Al finalizar la proyección de Marble Ass (1995), un espectador le pidió al director con mucho respeto, que por favor lo convenciera de que su película era buena, porque a él le había parecido un poco delirante. De manera elegante y con mucha paciencia, Zilnik contó el contexto de Yugoslavia en el momento en que la película estaba rodándose: contó de la guerra, de las pulsiones que aparecen durante un proceso de violencia y represión extrema, contó de los cambios en las miradas, cómo se miraba a un hombre travestido antes de la guerra y por qué eligió contar esa misma guerra desde el lado de esa otra resistencia, del lado de los que eligen el amor y siguen trabajando a pesar de todo. "Marble Ass" cuenta la historia de dos amigas travestis pacifistas que tienen que arreglárselas para subsistir en el medio de una guerra que no sólo es ajena a ellas, sino que además las oprime y las somete. A pesar de la tristeza, la película está narrada con la sensibilidad y el humor dulce del que está devastado. En una de las escenas más hermosas que tiene el film, vemos a Sanela, la amiga travesti de Merlin, bailando sensualmente en un caño, mientras un señor obeso y desnudo canta una canción de amor a las únicas dos personas que lo están mirando. Ambos siguen, el gordo cantando y Sanela bailando, como si afuera no hubiera una guerra y tampoco la hubiera en sus cabezas.
Zilnik también contó cómo, en una de sus proyecciones en Serbia, la película dividió al público: la mitad gritaba en contra de la película y la otra mitad vitoreaba. Zilnik subió al escenario y pidió a todos que se calmen; cuando hubo silencio pidió al público que subieran al escenario todos aquellos que fueran gays, lesbianas, travestis, prostitutas y transexuales y al momento 1000 personas subieron corriendo al escenario, bailando y convirtiendo esa guerra en fiesta. La película es un homenaje a ellos, a los oprimidos de siempre, pero especialmente a los oprimidos que siguieron construyendo desde el amor y la paz.
Lucía Luna
Marble Ass (1995) es una película de Želimir Žilnik. Se proyecta mañana viernes a las 18:30 en el cine Colón.
Además del cine narrativo y mainstream al que estamos acostumbrados por su accesibilidad, existe otro cine que es el cine de la resistencia. Este es el cine experimental, el de la reliquia, del experimento óptico, el que muchas veces no tiene un sólo camino sino que va sembrando la alternatividad a su paso. La circulación, la pertenencia, y lo que queda, la resistencia para dejar de utilizar soportes que parecen haber desaparecido, son las características de este cine, que lo vuelven casi un evento de "compartir con los demás" los resultados de este experimento. Baca hace una película con retazos de años y años de experimentación, transitando lo autobiográfico y bailando por los géneros sin quedarse ni en lo documental ni en lo ficcional. La metáfora en los usos de las imágenes de los derrumbes (se derrumba la fabrica kodak pero también se derrumban las posibilidades de seguir filmando con celuloide) es tan hermosa y triste como graciosa cuando el autor se convierte en un científico loco que desea generar un celuloide argentino. La descripción de este final (?) de época es en "Requiem para un film olvidado", la excusa para reir, celebrar y seguir inv(t)entando.
Lucía Luna
Requiem para un film olvidado (2017) es una película de Ernesto Baca
Una vez me peleé con Cande, éramos chicas, ella vivía en el piso de arriba de mi edificio. Ella se iba de vacaciones a Villa Gesell al día siguiente, yo me quedaba padeciendo el verano en Once. No recuerdo por qué peleamos, pero yo estaba en su casa y me ofendí y bajé a la mía. Al rato de estar sola en casa con mi mamá, explicándole mi versión de la pelea, por abajo de la puerta de madera de casa, vi deslizarse un sobre. El sobre decía "Para Tini". Cande me había escrito una carta enojada diciendo que no quería pelear pero bla bla bla, ya no recuerdo. La carta me enfureció, y le escribí otra que en el sobre decía "Cande". Corrí al quinto piso a llevarla y me fui de vuelta a la cocina con mi mamá a leerle un cuento que a ella le encantaba que se llamaba "Soy un oso grande y hermoso". Al rato, otra carta, esta vez estaba dirigida a "Tintina" mi apodo sin apócope. El tono era menos amigable que la anterior. Contesté inmediatamente más enojada y en el sobre puse "Candelaria". Después siguió otra carta dirigida a "Lucía" (mi verdadero nombre), "María Candelaria", "Claudia Lucía", "María Candelaria Pibernat", "Claudia Lucía Luna" y así sucesivamente hasta que ya no quedaron más apellidos para agregar y mi mamá me pidió que le contara otra vez mi versión de la pelea, que finalmente ya no recordaba. Teníamos 8 y 10 años como mucho. Nos amigamos esa misma noche antes de que se fuera de vacaciones. Seguramente bailamos alguna coreografía de Roxette, que era algo que solíamos hacer, y jugamos ring raje en la tristeza de un edificio de departamentos de Once. Ambas fuimos hijas únicas mucho (demasiado) tiempo, y vivir en un edificio dificultaba la socialización con compañeros de colegio y menos de barrio, de hecho, ni había barrio. Vivíamos casi juntas, no había escapatoria. Hubieron muchas peleas más, algunas más fuertes que otras, algunas parecían graves, otras no tanto pero dolieron igual. Pero pasaba un día y lo pasional de nuestra relación, esa relación amor odio, siguió su camino hasta el día de hoy. Nos peleábamos y nos olvidábamos. Mucho tiempo después Cande tuvo a Vera, que hoy es mi amiga tanto o a veces más que Cande, y que también es hija única y me recuerda a mi en ocasiones.
Nunca tuvimos gustos parecidos en nada, y nuestras conductas en general también son bastante diferentes. Pero nuestra relación en algún punto fue tan simbiótica que era necesario que hiciéramos distancia en algún espacio. Cuando Cande escuchaba cumbia y bailaba en el Fantástico, yo me volví una ostra hardcore que no hacía más que estudiar.
"El futuro que viene" cuenta la relación de amistad entre Florencia (Pilar Gamboa) y Romina (Dolores Fonzi), que vive múltiples momentos de tensión pero que siempre vuelve al mismo lugar desde donde inició. La mirada femenina sobre la amistad está puesta en la intimidad y en la sutileza de los vaivenes de la relación, que, en realidad, no son tales. La amistad está ilustrada como una fuerza natural parecida a una montaña, que queda inmutable a pesar de nuestras inestabilidades personales. Romina y Florencia crecen alternando los ambientes entre una familia y la otra para finalmente conformar una relación que atraviesa las familias, las madres, los eventuales hombres y los que quedan para siempre también, los hijos, los trabajos. Los hombres acompañan en la historia pero al margen de un espacio que es íntimamente femenino y sólido. Como a Cande y a mi, el tiempo no destruye sino que acomoda aquello que resulta sobrevivir, y lo acompaña para hacer crecer la afinidades, por más improbables que parezcan.
Las amistad es un sentimiento tan complejo de explicar, que hasta Platón en su diálogo Lisis, desiste de la posibilidad de darle un sentido, aun más complicado que el amor. La paradoja de la sonrisa final de Romina al escuchar los llamados de Florencia dan cuenta de esta dificultad y de cómo algunas cosas uno no sabe cómo , pero siguen estando en el lugar en donde tienen que estar.
Lucía Luna
Título original: El futuro que viene
Director: Constanza Novick
Actores: Dolores Fonzi, Valeria Lois, Pilar Gamboa y Esteban Bigliardi
País de origen: Argentina
Clasificación:
Fecha de estreno: 12/10/2017
Distribuidora: Buena Vista
Cuatro hermanos reunidos en un patio y sometidos a la desidia de su propia represión, evocan a un quinto hermano ausente que se hace presente mediante el relato de los que lo extrañan y los que los rechazan. La incomprensión, la incomodidad y la extrañeza circulan en el aire que respiran aun cuando el lazo familiar los vuelve indivisibles. El tejido y los mandatos, los secretos y el encierro, todo dividido en los cuatro cuerpos y en la memoria del cuerpo del hermano ausente. Hermosa obra que se despidió en Andamio 90 (sólo por esta temporada) con la honrosa presencia de su autor Carlos Gorostiza para regresar en marzo con la genial dirección de Natacha Delgado e impecables actuaciones de Rosana Lopez, Ana Pasulevicius, Gustavo Reverdito y Miguel Villar.
Lucía Luna
Día y Hora Marzo 2016
Entrada General $120
Descuento a Estudiantes y Jubilados $80
Autor: Carlos Gorostiza
Dirección: Natacha Delgado
Actor/es: Rosana López Ana Pasulevicius Gustavo Reverdito Miguel Villar
Una joven familia metalera se convence de mudarse a una casa en las afueras de Texas... al mismo tiempo que el hijo ya crecido de la familia que anteriormente vivió allí y murió asesinada, quiere volver a habitar la casa de su infancia. A través de las pinturas de Jessee y la música metal que escucha junto a su hija Zooey, el ex habitante de la casa tratará de poseer diabólicamente las almas de los miembros de la familia y extraños sucesos se irán sucediendo en las conductas de todos. La sangre y la oscuridad irán penetrando a la familia mediante la música y las pinturas que sirven de preanuncio de lo que más tarde sucederá.
Segunda película de Sean Byrne quien transita el subgénero de las películas de terror en donde la protagonista es la casa misma, con una obra que logra asustar creando atmósferas laberínticas y oscuras que terminan derrochando sangre mediante el personaje más interesante del film, quien acecha y perturba misteriosamente. Quién vigila a quién y quién habita a quién es la premisa por la que se mueven y transitan los personajes de Devil's Candy.
Una guerrera criada para asesinar a su primo, se reinventa cuando se cuestiona el crédito moral de algunas de sus acciones y el enfrentamiento termina siendo interno y con su mentor. Una película de género y de época filmada con recursos autorales reconocibles en los últimos grandes autores del cine chino, The Assassin termina narrando una historia de artes marciales aun cuando su guerrera protagonista es una experta en magia que desaparece a través de las luces para hacer una sabia reflexión sobre las sombras.
Con una bellísima composición completamente acorde con el registro actoral, cada fotograma de Hou Hsiao Hsien resulta una obra maestra de luces y sombras, coreografías y sensualidad a través de la lucha.
Un abuelo de familia ex yakuza se indigna con los trabajos sucios de los pequeños mafiosos modernos que intentan sacarle dinero por medio de una excusa telefónica y decide dejar de lado su vida como jubilado y reunirse con sus antiguos compañeros de juerga yakuza. El resultado es un hilarante (y también un poco melancólico) camino de despedida de Ryuzo y sus amigos, los siete samurais del título.
La experiencia de ver las películas del reconocido Takeshi Kitano siempre es como un evento en capas: cada vez que creemos que llegamos a algo, todo se nos muestra cada vez más interior, cada vez que pensamos que estamos frente a una comedia nos damos cuenta de que en realidad hablamos de un intenso juego de nostalgia ante la desaparición de los amigos por el transcurso de la vida. Mucho se habló ya de cada una de las obras maestras de este gran director japonés, sin embargo no deja de sorprender en todas sus películas, la facilidad con la que domina la versatilidad para pasar de una comedia a una eximia reflexión sobre los cambios de valores en la sociedad contemporánea y convertir un camino de jolgorio en una honda despedida.
Un director de cine es invitado a la proyección de algunas de sus películas y a dar una charla a sus seguidores, en un festival de cine. Por error, llega a la ciudad un día antes y se ve forzado a hacer tiempo. El director conoce a dos chicas y en la película se sucederán dos historias: ambas se desarrollan a lo largo de la película y tomarán caminos similares pero tendrán desenlaces distintos.
Hong Sang Soo destaca su poética en una película de aparente sencillez en donde se alterna en espacios de comedia pero con una carga melancólica que lo turba todo. Maravilloso retrato sobre la espera, el amor, la atracción, el sentimiento de intrusión, con un protagonista que bien podría ser el alter ego del director coreano, que trata de pertenecer pero en realidad todo lo expulsa. Las mujeres presentadas como satélites de un amor inalcanzable, de relaciones que nunca acabarán en buen término sencillamente porque nunca podrán comenzarse. Un hermoso ensayo sobre la honestidad.
(Together) We will go our way
(Together) We will leave someday
(Together) Your hand in my hand
(Together) We will make our plans
(Together) We will fly so high
(Together) Tell all our friends good-bye
(Together) We will start life new
(Together) This is what we'll do
Un grupo de personas baila una coreografía de la canción Go West de los Pet Shop Boys perfectamente sincronizados. Son muchos y la escena es triste pero ellos están felices, miran siempre hacia adelante y terminan todos al mismo tiempo, llevan la noción de equipo al paroxismo mediante un prolijo descenlace cuando terminan todo juntos. Hay un triángulo amoroso al modo de un melodrama típico, una mujer deseada y dos amigos que la pretenden, uno rico y el otro obrero. "Los triángulos son más estables" dice Tao, la protagonista que terminará sufriendo por la elección que hace. Sin embargo, para sostener triángulos es necesario que cada uno de los segmentos cuentes con vértices que sean inamovibles o estables, de esta manera el triángulo queda fijo y no se deshace. Los dos varones del triángulo no pueden sostener la figura y uno de ellos se va. Pero todos los que se van en la película, vuelven con el paso del tiempo. Nada queda estático, nada se queda quieto, ni siquiera las montañas; como el título lo dice, algunas montañas a veces se desvían. Pasa una hora de película y los créditos aparecen y anuncian que las historias se narran antes y después en el tiempo, delante y atrás en un momento que no es nunca "ahora". Y después el que se va es otro y el que vuelve también.
Dollar, el hijo de Tao, se convierte en un ser insatisfecho e infeliz y Tao no puede darle nada, ni siquiera un nombre, tampoco puede elegir el lugar donde vivirá ni tendrá posibilidad de transmitirle ninguno de sus ideales. Claro que de ninguna manera puede darle un hogar. Sin embargo, Dollar crece en la opulencia de un lugar que no es suyo y con la figura de un padre violento y una madre impuesta y descubrirá en la figura de su profesora de idioma, el nexo que unirá lo que está roto entre su padre y él. Literalmente, ella traducirá lo que Dollar quiere decirle a su padre, a modo de renuncia a la vida que le dio.
De alguna manera, todos los personajes se mueven sin parar, en una carrera por viajar a cualquier destino con tal de escaparse de sí mismos, que le hará perder sentido a la noción de hogar. Porque el hogar al final está colgando de un cuello, o son las llaves de una puerta que no sabemos donde está, o el nombre que no recordamos de una madre que sabemos que tuvimos. Quién se va y por qué, quién vuelve y para qué? qués es lo que buscan las personas que se van, qué pretenden dejar atrás? Qué montaña quieren que quede estática? cual es la montaña que va estar esperando?
Jia Zhangke construye una película de un lirismo sutil que cambia de formato al menos tres veces, a traves de una historia sencilla en donde no faltarán lecturas políticas sobre la decadencia capitalista y cuáles fueron los reemplazos personales de cada uno de los protagonistas.
La única hija de un padre
que enviudó muchos años atrás sueña con un mundo lejos de las frivolidades
sociales, con ser escritora en un mundo preparado para hombres y con descifrar
el extraño lenguaje con que le hablan los fantasmas que se le aparecen en
cualquier casa que habite; sin embargo no pasará mucho tiempo hasta que Edith
conozca a Thomas, un extraño viajero que, amante de los inventos y los juguetes
victorianos, intentará vender, junto a su belísima hermana Lucille, un
extravagante aparato del que solo puede mostrar un prototipo que no es más que
otro de sus juguetes. Pasará mucho más tiempo aun para que Edith entienda que no
todos los fantasmas son malos y que a
pesar de que su apariencia no los ayude, a veces es necesario escucharlos, de
que cambiarse de casa no es una tarea facil y que a veces las madres muertas
eligen dar señales de advertencias y consejos de maneras poco convencionales. La casa como uno de los
ejes centrales para comprender el comportamiento de los siniestros hermanos
Sharpe, nos deja entrever en la sensualidad de Lucille la figura de una
hechicera dueña del poder heredado para preparar las pócimas que la convertirán
en una extraña dama oscura llena de amor y poder. Como Circe[1],
Lucille mezcla sus preparados y se toma el tiempo que cree necesario para
dedicarle a la vida tanto amor como al arte de matar. Si hay
algunos lugares de las casas que no son seguros, el problema de Edith es que
habita una casa entera insegura, donde no hay adentro y afuera, y a pesar de
que tenga puertas y ventanas, llueve adentro y la nieve cae como si fuera una
bola de cristal con nieve en su interior. La casa de los hermanos Sharpe
alberga demonios y secretos y a pesar de tener sus puertas siempre
abiertas, es caprichosa, y no se puede
salir de ella si ella no quiere. Llevar adelante un hogar del que uno no puede
deshacerse, en el caso de los Sharpe, es un privilegio, como lo dice Thomas al
entrar por primera vez con Edith en brazos, pero también es una condena. No hay
manera de deshacerse de la casa, porque la casa es la madre de las bestias. Aunque se quiera, no se
puede renunciar a la herencia. Bajo diferentes formas,
la figura de la madre se tomará su tiempo para hacer aparecer sus advertencias,
algunas en forma de casas, otras en forma de fantasmas, otras en formas de
amigos. No hay una sola cosa que pueda ser juzgada como buena o como mala, la
realidad en Crimson Peak es mucho más encriptada y enroscada. Hay una historia
de amor pero es mucho más oscura que lo se puede leer a simple vista. El amor,
en este caso, es lo que convierte a todos en monstruosos seres capaces de
construir monumentos a esa bestialidad. En Crimson Peak no hay buenos y malos y los personajes se
manejan con una moral bastante ambigua que tiene mucho que ver con la moral y
la sexualidad victorianas, en donde la represión y muchas veces el dolor,
juegan un papel decisivo respecto del placer y del amor. Sin embargo, es bien
claro que el camino de la película es a través de Edith, quien toma las
decisiones más relevantes, se define y decide ser escritora, más allá de la
recepción de los borradores de sus escritos, pero también es la que toma la
decisión de manejar su vida sexual (y desde el punto de vista cinematográfico, ni
siquiera hace falta mostrarla desnuda durante el acto sexual) y cuando el acto
no le es satisfactorio, entonces Edith toma el control y, tal como Lilith[2],
da vuelta a su macho y recibe lo que quiere. Guillermo del Toro
resuelve otra película de fantasmas trabajando con algunos de los elementos del
género del terror, pero a la manera gótica. La forma de los fantasmas es real,
Edith lo sabe porque siempre los ha visto y las primeras diapositivas en
cristales que le muestra su amigo de alguna manera dan cuenta de ello. Lo
sobrenatural se manifiesta de las formas tradicionales al mismo tiempo que lo
hacen los nuevos aparatos fotográficos. En la tradición de los aparecidos y las
casas que se convierten y nos convierten en monstruos, del Toro maneja una
poética sumamente particular que excede los lenguajes del género y convierte
una historia que podría parecer de terror en una historia de amor con un triángulo
que cambia su recorrido infinitas veces.
Lucía Luna
[1] Hechicera griega descripta en la Odisea como una de las más temidas
y magnéticas mujeres, poseedora del más profundo conocimiento de herboristería,
convertía en animales a sus amenazas y los poseía para usarlos a su antojo.
Como envenenaba, sanaba, conocía las dosis justas para convertir las ponzoñas
en cura. [2] Según el folklore judío, Lilith es la primera mujer. Amante de demonios y poseedora de una sensualidad feroz, toma lo que desea de los hombres y se deshace de ellos cuando está satisfecha. Generalmente se la representa bellísima y con el cabello largo y pelirrojo de manera similar a la representación de Edith en Crimson Peak. Lilith se consideró un par de Adán y se rebeló a estar debajo de él durante el acto sexual, poniéndose por encima de este y satisfaciéndose además con otros demonios. Crimson Peak se estrenó en Argentina como La Cumbre Escarlata. En cines desde el 16/10/2015. Dirigida por Guillermo del Toro, con actuaciones de Mia Wasikowska, Tom Hiddleston y Jessica Chastain entre otros.
En Aloha, estrenada en Argentina como Bajo el mismo cielo, Brian (Bradley Cooper), un ex militar frustrado, vuelve a Hawai, relegado a hacer un trabajo para el que se encuentra sobrevalorado, y ya nada es lo mismo. Debe adaptarse a los cambios provocados
por el paso del tiempo asumiéndose como diferente y simultáneamente tiene que descifrar
la manera de volver a encontrarse antes de seguir haciendo que la gente de su
alrededor huya de él.
Cameron Crowe cuenta una historia donde mezcla
astronomía, portales de tiempo, amor, familia y mistisicmo hawaiano con
parámetros inesperados y con el particular estilo de nostálgica alegría que lo
caracteriza. La historia donde un hombre hace un viaje frustrante que termina
siendo revelador fue también una de los leitmotivs en Elizabethtown (Cameron Crowe, 2005). En ambas
películas los protagonistas son completos inútiles que no pueden terminar de
asumirlo, le rompen el corazón a una mujer y esa misma mujer es quien resuelve
las nimiedades que ellos no pueden. En Elizabethtown, el viaje de Drew (Orlando Bloom) para
despedirse de su padre muerto no podría haber sido posible si no hubiera
aparecido Claire (Kirsten Dunst), la azafata que puede con todo (puede servir a gente en los
aviones, puede pasear y hablar toda la madrugada, puede ir y volver, puede
tratar con niños, puede hasta evacuar un incendio durante un homenaje al padre de
Drew!). En Aloha, Alison (Emma Stone) puede ayudar a Brian a relacionarse con la nueva
familia de Tracy (Rachel McAdams), su ex, puede hacerlo reir en los momentos más estúpidos,
puede hacerlo bailar en una navidad que pasa con sus compañeros de trabajo,
puede incluso convencerlo de usar herramientas que sólo él conoce para evitar
la privatización de la exploración espacial. Cualquiera diría que en estas dos
películas, las mujeres tienen en común que pueden resolver un montón de cosas
salvo su relación con los hombres. De alguna manera, ellas pueden hacer
cualquier cosa menos llamar la atención del hombre que desean. Sin embargo, las
dos actúan como expertas cazadoras, a la espera del momento exacto de que su
objeto de interés encuentre el minuto para fijarse en ellas. Son más felinas
que ellos. Y están más atentas. Son cazadoras despreocupadas y hechiceras que
pertenecen a otro espacio. Y también están solas y vacías, pero ese no es el
punto.
Cameron Crowe
inventa en Elizabethtown la categoría de persona
sustituta: Claire es adorable, ella lo sabe, sabe que puede conquistar a
Drew, que puede acostarse con él, pero eso no alcanza. También sabe que es la
persona sustituta, que no es la chica que juega de titular, ella no vuelve locos
a los hombres, no lo vuelve loco a él. Lo mismo pasa con Brian y Alison. Brian
tiene la mirada puesta en aquello que está perdido: su ex novia y su nueva
familia, haciendo un largo duelo que no puede empezar a formular. En Aloha la
categoría es parecida, pero bajo el nombre de solteros juntos. Son las personas que no pueden comenzar una
relación formal pero pueden estar juntos de alguna manera cercana, espiritual,
física, pero no intensa. La razón por la que no pueden estar juntos es que no
nacieron para eso. Por eso nunca se sabe cómo terminan… porque de alguna manera,
todo se centra en el proceso y los caminos y sus bifurcaciones.
Repleta de
nombres memorables que se conjugan en una actuación simpática y sencilla
(Rachel Mc Adams, Bill Murray, Bradley Cooper, Emma Stone, Alec Baldwin, y
muchos más), otra vez una película de Crowe que pasó desapercibida en los cines,
musicalizada de la manera en que sólo él sabe hacerlo, y que logra un estilo de
diario íntimo visual, con imágenes nostálgicas en material fílmico que
describen un pasado esplendoroso pero que no deja de ser pasado.
