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21 oct. 2017

OCTUBRE: EN EL MES DE LA SENSIBILIZACIÓN SOBRE EL CÁNCER DE MAMA, EL PALACIO BAROLO SE ILUMINA DE ROSA.




Todos los días de octubre a las 22 h, y durante 20 minutos, el faro del Palacio Barolo se ilumina de color rosa para conmemorar el Día Mundial contra el Cáncer de Mama, que se celebra el 19 del mismo mes. Así, el icónico edificio de Avenida de Mayo se suma a las actividades de concientización de esta enfermedad, con el objetivo de aumentar su visibilidad y prevención.




El Palacio Barolo, ubicado en el casco histórico de la ciudad de Buenos Aires sobre la mìtica Avenida de Mayo, es un exclusivo homenaje a la Divina Comedia de Dante Alighieri.

Con un estilo arquitectónico único, el Palacio fue construido entre 1919 y 1923 por el arquitecto italiano Mario Palanti. Fusiona vertiginosas alturas neogóticas con una cúpula inspirada en el templo indio Rajarani Bhubaneshvar, que representa la unión tántrica entre Dante y Beatriz, los protagonistas de la célebre Divina Comedia. Como uno de los puntos más altos de la ciudad, la cúpula mide 90 metros y llega a los 100 gracias a un gran faro giratorio de 300.000 bujías que lo hace visible desde Uruguay. Sobre el faro está la constelación de la Cruz del Sur, que se ve alineada con el eje del Palacio en los primeros días de junio a las 19:45 horas. 


Diseñado a imagen y semejanza de los cantos de la Divina Comedia, el Palacio se divide en tres partes: Infierno, Purgatorio y Paraíso. Las nueve bóvedas de acceso representan los nueve pasos de iniciación y las nueve jerarquías infernales, mientras que el faro representa los nueve coros angelicales.





La experiencia Palacio Barolo Tours ofrece recorridos diurnos y nocturnos con un abanico de propuestas que deslumbran durante dos horas de paseo. Con personajes de la literatura dantesca, poemas de Borges que develan el espíritu del Palacio, misterios masónicos, fileteado porteño, música en vivo, tango, degustación de vinos y, sobre todo, un equipo de guías que despiertan la curiosidad por las maravillas de la historia cultural y arquitectónica del edificio. Cada recorrido culmina con la llegada al Faro para disfrutar una magnífica vista de la ciudad de Buenos Aires.

https://www.youtube.com/watch?v=-hGuNw2Sk0A


RESERVAS

Las reservas se realizan por teléfono al +54 011 4381 1885, por WhatsApp: +54 911 6915 2385 (de 9 a 20 hs, de lunes a sábados, martes de 10 a 18 hs) o por correo electrónico a info@palaciobarolotours.com


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Isabelle Huppert en VOLVER A EMPEZAR. Un film de Bavo Defurne.




SBP anuncia el estreno de Volver a empezar, film protagonizado por Isabelle Huppert y dirigido por Bavo Defurne, que llegará a salas de Buenos Aires, Gran Buenos Aires, Rosario, Santa Fe, Córdoba y Mendoza.

Volver a empezar es una comedia dramática que cuenta la historia de Laura (Isabelle Huppert), una cantante de Eurovisión caída en el olvido, que trabaja en una fábrica de patés y se enamorará de Jean, un joven aspirante a boxeador (Kévin Azaïs). Juntos intentarán organizar el regreso de ella a escena, pero el amor que se tienen quizás no sea suficiente para llevar a cabo su gran come back.

Esta mezcla de drama, comedia romántica y musical, tuvo su debut en una proyección especial durante el Festival de Toronto 2016. Fue escrita y dirigida por Bavo Defurne, un joven director que tras dirigir ocho cortometrajes de gran repercusión debutó en el largometraje con North Sea Texas (Sur le chemin des dunes), en 2011. Volver a empezar (Souvenir) es su segundo largometraje, protagonizado por la gran Isabelle Huppert junto a un joven talento en ascenso del cine francés llamado Kévin Azaïs.

Isabelle Huppert interpreta las irresistibles canciones de Pink Martini.

4ª edición Festival de Cine Culinario. En la sede central de la Alianza Francesa de Buenos Aires.




EL CINE COCINA
Festival de cine culinario
4ª edición - 30 de Octubre al 04 de Noviembre
Entrada libre y gratuita





Del 30 de octubre al 04 de noviembre, en la sede central de la Alianza Francesa (Av. Córdoba 946), la cuarta edición del festival de cine culinario El Cine Cocina celebra la cocina, los que la hacen y las películas que inspira. Con una oferta cultural y gastronómica ecléctica y sabrosa, la programación de esta cuarta edición reúne películas, talleres de cocina, degustaciones, charlas y arte culinario.




¿Cuál es el futuro de nuestros alimentos? 

La semana de cine culinario partirá de esta pregunta para dialogar y dar a conocer las acciones de esa temática a nivel local e internacional. 

Seguirá con la proyección del documental Theatre of life, de Peter Svatek dedicado al emprendimiento virtuoso del chef tres estrellas Michelin y 50Best de L'Osteria Francescana Massimo Bottura. Invitando a los mejores chefs del mundo a cocinar en su comedor, el Festival enfatiza su postura contra el desperdicio de los alimentos para darles a todos la posibilidad de alimentar su cuerpo y su alma. 



Asimismo, se inaugurará “No se juega con la comida!?”, la muestra inédita de fotografía culinaria del artista francés Nicolas Knepper, recreando mundos en miniatura en base a las famosas especialidades culinarias francesas. 

La vocación humana de la cocina también es retomada en la película Buscando a Gastón, de Patricia Perez, que acompaña al colosal chef Gastón Acurio, embajador de la cocina peruana, en su búsqueda por ampliar el rol del chef como verdadero agente social. Con la película La révolution des chefs, de Olivier Mille, viajamos a Francia, para descubrir la historia del secreto de Paul Bocuse y los hermanos Troisgros que deslumbraron al mundo entero con la revolución de la Nouvelle Cuisine. Celebrar la cocina también significa hablar del hambre, en su documental Festines Imaginarios de Anne Georget, que retoma la historia detrás de las recetas escritas por aquellos que las soñaban. 

Para visitar la cocina de América Latina, el festival ofrecerá un taller de cocina mexicana, dictado por la chef de ese país Maria Barrera Sosa, acompañando la proyección de la exquisita obra de Laura Esquivel adaptaba al cine por Alfonso Arau, Como agua para chocolate. De regreso a la pampa argentina, se proyectará el mockumentary Todo sobre el asado, de Gastón Duprat y Mariano Cohn, que explora con picardía las creencias argentinas acerca de la emblemática ceremonia del asado. En el segundo taller del festival, de la mano de Santiago Macías el chef de I-Latina,, recorreremos la cocina Iberoamericana para luego descubrir la película Cooking up a tribute, de Andrea Gomez y Luis Gonzalez, que sigue a los hermanos Roca, chefs del El Celler de Can Roca uno de los mejores restaurantes del mundo, en su gira culinaria por América. 

El recorrido seguirá hasta llegar a Japón con la película de Naomi Kawase, Una pastelería en Tokio, una deliciosa fábula urbana con sabor a dorayaki, los famosos pastelitos típicos japoneses. 

Contaremos con dos pre-estrenos franceses exclusivos! Con su nuevo documental Los dioses de la cocina, Vérane Frédiani emprende una vuelta al mundo para dialogar con mujeres que participan desde la sombra o en plena luz del auge de la gastronomía en el mundo, en ese viaje llegará hasta la ciudad de Buenos Aires, donde conocerá a la famosa chef argentina Soledad Nardelli. 

El film Lo que nos une, de Cédric Klapisch, el otro avant-première del festival, cuenta la historia del retorno del hijo pródigo que pone en vilo las tensiones pasadas de un viñedo familiar, y será presentado por Maria Barrutia quien dará una charla sobre los viñedos franceses. Se degustará una copa de bienvenida con vinos de la bodega Marco Zunino. 

Para finalizar esta semana dedicada al arte culinario, y en el marco de la Noche de los Museos, la artista argentina Nicola Costantino estará presente con la actividad Ver para comer, comer para creer, un happening culinario comestible, a la par de su apasionante película autobiográfica La Artefacta.





INVITADOS DE ESTA EDICIÓN:

Soledad Nardelli – Chef directora del “Club Trapiz Hotel y Resto”
Estudio gastronomia en Buenos Aires, continuando su formación por 1 año en Francia (en la Escuela Paul Bocuse), y 3 en España. Hoy, es directora gastronómica del proyecto de restaurante sustentable y con trazabilidad el ”Club Tapiz Hotel y Resto”, de la Bodega Tapiz de Mendoza. Fue Chef ejecutiva del restaurante “Chila”, en Buenos Aires (en 11 años, primer restaurante dirigido por una mujer a ser distinguido por Latam-San Pellegrino como un de los 50 mejores restaurantes de latinoamerica). Fue chef conductora del canal Elgourmet.com con programas donde recorre la Argentina en búsqueda de poner en valor los productos regionales de cada zona del país y rescatando el trabajo de los pequeños productores de argentina, antes de ser conductora del programa de radio:”Chefas ..hasta la ultima miga”, en Radio Palermo. Fue nombrada Embajadora de la Cocina Argentina en el mundo por el Ministerio de Turismo.
Presentará la película Las diosas de la cocina, durante la privada de prensa del 25 de Octubre, en la Alianza Francesa.



Natalia Basso – Responsable del programa nacional de reducción de pérdida y desperdicio de alimentos
Natalia Basso nació en Buenos Aires, Argentina en 1986 y estudió la Licenciatura en Nutrición en la Universidad de Buenos Aires. Luego realizó estudios de posgrado en políticas públicas, en Desarrollo Sostenible y en Derechos Económicos, Sociales y Culturales. En 2010 comenzó a trabajar en el equipo de nutrición del Ministerio de Agroindustria donde participó del diseño y gestión de políticas en seguridad alimentaria y en asesoramiento sobre legislación alimentaria. En 2013 una publicación de la FAO sobre el descarte de alimentos despertó su interés dada la relación directa con la seguridad alimentaria y el cuidado del ambiente. Hoy en día se desempeña como responsable del Programa Nacional de Reducción de Pérdida y Desperdicio de Alimentos que lleva adelante el Ministerio de Agroindustria.
Presentará, junto con Marisa Giráldez y S.E. Pierre Henri Guignard, el diálogo “El futuro de nuestros alimentos”, sobre el desperdicio alimentario, el lunes 30 de octubre a las 18h30 en la Alianza Francesa, para la apertura del festival.


Olivier Falchi – Chef de Le Sud, Sofitel Arroyo
Olivier Falchi es el chef del restaurante Le Sud en el hotel Sofitel Buenos Aires Arroyo. En Francia, trabajó en el restaurant del Hotel Moora Beach Combrer Park Royal, “Le Clovis”, Sofitel Arc de Triomphe, Hôtel “Le grand large”, Dolus d’Oleron, le Chalet du Mont d’Arbois, Megève – Haute Savoie, “Le metropole”, Beaulieu-sur-mer. En Suiza, trabajó en el grand hotel Le Rhodania y en Le Mont blanc, Crans-Montana. Olivier Falchi propone una combinación original de la cocina francesa tradicional y de los mejores productos argentinos de temporada. Le Sud es una puerta abierta a un mundo de verdaderas sabores de gourmet en un sitio muy particular.
Presentará la película La revolución de los chefs, el martes 31 de Octubre a las 21h30, en la Alianza Francesa.


Nicolas Knepper – Fotógrafo
Nicolas Knepper es un fotógrafo francés. Comienza su carrera como ingeniero en estas artes uniendo tecnología y creación. Apasionado por la fotografía sus destacados encuentros van a guiarlo después hacia la fotografía culinaria, universo particularmente exigente en el cual el sentido del detalle, el rigor y la tecnicidad, apreciados por él, son indispensables. Este es el disparador y a partir de este momento, creatividad, precisión y escala van a imbricarse para contar historias siempre divertidas alrededor de los postres y los dulces, jugando con los colores, las texturas, las ilusiones ópticas.
Presentará sus obras fotográficas de las series “Little pleasure”, “Boys in the food”, “Hollyfood”, del 30 de Octubre al 7 de Diciembre, en la galería de la Alianza Francesa.



Nicola Costantino – Artista
Nicola Costantino (1964) nace en Rosario, Argentina, donde cursa la carrera de Bellas Artes con especialización en escultura. Cochon sur canapé (1992), su primera muestra individual, es considerada precursora del arte contemporáneo latinoamericano. En 1994 entra en el taller de Barracas de Fundación Antorchas coordinado por Suárez y Benedit y se traslada a Buenos Aires, donde vive y trabaja. En 1998 representa a la Argentina en la Bienal de San Pablo, y desde entonces participa en numerosas muestras en Liverpool, Tel Aviv y Zurich. En 2000, su Corset de peletería humana ingresa en la colección del MOMA. En 2004 presenta Savon de Corps, obra que tuvo gran repercusión en la prensa. El encuentro con Gabriel Valansi en 2006 la hizo trabajar con la fotografía, con más de 30 obras en las que encarna distintas protagonistas del arte. En 2010 crea la obra autorreferencial Trailer (2010), y a aborda Eva Perón en Rapsodia Inconclusa (Bienal de Venecia, 2013).
Realizará un happening de arte culinario titulado “Ver para comer, comer para creer”, y presentará la película Nicola Costantino: la artefacta, el sábado 4 de noviembre a las 19h, en la Alianza Francesa.



María Barrutia – Directora de CAVE
Hoy dirige el Centro Argentino de Vinos y Espirituosas (CAVE), pero la historia que une a María Barrutia con la gastronomía es sorprendentemente extensa. Docente, cocinera y Sommelier, María ha transitado algunas de las cocinas más vanguardistas del planeta, trabajando codo a codo con chefs como Michel Bras o Ferran Adrià. Inquieta, carismática y entusiasta, Barrutia ama su actividad docente porque le permite compartir los logros profesionales de sus alumnos… ‘es como vivir muchas vidas a la vez’, confiesa.
Animará una introducción sobre los viñedos franceses, y presentará el preestreno exclusivo El viñedo que nos une, el viernes 3 de Noviembre a las 20h30, en la Alianza Francesa.



Marisa Giráldez – Directora general del Banco de Alimentos
Marisa Giráldez es directora general del Banco de Alimentos desde el año 2010. Desde esta posición, tiene responsabilidad sobre todas las áreas operativas y de soporte, asegurando la difusión y el cumplimiento de la misión, los objetivos de calidad y la política de calidad de la organización. Antes de asumir como directora, Marisa fue voluntaria de la Fundación  y miembro del Consejo de Administración desde 2007 a 2010. De julio de 2005 a diciembre de 2007 se desempeñó como directora de proyectos del área de cooperación al desarrollo del Gobierno de la Provincia de Buenos Aires y, anteriormente, trabajó como gerente de calidad en Industrias Lear de Argentina S.R.L. Marisa es ingeniera industrial, egresada de la Pontificia Universidad Católica Argentina ‘Santa María de los Buenos Aires’. Además, realizó un postgrado de Gestión de Calidad y Six Sigma en la Universidad de Salvador.
Presentará, junto con Natalia Basso y S.E. Pierre Henri Guignard, al diálogo sobre “El futuro de nuestros alimentos”, el lunes 30 de octubre a las 18h30 en la Alianza Francesa, en el marco de la apertura de la 4a edición del festival.


María Barrera Sosa – Chef de Axiote
Originaria de Morelia, Michoacán,  tiene una formación de abogada. Hoy es asesora gastronómica y cake designer, con formación en el Instituto Argentino de Gastronomía. “La pasión por la cocina nació desde que tenía 6 años, de la mano de mi abuela quien me impulsó desde hacer tortillas hasta hacer un pastel. Más encaminado a la repostería, estudié y soy abogada litigante, pero mi gran pasión, la cocina, me llamó a prepararme profesionalmente. Mi preparación en productos mexicanos ha sido de años atrás siempre pensando que algún día pondría en alto de lo que estoy profundamente orgullosa de mis raíces gastronómicas y étnicas provengo de un estado rico en gastronomía y costumbres ancestrales, donde las mujeres se levantan muy de madrugada para llevar el nixtamal al molino y elaborar sus tortillas, y aunado a ello viví y me siento tabasqueña de corazón.” Actualmente, es propietaria y chef ejecutivo de la marca Catering y Repostería Mexicana Tradicional y Actual, La chiripiorca, así como de Axiote, restaurante a puertas cerradas.
Animará el taller de cocina mejicana el miércoles 1 de Noviembre a las 16h30 en el IAG (Instituto de Gastronomía Argentina) y presentará la película Como agua para chocolate, el miércoles 1 de noviembre a las 19h en la Alianza Francesa.


Santiago Macías – Chef propietario de I-Latina
Santiago Macías es quien lleva el timón de I-latina. Nació en Bogotá, Colombia, en 1985, y a sus 17 años inició su carrera gastronómica cuando se mudó a Buenos Aires para emprender sus estudios de gastronomía. Su infancia estuvo marcada por los años que vivió en Cartagena, de donde viene su familia materna. De allí vienen sus primeros recuerdos gastronómicos con los sabores típicos de esta ciudad costera del caribe colombiano. Su fascinación por la comida lo llevó a decidir convertirse en cocinero. Después de varios años de trabajar en hoteles y restaurantes de Argentina, Santiago decidió que su rumbo en la gastronomía debía estar dirigido a Latinoamérica. Esa inquietud lo llevó a emprender viajes de exploración donde pudo descubrir las entrañas de la cocina de nuestra región.
Animará el taller de cocina iberormericana el jueves 2 de Noviembre a las 15h30, en el IAG (Instituto Argentino de Gastronomía) y presentará Cooking up a tribute el jueves 2 de Noviembre a las 19h en la Alianza Francesa.

La escritora especialista en CULTURA MAPUCHE, MARÍA CASIRAGHI, presenta su nueva novela OTRO DIOS HA MUERTO de Alción Editora en el Centro Cultural Enrique Santos Discépolo.



Otro Dios Ha Muerto
(Alción Editora)



Presentación: 
Jueves 2 de noviembre, a las 19 horas.

En el Centro Cultural Enrique Santos Discépolo, Pasaje Rivarola 154

Con la participación especial del poeta, escritor, dramaturgo y periodista Vicente Muleiro, quien le realizara una entrevista pública a la autora

ENTRADA LIBRE Y GRATUITA


Otro Dios Ha Muerto narra la incesante historia del despojo de las tierras del pueblo mapuche. María Casiraghi, cuyo talento sorprendió a la crítica con su libro de relatos Nomadía que tienen también como escenario la Patagonia argentina, en esta novela recupera el testimonio vivo de Petrona Prane, hija del cacique Emilio Prane, cuya familia fue víctima del saqueo y la expulsión violenta de su pueblo por los militares. Con una pluma honda y encendida, la autora, apoyándose en entrevistas con la protagonista y documentos legales sobre el caso, nos relata los avatares de Petrona, su dura infancia, la vida en la comunidad, y el posterior exilio en las ciudades hasta sus últimos días, en una radiografía profunda y poética donde el drama tiene de fondo la fantástica cosmogonía de los mapuches y como escenario ancestral el mítico y real País de las manzanas. La tragedia de los Prane sigue vigente aún hoy por lo que este libro toca una llaga abierta de la injusticia con los pueblos originarios de América.



“David Viñas se preguntaba por qué a las comunidades originarias que habitaron lo que es hoy el territorio argentino, la historia las rodeaba de silencio, a diferencia de otras de Latinoamérica. Quiero acompañar el derrotero de la novela "Otro Dios ha muerto" de María Casiraghi porque se hace cargo, con arte, de romper ese silencio injusto”, declara el escritor y periodista Vicente Muleiro



“El germen de esta novela nació, en verdad, hace veinte años atrás. En aquel entonces, yo tenía un sueño que era hacer relatos del país, recorriendo los pueblos y pasando a ficción las historias de la gente. En eso estaba cuando trabajaba como periodista en una Editorial de San Isidro. Entonces me envían a Santa Cruz, con una fotógrafa, a desarrollar un proyecto de libros ilustrados sobre la Patagonia, básicamente fotografía y textos. Uno de esos libros era sobre retratos. Descubrí que de esas entrevistas me quedaba sin contar mucho más de lo que había visto, entonces surgió la idea de escribir el libro de cuentos Nomadía. Ese libro lo publicaron en Venezuela, en la Editorial Monte Avila. Y tuvo muy buena aceptación. Respecto de Otro Dios Ha Muerto disfruté mucho de escribirla. Y me llevo tiempo porque primero me dedique a investigar sobre los mapuches y descubrí su mundo a partir de esas lecturas, más allá de la intuición que yo tenía por el conocimiento de la protagonista. Me movilizó mucho lo político, por el problema de las tierras, cuando lo vi encarnado en una persona, pero hay cientos de personas que están en esa situación. Conocer a Petrona Prane me conmovió; su historia muy triste, tremenda y al mismo tiempo muy hermosa, porque ella era una persona hermosa. Y era una tejedora admirable. No había otra manera de contar su historia. Además necesitaba cumplir con mi promesa. Le había dado mi palabra a Petrona de que escribiría con su testimonio. Lamentablemente murió antes de que pudiese publicarla, pero gracias a esa experiencia aún sigo en contacto con su familia, quienes siempre fueron muy generosos conmigo en pasarme todo el material (documentación legal) que precisé para escribirla”, comenta la escritora, poeta y periodista María Casiraghi



Sobre la gira en el Sur Argentino 

“Cada presentación fue diferente, me encontré con un público y desafíos diversos. El lugar para mí más fuerte del recorrido fue Esquel porque es ése el espacio donde todo empezó y donde todo continúa pasando. Allí, sus familiares siguen luchando por recuperar la tierra de manera definitiva, siguen siendo agredidos y asediados por particulares, con la complicidad de ciertos personajes de poder. En éste y en todos los casos, no sólo estaba presentando una novela de ficción, sino también una historia de vida cuyas marcas, cuyas huellas aún persisten. Lo que sentí durante todo el trayecto es que había entrado en un camino de ida. La realidad y la ficción van de la mano y no puedo ni quiero cerrar los ojos ante estas injusticias todavía vigentes. Allí, en otras partes del país y en nuestro herido continente”, declara sobre la gira sureña la autora María Casiraghi



Sobre la trayectoria literaria de María Casiraghi 

“La voz de Casiraghi enuncia a partir de lo taxativo. Su gesto lírico se articula urgente y desesperado, como un aullido. Hay en su decir una resonancia salvaje, una química de lo agreste. Loba de mar es un libro sobre lo inmediato, pero su palabra no es la cotidiana. Los poemas que lo hacen apuestan a la expansión. Se abren. A partir de lo imprevisible recuperan el silencio.” Jorge Consiglio (Escritor y Poeta), sobre el libro de poemas “Loba de Mar”



“Madre que le habla al hijo que le habla a la madre con talento tan audaz como revelador. Y todo dicho desde una poética que horna la poesía, la engalana y enriquece. Contenido y forma, cuerpo que atrapa, seduce, inquieta, apasiona con reposada belleza; se hace ineludible y necesario. Vaca de matadero es poesía que llega como tabla salvadora y sol de resurrección”. Marcos Silber (Poeta), sobre el libro de poemas “Vaca de Matadero”



“Libro disfrutable y emocionante, por las imágenes que pinta, pero también por la seriedad de su lenguaje y ese rigor poético que está en armonía con él, al mismo tiempo que presenta un mundo doloroso, cercano y lejano al mismo tiempo, menos mito que tragedia ancestral y pérdida irrecuperable.”

Noe Jitrik (Escritor y Poeta) sobre “Nomadía”



“Menos interesada por los objetos que por las personas, María fija su atención en sus destinos, buscando exorcizar el flanco desventurado de la existencia.(…) Así escribe una poesía de valor testimonial que, a la manera de un collage – y esto quiere ser una alabanza, destacar un mérito-, da contenido a su apasionado `estar aquí, en el mundo´”. Felipe Oteriño (Poeta) sobre “Albanegra”



Sobre María Casiraghi 
Nació en Buenos Aires en 1977. Es poeta, narradora, periodista y Licenciada en Letras (UBA). En poesía, publicó: Escamas de Silencio (2004), Turbanidad (2008), Décima Luna (2011), Loba de Mar (2013), y Albanegra (2015), todos ellos por Alción Editora y la Antología Poética Vaca de Matadero (Editorial Summa, Lima, Perú, 2017). Participó, junto a 77 poetas argentinos y latinoamericanos, de La Plata Spoon River, (Libros de la Talita dorada, 2013), una antología de poemas en homenaje a las víctimas de la gran inundación de La Plata (Abril, 2013) recopilada por el poeta Julián Axat. También en su rol de poeta, ha participado de festivales tanto nacionales como internacionales, tales como: Festival Internacional de poesía de Valencia (Venezuela, 2005); II Bienal de Poesía de Brasilia (Brasil, 2010); Semana de las Letras, encuentro Internacional de poesía en (Rosario, Año 2011); II Festival Internacional Transpoesía (La Plata, Año 2011), V Festival Internacional “Sembrar Poesía” (La Plata, 2014); IV Festival de Videopoesía “Por la tierra” (Buenos Aires, 2012); Quinta Edición de La Noche de las Librerías de la Ciudad de Buenos Aires con instalaciones de videopoesía en Calle Corrientes (Nov. 2011); XIV Festival Internacional de poesía de Cali (Colombia, 2014), junto con el Festival Internacional de poesía Primavera Poética, Lima (Perú, 2017). Sus poemarios Decima Luna y Loba de Mar fueron incluidos en el programa Seminario de Grado, Letras de la UBA, a cargo de la Lic. Adriana Mancini (2013). A su vez, muchos de sus poemas fueron publicados en diferentes revistas digitales de poesía, tanto nacionales como así también internacionales (España, Rosario, Brasil y Colombia, entre otros). Como periodista/ narradora, en el año 2000 fue contratada por la editorial Grupo Abierto de Comunicaciones para escribir dos libros sobre Patagonia. Durante seis meses recorrió, junto a la fotógrafa Marta Caorsi, la provincia de Santa Cruz entrevistando pobladores patagónicos y fotografiando los paisajes más vírgenes de la región. Los libros se editaron bajo los títulos Retratos, Patagonia Sur y Patagonia Sur Santa Cruz-Argentina. También tradujo al español diarios de viajeros europeos de fines del siglo XIX en la Patagonia, entre ellos Wilds Of Patagonia de Carl Skottsberg, y Wanderings in Patagonia, por Julius Beerbohm, editados ambos por Sagier y Urruty Publicaciones(2003). En su rol de periodista, trabajó de manera free lance para algunos medios especializados, actualmente es colaboradora externa de la Revista Lugares. En narrativa, es autora del volumen de cuentos Nomadía (Monte Ávila, Venezuela, 2010) que obtuvo, en su versión inédita, una Segunda Mención en Premios Fundación Octubre, 2006 y édita, la Mención Honorifica Premio Especial “Ricardo Rojas” otorgado por el Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires en el rubro novela y cuento correspondiente a la producción del Bienio 2009/2011;–con esta obra, a su vez, fue invitada a participar de la Feria Internacional del Libro de Venezuela, Filven, Año, 2012-) e integró La Erótica del Relato (Adriana Hidalgo, 2009), una antología de escritores de la nueva literatura argentina. Su novela Otro Dios Ha Muerto (Alción Editora, 2016) fue finalista en Premio Letras Sur 2011 en una primera versión titulada El Pais de las Manzanas, cuyo jurado estaba integrado por los escritores Juan Sasturain, Vlady Kociancich y Martín Kohan. Con esta obra se ha presentado en cuatro ciudades de la Patagonia (Salón Municipal de Exposiciones, San Martín de los Andes; Biblioteca Popular Sarmiento, Bariloche; Centro Cultural Melipal, Esquel; Biblioteca Popular de Roca, Gral. Roca). Desde el año 2014 forma parte del consejo de redacción de “Boca de Sapo: Revista de Arte, Literatura y Pensamiento”.

ARPÓN. Una película escrita y dirigida por Tom Espinoza.





Festivales: 

VARSOVIA IFF
VALLADOLID
CHICAGO
MOSTRA DE SP
TORINO IFF


Sinopsis:

El Sr. Argüello es el director de una escuela. Día a día revisa las mochilas de todos sus alumnos en busca de una latente amenaza. 

Cata, una alumna de 14 años, sufre un accidente en el lago y Argüello tendrá que cuidarla durante las próximas horas mientras ubican a sus padres. 

Durante la espera se desatará la historia más importante de sus vidas.


Elenco:

Ana Celentano, German de Silva, Laura Lopez Moyano (Premio Revelacion por "La Patota")

y la presentación de Nina Suarez Blefari, hija de la cantante y actriz Rosario Blefari ("Silvia Prieto", entre otras.)



Ficha Técnica:

Guión y Dirección: Tom Espinoza
Productores: Martín Aliaga y Roxana Ramos (Argentina), Juan Fermín (Venezuela), Daniel Ruíz Hueck (España)
Producción ejecutiva: Martín Aliaga
Jefa de producción: Silvia Lamas
Dirección de fotografía: Manuel Rebella
Dirección de arte: Mirella Hoijman
Sonido: Francisco Toro
Edición: Leandro Aste
Música: Nascuy Linares

Datos Técnicos:

Argentina / Venezuela / España
Año: 2017
82 min. / Color
DCP



Acerca del director:

Tom Espinoza nace en Venezuela en 1981. En 2004, luego de obtener su licenciatura en comunicación social audiovisual, viaja a la Argentina para estudiar cine. Ha trabajado en publicidad y televisión como creativo, director y guionista. En 2015 su cortometraje “Las Arácnidas” fue estrenado en el Festival Clermont-Ferrand. Las Arácnidas ha ganado varios premios internacionales y fue nominado a los Premios Cóndor 2017, el equivalente a los Globo de Oro. Actualmente se encuentra en la escritura de su segundo largometraje “No crecerás”.

Nota del director :

"El proceso de adaptación y pertenencia al mundo es un viaje perverso. Arpón es una película sobre dos personas, de dos generaciones y mundos opuestos, que intentan adaptarse la una a la otra. A su vez, estos personajes intentan formar parte de su entorno. Uno desde el poder, el otro desde la belleza.
El proceso de la película fue largo y sinuoso. A lo largo de los años fui cambiando personalmente y por lo tanto la historia fue cambiando conmigo. La historia y yo intentamos adaptarnos el uno al otro a través de un proceso áspero de escritura, producción, filmación y montaje. 
Arpón es una obra sobre la adaptación y el inevitable aprendizaje que se logra por el camino transitado".

Tom Espinoza 



Acerca de Áramos Cine:

ARAMOS CINE, productora argentina fundada en 2012 por Martín Aliaga y Roxana Ramos, con el objetivo de desarrollar y producir contenidos audiovisuales para cine, televisión y documentales de innovación, siempre en busca de explorar y descubrir nuevos talentos.
ARAMOS CINE ha obtenido apoyos del INCAA y diversos organismos e instituciones, además de generar coproducciones internacionales con Uruguay, Colombia, Venezuela, Alemania, Francia entre otros, siempre en busca de fortalecer los lazos culturales entre diferentes cinematografías.
Entre sus proyectos destacados, se encuentran:
El film EL 5 DE TALLERES de Adrian Biniez, premiere en Venecia IFF 2014, continuando su recorrido en diferentes festivales alrededor del mundo. La opera prima ARPON, de Tom Espinoza, de próximo estreno. El documental EL MAGO DE LOS VAGOS, de Pedro Otero, premiada en Mar Del Plata IFF 2016. En postproducción el documental LA BONITA de Fernando Lopez Escriva y NOMBRE DE GUERRA: ALIAS YINETH, de Danniela Castro. Además desarrolla la quinta película de Ezequiel Acuña, EL APARTE, el thriller de genero LA FIESTA SILENCIOSA de Diego Fried y la adaptación cinematográfica del libro EL OTRO GOMEZ, del autor Diego Paszkowski.

20 oct. 2017

LOVING VINCENT. Un film de Dorota Kobiela y Hugh Welchman




*El primer film sobre la vida y la misteriosa muerte de Vincent Van Gogh*

GANADOR
Premio del Público y Mejor Animación
Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy
Festival Internacional de Cine de Shangai
Ganador como Mejor Film Animado


Una película con Saoirse Ronan 
(Nominada al Oscar dos veces por Atonement y Brooklyn, tres veces nominada a los Golden Globes y dos veces a los BAFTA)

Un film de Dorota Kobiela y Hugh Welchman



"Un trabajo extraordinario hecho con pasión que hace que la experiencia visual sea algo sin igual". David Ehrlich (IndieWire) 

"Nunca ha habido una película que habló con el corazón de un artista como Vincent van Gogh. La animación y la pintura de bellas artes se unen en este amoroso homenaje a la obra y la vida de un maestro". Shanghai Film Festival

"Una verdadera obra de arte animada. Es fácil amar a 'Loving Vincent', una película absolutamente impresionante que no sólo hace justicia al arte de Van Gogh, sino también al arte de las películas. Nunca he visto en la pantalla nada como esto. Una película extraordinaria. Un candidato a un Oscar". Pete Hammond (Deadline Hollywood)



SINOPSIS

Primer largometraje compuesto por pinturas animadas, "Loving Vincent" es un film que homenajea el trabajo de uno de los grandes maestros de las artes plásticas, Vincent Van Gogh. Cada fotograma es un cuadro pintado a mano sobre óleo - tal y como el propio Vincent lo hubiera hecho – al que se le ha dado movimiento. Participaron una gran cantidad de excelentes pintores a lo largo de varios años, todos inspirándose en el estilo y arte magistral de Van Gogh. El resultado es una impresionante cinta de animación que repasa la carrera del pintor con delicadeza y originalidad, y que llevó cinco años de trabajo. 


FICHA TÉCNICA

Dirección: Dorota Kobiela, Hugh Welchman 
Guión: Jacek Dehnel, Dorota Kobiela, Hugh Welchman
Música: Clint Mansell
Dirección de Fotografía: Tristan Oliver, Lukasz Zal
Edición: Dorota Kobiela, Justyna Wierszynska
Diseño de Producción: Matthew Button
Dirección de Arte: Daniela Faggio 
Diseño de Vestuario: Dorota Roqueplo
Productores Ejecutivos: Claudia Bluemhuber, Ian Hutchinson, Edward Noeltner, David Parfitt, Gerd Schepers, Charlotte Ubben, Laurie Ubben
Producción: Sean M. Bobbitt, Ivan Mactaggart, Hugh Welchman
Compañías productoras:
Odra Film, Centrum Technologii Audiowizualnych, BreakThru Productions, Silver Reel, Trademark Films
Género: Biopic
País: Reino Unido

Calificación: SAM 13 años
Duración: 94 minutos.

Distribuye: Impacto Cine


ELENCO:

Saoirse Ronan como Marguerite Gachet
Aidan Turner: Hombre del bote
Helen McCrory: Louise Chevalier
Eleanor Tomlinson: Adeline Ravoux
Douglas Booth: Armand Roulin
Chris O'Dowd: Cartero Roulin
Jerome Flynn: Dr. Gachet
Holly Earl: La Mousmé
John Sessions: Pere Tanguy
James Greene: Anciano
Robert Gulaczyk: Vincent Van Gogh




MÁS SOBRE LA PELÍCULA

“Loving Vincent”, además de presentarnos la faceta más íntima del pintor holandés Vincent van Gogh, indaga sobre su misteriosa muerte, basándose en 800 cartas escritas por él y enviadas a amigos y parientes, que reflejan su turbulenta vida llena de rechazos, desamores y penurias económicas. Co-dirigida por la pintora Dorota Kobiela y el director Hugh Welchman, la película contó con una realización y producción únicas en el mundo. Sus primeras escenas fueron filmadas en un estudio con actores reales, y luego colocadas en los cuadros más famosos de Van Gogh.
El arte de la película y su animación han sido realizadas por más de 100 artistas que pusieron su granito de arena pintando a mano 120 obras icónicas para crear una realidad expresionista jamás vista. Estos pintores de todo el mundo asistieron a cursos intensivos para aprender a utilizar la aplicación Painting Animation Work Station y llegaron a los estudios de Danzica y Wroclaw en Polonia donde por 5 años pintaron cuidadosamente, óleo sobre tela, cada uno de los 62.450 fotogramas que componen la pieza, adaptando las obras de Van Gogh.
La película cuenta con las voces de Aidan Turner, Saoirse Ronan, Eleanor Tomlinson, Helen McCrory, Chris O'Dowd y Douglas Booth y su banda sonora está compuesta por Clint Mansell, responsable de la música de películas como 'Requiem por un sueño' ('Requiem for a Dream', de Darren Aronofsky, 2000) o 'El Cisne Negro' ('Black Swan', también de Aronofsky, 2010).
La ambientación de cada escena también se inspiran en las obras más famosas de Van Gogh. Y así toma vida El dormitorio en Arlés (1888), La noche estrellada (1989) y Campo de trigo con cuervos (1890), para citar algunos ejemplos. 
En 1990 el director Akira Kurosawa dirigió Yume (Sueños), una película que se divide en ocho segmentos correspondientes a ocho sueños del propio director. La película cuenta la vida de Kurosawa y algunos episodios que representan varias épocas de la misma, desde la infancia hasta la muerte. El episodio número cinco, titulado “Cuervos”, es una verdadera declaración de amor a Vincent van Gogh, al que Kurosawa consideraba el más japonés entre los pintores occidentales.




SOBRE LOS DIRECTORES

Dorota Kobiela se graduó de la Academia de Finas Artes de Varsovia y fue nombrada como Embajadora de la Cultura dentro de su escuela por sus logros en pintura y gráfica por cuatro años consecutivos.
A través de sus compañeros, descubrió la animación y el cine, disciplinas que inmediatamente quiso aprender en la Facultad de Dirección de la Escuela de Cine de Varsovia. 
Kobiela dirigió el corto “The Hart in Hand” (2006) y cinco cortos animados en 2004, 2005 y 2011. El último de ellos titulado en inglés como “Little Postman” fue el primer film en el mundo en contar con Pintura Animada Estereoscópica y ganó el premio como Mejor Cortometraje Estereoscópico en el Festival de Cine 3D de Los Ángeles, el Stereo Media 3D de Bélgica; y el de Cine 3D y Música de Barcelona. “Loving Vincent” es su ópera prima. 

Hugh Welchman es conocido por su trabajo en “Slipp Jimmy fri” (2006), “Pedro y el lobo” (2006) y “La vie en rose” (2007).
Se graduó de la Escuela Nacional de Cine y Televisión. Su película de fin de curso ganó el premio Cinefoundation del Festival de Cannes. 

Es Fundador y CEO de BreakThru Films (productora de “Loving Vincent”) con más de cuatro años de experiencia como productor. Además, recientemente inauguró la empresa Small Screen Entertainment Ltd., que produce series animadas para teléfonos móviles.

LA QUIMICA DIARIA, de MARIANO SABA. Con dirección de FRANCISCO PRIM. En Teatro Nün.



Nueva Comedia de Mariano Saba, con dirección de Francisco Prim // Intérpretes: Pablo Mónaco (Vladimir); Fermin Varangot (Facu); Santiago Fondevila (Luca) Tomás Mejía (Jhony); Flor Chmelik Martinec (Karina) y Francisco Andrade (Cristian) // En el Teatro Nün, Juan Ramírez de Velazco 419 // Funciones: Sábados, 16.30 hs. (ULTIMAS CUATRO / HASTA EL 4 DE NOVIEMBRE) // Entrada $ 200.-



“El tiempo es la distancia más larga entre dos lugares”

Tennessee Williams



Nueva comedia que propone, con picardía y frescura, reflexionar sobre la dimensión filosófica del tiempo. La química diaria surgió con el deseo de indagar la temática de los mundos paralelos poniendo el foco en aquellas decisiones que determinan la existencia; ese conflicto siempre universal respecto de los momentos vitalmente determinantes, con un texto que cruza el humor con la metafísica y la ciencia ficción, junto a diversas hipótesis científicas, disimiles entre sí, de pensadores tales como Einstein, Schrödinger o Hawking.



Sinopsis // Verano. Sur patagónico. Tres amigos, Johnny, Luca y Facu, acampan cerca de un lago. A las puertas de la vida adulta, el trío sopesa sus días ya vividos, sus decisiones. Johnny, porta un casete donde en la remota pubertad supieron grabar sueños para el futuro. El único dispositivo para escuchar la cinta llega de la mano de Vladimir, dueño del camping, quien les presta un walkman de curiosa procedencia. El tiempo pasa. De pronto, Facu se ve sacudido por la sorpresiva presencia de Karina, un amor imposible de colegio. A partir de allí, intentará modificar su pasado y para tal fin grabará nuevos deseos sobre los ya registrados en la cinta. Pero el tiempo no sabe nada de nosotros, y juega sus dados multiplicándose con una ironía precisa e inexacta a la vez.



Dijo La Prensa: “A veces, algunos espectáculos logran esa milagrosa combinación entre simplicidad y profundidad. Y aquí se da este caso. Un texto de gran solidez, actores jóvenes que se brindan con mucha solvencia y entusiasmo, junto con una eficaz dirección de Francisco Prim. Imperdible”, Estela Castronuovo (Integrantes del Jurado Premios Trinidad Guevara) // “El gran acierto del espectáculo es su sencillez. Es eso lo que emociona. El espectador se ve inmerso en un viaje hacia los confines de su propia interioridad”, Yamila Martínez Pandiani (Anred) // "Todos los integrantes del elenco, bajo la dirección de Francisco Prim, realizan un trabajo actoral magnífico, con un texto donde se tejen prolijamente todos los hilos con mucha gracia y humor. Con un final tan tierno como inesperado. Una comedia deliciosa" Sandra Paul (Teatro y Otras Yerbas) // "Una historia simple, muy bien escrita por Mariano Saba. Certera dirección de Francisco Prim que contó con los aliados perfectos. Espectáculo honesto que divierte y emociona, nada poco”, Martín Urbaneja (Actor) // “Francisco Prim, recrea y potencia, alcanzando los objetivos planteados por el texto con creces. Los actores viven y se entregan a las escenas”, Fernando González Oubiña (Arte en Baires) // "Una obra sólida, arraigada en el género fantástico. Con un ritmo ágil, invita al espectador a participar del desafío, siempre gratificante, de imaginar otras realidades posibles.", Luciano Alonso (Spectavi) // "Una comedia con un texto chispeante y muy buenas actuaciones. Excelente la dirección de Francisco Prim y el libro de Mariano Saba", María Buscaglia (NGN Teatro) // “El clima de camadería y de nostalgia no sería transmitido al espectador de manera cómica y cálida, sin el brillante trabajo actoral”, Jesica Guarrina (Spectavi) // “Muy buenas actuaciones. El trabajo del director Francisco Prim enfocado en la dinámica grupal, muestra las relaciones de tres amigos con gran naturalidad”, María Inés Senabre (Espectáculos a la mod)





Ficha Técnica: Escenografía: José Escobar; Puesta de Luces: Ricardo Sica; Vestuario: Lara Gaudini; Ilustración y Diseño: Lucía Buchar; Asesoramiento en Ruso: Daryna Butryk; Asistente de Dirección: Julieta De Moura

19 oct. 2017

CICLO OCTUBRE ROJO 3. Cine mudo soviético + Música en vivo en el Conti

Viernes 20 y sábado 21 / 21 HS


3. CINE MUDO SOVIÉTICO + MÚSICA EN VIVO

La Revolución de Octubre permeó todas las artes, incluyendo al cine. Durante la década de 1920 varios jóvenes directores, inspirados en las ideas revolucionarias, avanzaron en la teoría y la práctica de lo que todavía era una incipiente forma de arte, realizando una contribución incalculable al arte cinematográfico: los directores soviéticos estaban interesados en la experimentación y la innovación, inspirados por la construcción de una nueva sociedad alentada por los bolcheviques. Estaban comprometidos con la idea del cine como el medio de expresión estético por excelencia de esta nueva sociedad.
Esta era del cine soviético llegó a su fin a comienzos de la década de 1930, debido a la irrupción del sonido y al creciente control y reglamentación del Partido Comunista. Pero Einsenstein y Vertov mostraron al mundo una magnífica conciencia de las posibilidades del cine.

Viernes 20

La huelga [Stachka]

(Sergei Eisenstein, Unión Soviética 1925, 82’)
Musicaliza: Fernando Kabusacki
Uno de los temas más populares entre los primeros directores soviéticos fue, lógicamente, la Revolución, es decir, la lucha revolucionaria en Rusia y en el extranjero: este fue el caso de Sergei Eisenstein, el más reconocido de esta generación de realizadores debido a los desarrollos audiovisuales que introdujo. La principal preocupación de Eisenstein fue el análisis e interpretación de la historia del movimiento revolucionario en Rusia. Así, La huelga es la primera película de una trilogía que realizó durante los años veinte y que culminaba con un film sobre la Revolución de Octubre. Como indica su título, La Huelga representa el levantamiento de los obreros de una fábrica durante la época zarista frente a las condiciones de trabajo a las que se encuentran sometidos. Siendo una representación de la opresión en Rusia, la película funciona como un mito de la emancipación de los trabajadores, una experiencia estética magníficamente elaborada y editada sobre los albores de la revolución.
Dirección: Sergei Eisenstein / Guión: Sergei M. Eisenstein, Valerian Pletnev, Ilya Kravchunovsky, Grigori Aleksandrov / Fotografía: Eduard Tissé / Dirección de arte: Vasiliy Rakhals / Montaje: Sergei Eisenstein / Intérpretes: Maksim Shtraukh, Grigori Alexandrov, Mikhail Gomorov, Ivan Klyukvin, Aleksandr Antonov, Yudif Glizer, Anatoliy Kuznetsov, Vera Yanukova, Boris Yurtsev / Productora: Proletkult Production, Goskino.

Sábado 21

El hombre de la cámara [Chelovek s kino-apparatom]

(Dziga Vertov, Unión Soviética 1929, 67’)
Musicaliza: El Desamble
Otras películas de esta época retrataron el nuevo mundo creado por la Revolución: tal fue el caso de Dziga Vertov. La cámara o el cinematógrafo, escribió Vertov a lo largo de los años veinte, es como un ojo de alta velocidad: el ojo de la cámara es análogo a una mirada mejorada capaz de capturarlo todo. Vertov lo llamaba el “cine ojo”. En El hombre de la cámara, estrenada en 1929, Vertov utiliza el cine ojo para retratar la nueva sociedad socialista. Tres personajes principales interactúan en este film: la ciudad, las máquinas y los trabajadores. El paisaje urbano, la producción industrial, y los hombres y las mujeres de la clase trabajadora desfilan ante el espectador en una procesión secular de imágenes, enseñándonos el nacimiento de nueva sociedad donde el ritmo del trabajo ha eliminado las clases sociales.
Dirección: Dziga Vertov / Guión: Dziga Vertov / Fotografía: Mikhail Kaufman / Montaje: Yelizaveta Svilova / Productora: VUFKU.

ENTRADA GRATUITA SUJETA A CAPACIDAD DE SALA

Las entradas se retiran con una hora de anticipación (2 por persona). No se reservan


Av. Del Libertador 8151 - C1429BNB
Ciudad de Buenos Aires, Argentina

Espacio Memoria y Derechos Humanos (Ex ESMA)
Entrada gratuita

(+54 11) 4702 - 7777 / ccmhconti@jus.gob.ar

18 oct. 2017

Lisis, las afinidades electivas y la amistad entre mujeres. (Sobre "El futuro que viene" de Constanza Novick)

Una vez me peleé con Cande, éramos chicas, ella vivía en el piso de arriba de mi edificio. Ella se iba de vacaciones a Villa Gesell al día siguiente, yo me quedaba padeciendo el verano en Once. No recuerdo por qué peleamos, pero yo estaba en su casa y me ofendí y bajé a la mía. Al rato de estar sola en casa con mi mamá, explicándole mi versión de la pelea, por abajo de la puerta de madera de casa, vi deslizarse un sobre. El sobre decía "Para Tini". Cande me había escrito una carta enojada diciendo que no quería pelear pero bla bla bla, ya no recuerdo. La carta me enfureció, y le escribí otra que en el sobre decía "Cande". Corrí al quinto piso a llevarla y me fui de vuelta a la cocina con mi mamá a leerle un cuento que a ella le encantaba que se llamaba "Soy un oso grande y hermoso". Al rato, otra carta, esta vez estaba dirigida a "Tintina" mi apodo sin apócope. El tono era menos amigable que la anterior. Contesté inmediatamente más enojada y en el sobre puse "Candelaria". Después siguió otra carta dirigida a "Lucía" (mi verdadero nombre), "María Candelaria", "Claudia Lucía", "María Candelaria Pibernat", "Claudia Lucía Luna" y así sucesivamente hasta que ya no quedaron más apellidos para agregar y mi mamá me pidió que le contara otra vez mi versión de la pelea, que finalmente ya no recordaba. Teníamos 8 y 10 años como mucho. Nos amigamos esa misma noche antes de que se fuera de vacaciones. Seguramente bailamos alguna coreografía de Roxette, que era algo que solíamos hacer, y jugamos ring raje en la tristeza de un edificio de departamentos de Once.  Ambas fuimos hijas únicas mucho (demasiado) tiempo, y vivir en un edificio dificultaba la socialización con compañeros de colegio y menos de barrio, de hecho, ni había barrio. Vivíamos casi juntas, no había escapatoria. Hubieron muchas peleas más, algunas más fuertes que otras, algunas parecían graves, otras no tanto pero dolieron igual. Pero  pasaba un día y lo pasional de nuestra relación, esa relación amor odio, siguió su camino hasta el día de hoy. Nos peleábamos y nos olvidábamos. Mucho tiempo después Cande tuvo a Vera, que hoy es mi amiga tanto o a veces más que Cande, y que también es hija única y me recuerda a mi en ocasiones.
Nunca tuvimos gustos parecidos en nada, y nuestras conductas en general también son bastante diferentes. Pero nuestra relación en algún punto fue tan simbiótica que era necesario que hiciéramos distancia en algún espacio. Cuando Cande escuchaba cumbia y bailaba en el Fantástico, yo me volví una ostra hardcore que  no hacía más que estudiar.
 "El futuro que viene" cuenta la relación de amistad entre Florencia (Pilar Gamboa) y Romina (Dolores Fonzi), que vive múltiples momentos de tensión pero que siempre vuelve al mismo lugar desde donde inició. La mirada femenina sobre la amistad está puesta en la intimidad y en la sutileza de los vaivenes de la relación, que, en realidad, no son tales. La amistad está ilustrada como una fuerza natural  parecida a una montaña, que queda inmutable a pesar de nuestras inestabilidades personales. Romina y Florencia crecen alternando los ambientes entre una familia y la otra para finalmente conformar una relación que atraviesa las familias, las madres, los eventuales hombres y los que quedan para siempre también, los hijos, los trabajos. Los hombres acompañan en la historia pero al margen de un  espacio que es íntimamente femenino y sólido. Como a Cande y a mi, el tiempo no destruye sino que acomoda aquello que resulta sobrevivir, y lo acompaña para hacer crecer la afinidades, por más improbables que parezcan.
 Las amistad es un sentimiento tan complejo de explicar, que hasta Platón en su diálogo Lisis, desiste de la posibilidad de darle un sentido, aun más complicado que el amor. La paradoja de la sonrisa final de Romina al escuchar los llamados de Florencia dan cuenta de esta dificultad y de cómo  algunas cosas uno no sabe cómo , pero siguen estando en el lugar en donde tienen que estar.

Lucía Luna





Título original: El futuro que viene
Director: Constanza Novick
Actores: Dolores Fonzi, Valeria Lois, Pilar Gamboa y Esteban Bigliardi
País de origen: Argentina
Clasificación:
Fecha de estreno: 12/10/2017
Distribuidora: Buena Vista

Josu Okiñena. Xuxurlak. Concierto de Piano


Ágnes Heller invitada de honor. BIENALSUR en París. La UNTREF presente en el DocBuenosAires

Ágnes Heller en la Argentina

La filósofa húngara dará dos conferencias gratuitas y será reconocida con el título de Doctora Honoris Causa


A través de la Licenciatura en Historia, la UNTREF presenta a Ágnes Heller, discípula y ayudante de György Lukács y considerada la figura de mayor relieve dentro del grupo de pensadores conocidos como la Escuela de Budapest. 
La reconocida filósofa ofrecerá dos conferencias gratuitas sobre la teoría de Lukács, la relación entre el progreso y los derechos humanos y antisemitismo, el día 18 en la Sede de Posgrados de la UNTREF, en Viamonte y San Martín y el 19 de octubre a las 18:00 horas en la Sede Rectorado Centro ubicada en Juncal 1319.
Además de las conferencias: “Lo que queda de Lukács”, “Progreso y derechos humanos” y “Judeofobia, antijudaísmo y antisemitismo”; el lunes 23 a las 18:30 horas Heller recibirá el Doctorado Honoris Causa con la presentación de Anibal Jozami y la laudatio a cargo de Tomás Abraham. Durante la ceremonia Heller dará su cuarta conferencia gratuita titulada "Cosmopolitanismo como filosofía, refugio y destino".
Sobre Ágnes Heller
Filósofa y pensadora marxista nacida en 1929 en Hungría, además de trabajar su teoría desde el pensamiento político y social, se centra en la filosofía hegeliana, la ética, y el existencialismo.  De su amplia obra se destacan sus aportes al estudio de la vida cotidiana y a los engranajes entre la cotidianeidad y la sedimentación histórica. Heller analiza los apalancamientos en la vida cotidiana que sobredimensionan lo cotidiano sobre lo no cotidiano, lo individual sobre la formación social como instancia transformadora.  Entre sus principales obras se encuentran El hombre del Renacimiento (1963), Hipótesis para una teoría marxista de los valores (1974), Teorías de las necesidades en Marx (1978), Una filosofía de la historia en fragmentos (1999) y La sociología de la vida cotidiana (2002). Ha sido reconocida con numerosos doctorados Honoris Causa en universidades de todo el mundo. Es una gran intelectual del siglo pasado cuya influencia llega hasta nuestros días.
Cronograma de actividades:
Miércoles 18 de octubre - 18:00 hs.
Sede Centro Cultural Borges, 2º piso, Auditorio
Viamonte 525 - CABA
Judeofobia, antijudaísmo y antisemitismo
Jueves 19 de octubre - 18:00 hs.
Sede Rectorado Centro
Juncal 1319 - CABA
Otorgamiento del Doctorado Honoris Causa
Presentación: Aníbal Jozami
Laudatio: Tomás Abraham
Conferencia: Cosmopolitanismo como filosofía, refugio y destino
Lunes 23 de octubre - 19:00 hs.
Sede Rectorado Centro
Juncal 1319 - CABA
Actividades no aranceladas
Con reserva de lugar: eventos@untref.edu.ar

16 oct. 2017

MÓVIL, de Sergi Belbel con dirección de Jorge Azurmendi en Maipo Kabaret.

Ph: Nacho Lunadei

MÓVIL

una comedia teléfonica digitalde Sergi BelbelAdaptación y dirección: Jorge Azurmendi



Móvil aborda la temática de la soledad y la incomunicación entre los seres humanos. Su texto está magistralmente estructurado como una sucesión de monólogos, en los que los personajes desahogan sus miserias. Narra la historia de dos mujeres, Sara y Claudia, y de sus hijos, Jan y Rosa. Cuatro personas que se comunican casi exclusivamente a través de sus teléfonos celulares de última generación y cuyas vidas se entrecruzan en un aeropuerto donde acaba de producirse un atentado terrorista que transformará sus vidas.


Elenco: Ana María Castel, Cristina Dramisino, Heidi Fauth y Hernán Muñoa


Escenografía y vestuario: Micaela Sleigh
Asistencia escenografía: Agustina Fernandez Poblet
Iluminación: Magdalena Ripa Alsina

Asesoramiento coreográfico: Mecha Fernández
Música original y diseño sonoro: Rony Keselman
Proyecciones: Lucio Bazzalo
Diseño gráfico: Lean Anapolsky
Fotografía: Nacho Lunadei
Fotos de escena: Russarabian
Prensa y difusión: Carolina Alfonso
Autor: Sergi Belbel
Asistente de dirección y producción ejecutiva: Jennifer Aguirre
Adaptación y dirección: Jorge Azurmendi


La obra cuenta con el auspicio del Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA) 

Días de función: martes 20.30 hs.
Duración: 70 minutos


Maipo Kabaret
Esmeralda 443, Capital Federal, Buenos Aires, Argentina
www.maipo.com.ar
Boletería (lunes a lunes de 10 a 20 hs.)
Localidades: $ 200, $ 300 y $ 400 
PROMO: 2X $ 300
Entradas por Plateanet 5236-3000 https://www.plateanet.com/
Tarjetas Visa y descuentos del 25% a socios Club Personal


Síntesis argumental
Móvil- el nombre de la obra, es la manera de llamar a un teléfono celular, en muchas partes del mundo. Nos gustó dejarle ese título para el estreno en Argentina, porque apela a la pulsión que domina a quien, en la historia, usa el celular para producir un ataque a un aeropuerto. Dos mujeres, de dos mundos bien contrapuestos, llegan a ese aeropuerto, acompañadas por su hijo y su hija respectivamente. La demora en la partida de los vuelos da lugar a conversaciones y mensajes entre ellos. Hilarantes, en sus reproches y sus reclamos y conmovedoras en sus intensas confesiones, los cuatro van develando sus verdades y mezquindades. Tras la conmoción del ataque, el contacto con la muerte, el haber sobrevivido, la inminencia de lo irreparable, cambia para siempre la vida de estos cuatro seres. Nada será igual para ellos. Han cambiado para siempre. Y sus mensajes, sus audios, sus reacciones inesperadas y hasta un encuentro sexual insospechado dan cuenta de ello. Una comedia profunda que descarna la actualidad a través del uso de celulares, aunque con móviles muy diferentes.


Antecedentes del proyecto
En noviembre pasado, con parte de este elenco y bajo dirección de Jorge Azurmendi, se presentó la hermosa y tan vigente Móvil en el teatro Cervantes de nuestra Ciudad, dentro del marco del ciclo de Lecturas Dramatizadas que auspicia anualmente el Centro Cultural Español, Embajada de España, para difusión de dramaturgos contemporáneos españoles.
Lo cierto es que dicha presentación, tuvo muy buena repercusión en el público. Eso, unido a la calidad del texto y la preciosa banda sonora que compuso Rony Keselman, sirvió de aliento para organizar una cooperativa y producir y gestionar lo necesario para ponerla en escena y estrenarla en Buenos Aires.


Sergi Belbel
El público de Buenos Aires conoce a Sergi Belbel por obras como Caricias,Elsa Schneider y Después de la lluvia, entre otras. Este autor, director y traductor teatral., nació en Barcelona en 1963. Licenciado en Filologia, Romántica y Francesa por la Universidad Autónoma de Barcelona en 1986. Miembro fundador del Aula de Teatre de la UniversitatAutonoma de Barcelona y profesor de Dramaturgia en el Institut del Teatre de Barcelona, desde 1988. Dirigió obras de autores clásicos y contemporáneos, como Shakespeare, Calderón, Moliere, Goldoni, Beckett, Koltés, Mamet y De Filippo. Tiene unas veinte obras teatrales escritas, entre las que se destacan: Calidoscopios,Después de la lluvia, Elsa Schneider,Talem y La sangre. Ha obtenido entre otros galardones el Premio Marqués de Bradomín en 1985 y el Premio Nacional Ignasi Iglesias en 1987. A partir de ese momento Belbel, paso a convertirse en uno de los valores jóvenes más firmes de España. En 2005 fue nombrado Director del Teatro Nacional de Catalunya que mantiene hasta el presente.