones: martes 21 hs.

Localidades $ 220.-

Estudiantes y Jubilados $ 150.-

Venta de entradas: Alternativa Teatral

Teatro Payró: San Martín 766


RUBEN SZUCHMACHER
Es actor, director, docente y gestor teatral. Como actor ha estrenado obras de Ricardo Monti, Griselda Gambaro, Alejandro Tantanian, Lautaro Vilo, etc. Como director ha realizado los montajes de "Galileo Galilei" de B.Brecht, "Decadencia" de Steven Berkoff, "Ifigenia en Áulide" de Eurípides, "El desalojo" de F. Sánchez, "Babilonia" y "Muñeca" de A. Discépolo, "Mi querida" de G.Gambaro, "Viejos Tiempos" y "Polvo eres" de H.Pinter, "Los hijos del sol" de M. Gorki, "El siglo de Oro del Peronismo" de P.C. de la Barca, M. Bertuccio y R.Sz, "Calígula" de A.Camus, "Las troyanas" de Eurípides en versión de J.P.Sartre, "Muerte de un viajante" de A.Miller, "La gracia" de L.Vilo, "Enrique IV, Segunda Parte" de W.Shakespeare estrenada en The Globe Theatre de Londres en el marco del Globe to Globe 2012; entre muchos otros trabajos. Se desempeñó también como regisseur y director de teatro musical en "Liederkreis" y "La muerte y la muchacha" de Gerardo Gandini, "Ariadna en Naxos" de Richard Strauss, "La voz humana", de J.Coc­teau y F.Poulenc, "La vuelta de tuerca" de B.Britten, para el CETC (Centro de Experimentación del Teatro Colón), entre varios.

En el campo de la docencia teatral ha trabajado en diversas instituciones de la República Argentina, y en España, Alemania, México, Chile, Brasil y Uruguay. Ha recibido los premios Ace de Oro, Trinidad Guevara, Florencio Sánchez, el Teatro del Mundo, el María Guerrero, entre otros. En 2015 Reservoir Books-Random House editó su libro "Lo Incapturable" sobre puesta en escena y dirección teatral. Actualmente se encuentra en cartel "Todas las cosas del Mundo" de Diego Manso que dirige en el Teatro Payró, espacio del que, junto al de Elkafka Espacio Teatral, es director artístico.


INGRID PELICORI

Es actriz y Licenciada en Psicología (UBA). Integró el elenco estable del Teatro General San Martín. Durante su extensa trayectoria, actuó en un repertorio en el que se encuentran obras de A. Chéjov, A. Strindberg , W. Shakespeare, H.Ibsen, W. Witkiewicz, A. Discépolo, Tirso de Molina, C. Gorostiza y A. Camus, entre muchos otros.

Ha trabajado bajo la dirección de los más prestigiosos directores teatrales: Laura Yusem, Roberto Villanueva, Juan Carlos Gené, Omar Grasso, Vivi Tellas, Cecilio Madanes, Roberto Sturúa, Susana Torres Molina y Leonor Manso, entre muchos otros. Por "Conversación en la casa de Stein sobre el ausente señor Von Goethe" de Peter Hacks, dirigida por Manuel Iedvabni, ganó el Premio ACE en el rubro "Mejor Unipersonal". Con "El zoo de Cristal" bajo dirección de Hugo Urquijo obtiene el Premio ACE como "Mejor Actriz de Reparto en Drama".

Junto a Rubén Szuchmacher integran una dupla creativa con la que han montado las siguientes obras: "Polvo eres" de Harold Pinter (ganadora del premio Teatro del Mundo en el rubro de Mejor Actuación Femenina), "Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín" de F.G.Lorca; "La biblioteca de Babel" -basada en el cuento de Borges con dirección de Szuchmacher y Rudnitzky-; "Extinción" de Iñigo Ramírez de Haro; "Lo que pasó cuando Nora dejó a su marido" de Elfriede Jelinek (Premio ACE a "Mejor actriz de Comedia Dramática"); "Quartett" de Heiner Muller; y "Decadencia" a reestrenarse actualmente en el Payró.

Paralelamente a su actividad teatral, desarrolló una larga carrera en cine y televisión. Realizó además traducciones y versiones de diversas obras de teatro. Recibió el Premio Konex, diploma al mérito como actriz de teatro, por la década 1991-2001, y el Premio Podestá a la Trayectoria Honorable otorgado por la Asociación de Actores.




HORACIO PEÑA


Integró el Elenco Estable del Teatro Municipal General San Martín entre los años 1980 y 1990.

Ha mantenido una sostenida labor teatral, además de tener un desempeño artístico en televisión ("Epitafios", "El garante", "Este es mi mundo", "Montaña Rusa" entre muchos otros) y en cine ("Cordero de Dios", "Rapado", "Luna de Avellaneda", "Abierto de 18 a 24" –por ésta obtuvo los premios de Mejor Actor VI Festival de Cine de Santa Fe, Mejor Actor Revista Sin Cortes, Cóndor de Plata a la Revelación masculina-, "Hermanas").

De vasta trayectoria teatral, actuó en "La Venganza de Don Mendo" con dirección de Norma Aleandro, "He visto a Dios", protagonizado por Osvaldo Terranova, "Hamlet" junto a Alfredo Alcón, "Los cuernos de Don Friolera" de Valle Inclán, "Santa Juana", de B. Shaw, "Stéfano", de Discépolo, "María Estuardo" de Schiller, "Las Brujas de Salem" de A. Miller, "Fuenteovejuna" de L. De Vega, "Galileo Galilei" de B. Brecht, "Shylock" de Shakespeare, "Lo que va dictando el sueño" de G. Gambaro, entre muchos otros.

Con Rubén Szuchmacher como director, protagonizó los siguientes espectáculos:, "El loco y la monja " de Witkiewicz, "Muñeca" de Discépolo, "Polvo Eres" de H. Pinter, "Lo que pasó cuando Nora dejó a su marido" de E Jelinek, "Extinción" de I. Ramírez de Haro, "Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín" de F.G.Lorca, "La Biblioteca de Babel" sobre texto de Borges, "Decadencia" (por la que fue nominado a los Premios María Guerrero y Gregorio de Laferrere, en la categoría Mejor Actor); "Las Troyanas", de Eurípides/Sartre, y "Enrique IV" de W.Shakespeare, labor por la que obtuvo un premio ACE Mejor Actor de reparto en Comedia. Algunos de estos espectáculos fueron invitados a Festivales Internacionales: "Theater der Welt", Kohl y Berlín (Alemania), Festival de Otoño en Madrid, y Festival de Cádiz, Festival Porto Alegre en cena, Brasil.

Recibió diversas distinciones por su labor actoral, entre ellos, Premio Cóndor de Plata como Revelación Masculina y Mejor Actor de Cine Vº Festival de Cine de Santa Fe por "Abierto de 18 a 24" (1988); Premio Trinidad Guevara al Mejor Actor por "El crítico" (2014), Premio ACE como Mejor Actor de Reparto en Drama por "En casa, en Kabul" con dirección de Carlos Gandolfo (2004), Premio Trinidad Guevara al Mejor Actor por "El crítico" (2014)


--"Decadencia" se estrenó en 1996 en el Teatro General San Martín. Pasó luego por las salas del Paseo La Plaza, Babilonia, nuevamente el Teatro San Martín, y Elkafka Espacio Teatral. Hoy se reestrena en el Teatro Payró, en el marco de su renovada etapa de dirección artística y programación.



Ya dijeron de "Decadencia" 2016:


Carlos Abeijon para EL EXPLORADOR CULTURAL, AM Splendid. Jurado Premios ACE. "Una pieza notable,que sigue tan vigente como hace veinte años atrás.Feroz mirada sobre la lujuria,la desidia,la vulgaridad y la prepotencia de una pareja que representa el egoísmo y la iniquidad de las clases dominante.Gran trabajo de dirección de Rubén Szuchmacher y labores inolvidables de Ingrid Palicori y Horacio Peña.Teatro en estado puro según la conmocionante dramaturgia de Steven Bercoff.Para recomendar. Excelente."

Carlos Diviesti para Esquina Peligrosa. "... Si en algo difiere la percepción de alguna de las versiones anteriores de esta obra con la que se acaba de estrenar, es que las cuatro manos de Ingrid Pelicori y Horacio Peña, hoy más sabias, no solamente edifican el sexo que expresan en palabras, sino que construyen en el escenario un mundo tal vez perdido, ese mundo ilusorio de mimar en el aire aquello que ni el tabú ni la coyuntura son capaces de hacerse cargo, eso de que no somos un cuerpo puesto en movimiento para el placer ajeno, sino que somos absolutamente subjetivos. Sus manos trabajan el propio espacio, el propio espacio, y eso es algo sorprendente, mejor dicho, algo desacostumbrado." http://blogesquinapeligrosa.blogspot.com.ar/2016/07/la-dolce-vita.html



Y también...

"Hace 20 años se estrenaba Decadencia de Berkoff. Estas bestias lo hacen de nuevo. Martes 21h en el Payró. Gracias." Muriel Santa Ana, actriz.


"El virtuosismo en su máximo esplendor, maravilla el dominio de la ténica y el histrionismo personal de estas dos bestias, Ingrid Pelicori y Horacio Peña en un texto impresionante que se resignifica con nuevos bríos. Szuchmacher, un capo total. Decadencia, sublime!!". Jessica Schultz, actriz.


"A 20 años de su estreno nacional, sigue siendo de una actualidad escalofriante, dolorosa, bestial. Es una mirada despiadada y aguda, inteligente y mordaz de la clase dominante. Extraordinarios, inolvidables trabajos de Ingrid Pelicori y de Horacio Peña, en una puesta de Rubén Szuchmacher que nos estremece por ser del más puro teatro. ¡¡Cuánto placer!!" Marcela Ferradas, Actriz.

MUNDIAL DE TANGO. FESTIVAL Y MUNDIAL DE PISTA TANGUERA EN BUENOS AIRES.

FOTOS: prensa FESTIVALES GCBA




Fotos: Festivales GCBA



La competencia mundial del Festival y Mundial de Tango llega a su etapa final, mientras las actividades siguen desarrollándose en Buenos Aires.

La definición del Mundial de Tango culminará con las 36 parejas seleccionadas que el martes próximo disputarán la final de la competencia de Tango de Pista en el Stadium Luna Park.

Las duplas son provenientes de Italia, Holanda, Venezuela, Rusia, Corea del Sur, una nutrida delegación Colombiana y de la Argentina.

Hoy domingo 28 de agosto, la programación del día termina a las 19 horas con la pareja ganadora de la categoría Tango Escenario, Solange Acosta y Max Van de Voorde en el Espacio Cultural Julián Centeya y a las 20 horas con Raúl Garello Sexteto en la Usina del Arte dentro de una nutrida programación.



En la Usina del Arte y otras sedes.

JULIÁN CENTEYA ESPACIO CULTURAL
Av. San Juan 3255

USINA DEL ARTE
Agustín R. Caffarena 1, esq. Av. Don Pedro de Mendoza

LUNA PARK
Avenida Corrientes y Bouchard.



Programación completa en:

http://festivales.buenosaires.gob.ar/2016/tangofestivalymundial/es/programacion/diaxdia/28

27 ago. 2016

ANIMA LATINA. Primera Muestra de cine de animación latinoamericano. En el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken y en la Universidad del Cine. Gratis.



Del 12 al 16 de octubre de 2016, se llevará a cabo en la ciudad de Buenos Aires, ANIMA LATINA, la primera muestra de cine de animación latinoamericano.

En los últimos años, los contenidos de animación producidos en América Latina se han incrementado notablemente, y han obtenido también el reconocimiento mundial. Dentro de este contexto, ANIMA LATINA busca posicionarse como un ámbito que propicie el encuentro entre los miembros de la industria y también aúne la reflexión y el debate, entre la industria y la academia, que promueva y fomente el desarrollo de la animación latinoamericana permitiendo crear alianzas para expandir nuestra animación hacia el mundo.



ANIMA LATINA busca convertirse en un espacio de difusión y exhibición donde también el gran público pueda encontrarse con lo más destacado de la producción reciente, descubrir nuevas tendencias y disfrutar de las producciones ya consagradas.



La muestra contará con proyecciones, conferencias, presentaciones de películas, series y publicaciones. Para los conversatorios se reunirán a destacados conferencistas nacionales e internacionales quienes compartirán sus experiencias en el arte e industria de la animación.



Todas las proyecciones y las actividades programadas serán de acceso libre y gratuito.


ANIMA LATINA tiene previsto replicarse en otras ciudades latinoamericanas. Su próxima edición será en Bogotá, Colombia, en el primer trimestre de 2017.



La muestra es organizada por ZONA DE ANIMACIÓN, la web de noticias sobre el cine de animación más visitada de América Latina y fue concebida como plataforma de lanzamiento de ANIMA LATINA, lo que será el primer y único festival de cine de animación latinoamericano del mundo, a celebrarse en abril de 2017 en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y que continuará como muestra itinerante durante todo el año por diferentes ciudades de la región.





Sobre ZONA DE ANIMACIÓN:




ZONA DE ANIMACIÓN es la web argentina sobre la actualidad del cine de animación más visitada de América Latina. Cuenta con más de 30.000 visitas mensuales a su web y más de 10000 fans que lo siguen a través de redes sociales. Un gran número de sus lectores integran el amplio sector productivo de la cinematografía local/latinoamericana: directores, animadores, técnicos, programadores, productores, periodistas, editores, etc. Sin olvidar su llegada a un gran número de estudiantes de animación, aficionados y público en general.

Como Media Partner, ha colaborado en varios festivales nacionales e internacionales de animación como CARTON (Buenos Aires), ANIMA (Córdoba), EL VENTILADOR (Santa Fe) de Argentina, CUT OUT de México, LA TRUCA de Colombia, AJAYU de Perú y CICAF de China.

En 2015 fue honrado con el Premio del Público al Mejor Blog de Animación del Mundo español en el Festival de Málaga.

En 2015 también ha organizado el Ciclo de cine de animación argentino en la Biblioteca del Congreso de la Nación, contando con la presencia de destacados directores. En la actualidad se encuentra produciendo una retrospectiva sobre la animación cubana junto al ICAIC y ANIMA LATINA, la 1° Muestra de Cine de Animación Latinoamericano a realizarse en varias ciudades de la Región.





SEDES:


Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken

Agustín R. Caffarena 51, Ciudad Autónoma de Buenos Aires



Universidad del Cine



Dr. José Modesto Giuffra 330, Ciudad Autónoma de Buenos Aires

THE GAUCHOS AMERICANOS de Julián Mesri. En El Extranjero.



THE GAUCHOS AMERICANOS

de Julián Mesri



La pieza aborda con ironía el tema de la hibridación cultural y de la cacofonía de lenguas, ideas políticas y voces que conforman el continente americano.

En The gauchos Americanos, las palabras se convierten en música y facones que representan naciones, historias, conflictos e identidades. La obra es un explosivo cocktail de dialectos e idiomas: el gauchesco, el lunfardo, el castellano, el spanglish y el mejicano. La diversidad linguística como medio para tratar de entender y agrietar las fronteras reales y simbólicas entre Latinoamerica y los Estados Unidos.

La obra cuenta con un elenco multi-nacional. Se inició a partir de un proceso de ensayos via Skype, que atravesaron la frontera de manera virtual. El elenco procede de distintos países y culturas del continente. Tres de ellos son argentinos, uno mejicano de D.F. y un yanqui de Nebraska. En tanto que Julián Mesri, autor y director de la obra es un argentino residente en los Estados Unidos desde pequeño. The Gauchos Americanos comenzó a gestarse, como pieza, en una de las ediciones de Panorama Sur que, desde hace años, organizan y realizan Alejandro Tantanian y Cynthia Edul.




Estreno para público: Lunes 29 de agosto a las 21 hs

Funciones: lunes 21 hs

Teatro: El Extranjero

Dirección: Valentín Gómez 3378

Entradas: $180 y $150

Informes: 4862-7400





Sinopsis



En una yanquilandia imaginaria, tres gauchos luchan contra la deportación, la ley y ellos mismos en una búsqueda delirante y personal de lo qué quiere decir ser “Americano”.

Don Ariel es un gaucho testarudo que se siente responsable de sus otros dos hermanos gauchos: Don Entorno, más preocupado por el fútbol que por el trabajo en su malograda pulpería y Don Infante, que está siempre involucrándose en peleas. Los tres son conscientes de que si no encuentran visa de trabajo van a ser deportados. Ariel le pide ayuda a su abogado Billy, quien descubre que debido a un error administrativo, la actual visa de Ariel sólo le permite trabajar como actor. Ante esa situación, al abogado se le occure una idea: que Ariel haga el doblaje de una versión leída del Martin Fierro en inglés. Todo se complica cuando aparece Gazpacho, el agente de inmigración yanqui que habla como los immigrantes mejicanos que había encarcelado. La llegada del agente migratorio develará un oscuro secreto de Billy. Y nos mostrará que los gauchos no son tan gauchos como parecían



Ficha artístico técnica


Autor: Julián Mesri / Director: Julián Mesri

Colaboración y asistencia en dirección: María Lucila Quarleri

Actúan: Agustín Repetto, Fernando Locatelli, Rubén Sabadini, Steve Kisicki y Adrián Pascoe.

Producción general: Julián Mesri y María Lucila Quarleri / Producción ejecutiva: Carlos Kerszberg / Asistencia de producción: Agustina Berenguer

Diseño de Sonido: Julian Mesri / Diseño de Iluminación: Julio López / Escenografía: Norberto Laino / Asistentes de escenografía: Sofía Etcheverry, Sol González / Fotografía: Ernesto Donegana / Vestuario: María Lucila Quarleri, Julián Mesri y Tradicionalistas Tras Los Pasos Sanmartinianos, Ropa Fuerte de Bragado /

Prensa: Simkin & Franco

Agradecimientos: Kowalski Club de Cultura, Teatro El Extranjero, Panorama Sur, Alejandro Tantanian y Cynthia Edul, Manuel Allignani, Cecilia Mabel Nuñez, Susana Cook, Lucas Plazzotta.



Dice Julián Mesri sobre el origen de la obra

Esta obra nace de mi experiencia como inmigrante generación“1.5” (un término que describe uno que se va de su país natal de niño), críado entre dos mundos, lenguas, y culturas, la de Argentina y Estados Unidos. En los últimos años mi trabajo como intérprete histórico en el “Tenement Museum” un museo que cuenta las historias de las familias inmigrantes dentro de un conventillo del “Lower East Side” de Nueva York entre los siglos 19 y 20, me ha servido de inspiración para obras que exploran el fenómeno de la inmigración. Un proceso bastante único y prodigioso en América. Un continente que es el producto de inmigraciones voluntarias e involuntarias y a su vez el caldo de cultivo de conflictos raciales, discriminaciones y exterminios inducidos por el colonialismo y el capitalismo.

Estamos muy contentos de presentar la obra en el teatro El extranjero, cuyo nombre evoca tanto la posición del migrante, y también sitio de la obra Apátrida, que tan honestamente diagramó las grandes contradicciones del centro de la cultural de nuestro país.



Ahora, a finales del proceso de trabajo encontramos los dos mundos imaginarios, que formaron los mitos fundacionales de nuestros países. En Argentina el gauchesco, una lírica de la nostalgia, de pérdida y de orgullo; poemas como el Martín Fierro, que hablan de lo desquiciado, del exiliado, de la perdida. Y del otro lado, el mundo del Cowboy, la creación de la expansión brutal de un país que llego sólo al Pacífico con una combinación de genocidio e inmigración. El Cowboy, el obrero y la figura central del “West”, forma también lo que es la identidad “All-American”. Un hombre solitario, violento, muy parecido al gaucho, pero cuya narrativa no es de pérdida, sino de conquista y orgullo. En esos mundos se encuentran nuestros actores. Nuestros gauchos y cowboys y bandidos (el bandido siendo la imaginación yanqui del primer migrante malevo, el mejicano, cuya tierra fue Americana antes de “America”). Es este encuentro mestizo que representa en sí todo lo que es la contradicción Americana.

En el andar también fuimos encontrando la diversidad caóticamente cultural que refleja la obra. Como la lata de Budweiser, que hoy en día por su patriotismo se llama “America”, pero que es parte de una empresa holandesa, envasada a su vez en una fábrica por inmigrantes ‘ilegales’ mejicanos, comprada en una bodega de Nueva York regentada por un inmigrante de Yemen y llevada a Argentina por un yanqui naturalizado de doble-nacionalidad. Y el destino final de esa misma latá será en un escenario porteño donde será testigo de la destrucción de su himno, de su lengua, donde quizás podemos volver a definir qué carajo quiere decir ser “americano”.



Julián Mesri
es un director, dramaturgo, actor y compositor de origen Argentino que vive en Nueva York desde que tenía 4 años. Se cría en el mundo del teatro alternativo de Nueva York, “Off Off Broadway”, como actor y compositor principal de la compañía de su madre, Susana Cook; cuyas obras fueron representadas en festivales de todo Latino America y Europa. Estudia filosofía y letras en Williams College donde tiene la oportunidad de formarse con el director Sudafricano David Eppel y con el Market Theater de Johannesburgo. En Williams también estudió dirección con Tina Shepard, del Open Theater, y dramaturgia con Carson Kreitzer. En su tercer año es becado para estudiar dramaturgias y direcciones nuevas en Berlin. En Nueva York continúa sus estudios con Guillermo Gómez Peña, formó parte de EMERGENYC un grupo de estudio del instituto Hemisférico, y con Hans Thies Lehmann. En Nueva York presenta varias obras en el teatro The Tank, “The King in Exile”, “Blood and Cake”, y fue becado Van Lier de Repertorio Español, el teatro hispanohablante más viejo del país. En Repertorio Español dirige el estreno Estadounidense de La Estupidez de Rafael Spregelburd, con un elenco latinoamericano, donde es nominado para el premio ACE de mejor dirección. Su próxima obra fue una adaptación de La dama duende de Calderón de la Barca en 2011. Ese año es elegido como Emerging Artist of Color en New York Theater Workshop. Su producción de Fuenteovejuna en Repertorio Español ganó el premio HOLA de mejor producción del año 2014.

Como director presenta la obra “39 Defaults” de la dramaturga española Mar Gomez Glez en Teatro Stage Fest y en teatro La Mama. Es invitado a ser el director artístico de PEN World Voices New Plays from Spain, donde dramaturgos españoles colaboran con directores y actores en Nueva York. Otros trabajos como director destacan las producciones del teatro IATI en Nueva York presentando trabajos de dramaturgo Peruano Walter Ventosilla, dramaturgo Catalán Roger Simeon y actualmente una nueva obra de un dramaturgo Estadounidense Jeff Stolzer. Su posición como eje cultural entre países hispanohablantes y teatro en Nueva York lo destaca como colaborador principal en el Lark Theater Center para su festival New Plays from Spain, primero como director de una traducción de “La punta del iceberg” de la dramaturga Bea Carmina y después como traductor de la obra “Escurrimientos y Anticoagulantes” de David Gaitán, presentada en CalArts como parte de su temporada de directores estudiantiles. Como músico se forma a través de Edmund Niemann y Doris Stevenson con piano y teoría, Richard Carrick y Lisa Bielawa en composición y música electrónica. Es fundador y compositor principal de su banda Blue Velvet de los años 2005 a 2009 tocando en CBGBs, Arlenes Grocery, Knitting Factory y Maxwells en Hoboken. Como compositor/diseño de sonido formó parte de la compañía International WOW de Josh Fox, y luego trabajo en varios sítios de Nueva York incluyendo los festivales FRINGE y PERFORMA, y comenzo una larga colaboración con el Teatro INTAR (el primer teatro dedicado a la dramaturgia de Estadounidenses Latinos) de Nueva York donde ha hecho la música y sonido para varias obras desde 2011.

En 2014 forma la compañía bilingue Sans Comedia. Cuyas producciones se han presentado en diversos lugares, incluyendo Peoples Improv Theater (Immersion – una adaptación de Casa Tomada de Cortazar), INTAR, Lisa and Her Things, y Oedipus Gol, que está en temporada en un site-specific bar de deportes desde el 2015. Actualmente, la compañía está explorando el teatro musical, con una obra nueva “Bethlehem” presentada en una iglesia el año pasado e invitada a ser parte del festival de Brooklyn Generator en el 2016.

Como docente forma parte de la facultad de Pace University desde 2013 donde enseña un curso de Teatro Hispano Contemporáneo focalizandose en los teatros de Buenos Aires. Sus alumnos han puesto en escena Información Para Extranjeros, Omisión de la Familia Coleman yLa escala humana para los estudiantes de la universidad, muchas veces mostrando esos textos por primera vez en Nueva York. Con los alumnos del International Performance Ensemble fue director principal de la adaptación de “Los tejedores” de Gerhart Hauptmann que es parte del Festival Accidental del Royal Central School de Londres en 2014. Sus alumnos de Pace University también presentaron sus obras originales en la Bienal de Arte Jovén de Buenos Aires en 2015. Ha trabajado como guía principal y interpréte histórico en el Tenement Museum de Nueva York desde el 2012. Es integrante del grupo Panorama Sur, dirigida por Alejandro Tantanian y Cynthia Edul, y es parte de un equipo de dramaturgos de la obra “Las noches vencidas” que es presentado como parte del FIBA 2015. Su obra cabaret “Milton” sobre la vida de Milton Friedman es invitado ser parte del Encuentro 2016 del Instituto Hemisférico – Excéntrico, en Santiago de Chile. Su obra “The Gauchos Americanos”, que fue desarrollada dentro del programa de Panorama Sur, será presentada en el Teatro El extranjero en Buenos Aires en Agosto del 2016.