Drama Música Cine Arte Fotografía

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31 ene. 2010

The Cranberries en el Luna Park de Buenos Aires


Luego de 7 años de separación regresa la banda de Dolores O'Riordan
"Vamos a escribir nuevas canciones", comunica Dolores en su sitio web. Noel Hogan, el guitarrista agrega que en estos años han estado en distintos proyectos y ganado experiencias. "Me gustaría verlos ahí" pide Dolores O'Riordan en

The Cranberries

Fecha: Viernes 5 y Sábado 6 de Febrero, 21:30hs.-

Lugar: Estadio Luna Park, Bouchard 465,

T: 4311-5100.-


Cómo llegar: Subte: Línea B estación: L. N. ALEM.- Colectivos: 4,6,20,22,23,26,28,33,45,50,54,56,61,62,74,91,93,99,105,109,126,130,140,143,146,152,159,180.-

Precios: Platea Vip: $300 (+ $30).- Platea Preferida: $260 (+ $26).- Platea: $210 (+ $21).- Platea Lateral (Fila 1 a 10): $200 (+ $20).- Platea Lateral (Fila 11 a 20): $160 (+ $16).- Superpullman: $180 (+ $18).- Pullman: $160 + ($16).- Pullman Lateral: $110 (+ $11).- Cabecera sin numerar: $90 (+ $9).-

Tom Jones en el Luna Park


69 años y

70 millones de discos vendidos.

Tom Jones

en el
Luna Park



Platea Vip
$ 420.-
Platea Preferida
$ 360.-
Platea
$ 300.-
Platea Lateral 1
$ 280.-
Platea Lateral 2
$ 240.-
Superpullman
$ 250.-
Pullman
$ 200.-
Pullman Lateral
$ 160.-
Platea Cabecera s/num.
$ 120.-

Boleterías
Lun a vie de 10:00 a 19:00 hs.
Sáb de 12:00 a 19:00 hs.


Stadium Luna Park Av. Madero 420 (C1106ABE) Ciudad Aut. de Buenos Aires – Argentina Información Espectáculos: 5279-5279

Antígonas con dirección de Leonor Manso en el Centro Cultural de la Cooperación


Antígonas


Una pieza de Alberto Muñoz,

interpretada por Ingrid Pelicori y Claudia Tomás,

con dirección general de Leonor Manso


Cuatro situaciones teatrales contemporáneas que indagan el universo femenino.
Como Antígona, ellas quiebran el muro de lo imposible invocando el poder del amor, el deseo y la voluntad.
Antígonas actuales que, como buenas hijas de la Luna, conviven con lo oculto, lo negado, aquello de lo que no se habla. Mujeres que advierten que la vida es misterio, materia de la poesía.

En el Centro Cultural de la Cooperación, Av. Corrientes 1543. Entrada $40.-. Tel. / Informes: 5077-8077. Funciones: sábados de febrero y marzo 21:00 hs. domingos a las 20:30 hs.

Up in the Air. Con George Clooney


Con un problema de género en su génesis, "Amor sin escalas", llamada así en su estreno en la Argentina, es una comedia; pero tanto extraña como comedia como una película que habla sobre el tema de la desocupación y el héroe es un ser alienado que destina su vida y su función a destruir al prójimo. Y entonces, es un drama?
Ya desde el título en español se apuesta a que el público identifique la comedia romántica que no es, o si lo es, lo es de estos tiempos, como la bellísima Punch-drunk love, (Embriagado de amor) de Thomas Anderson, es una comedia del miedo y de la imposibilidad del otro. No es casual que en este film el personaje de Adam Sandler coleccionara etiquetas de un producto de supermercado para poder viajar, como en esta, George Clooney colecciona millas para obtener la tarjeta vip de la aerolínea cuyo lema dice que es en la que se puede confiar y al capitán que permanece más tiempo en vuelo, suspendido sobre todo lo demás, esa suspensión del tiempo.
Como si fuera una cuestión de modales, o de la posibilidad de dar, cara a cara, la noticia, (el conflicto central del film es, como comunicar a decenas y centenas de trabajadores que han sido, repentinamente, despedidos y hay una empresa que se ocupa de ello, esto es, de gerenciar la comunicación), lo agridulce del film permanece en un limbo, en el cual las simpatías sobre los personajes nos colocan en un dilema moral. Y no hay otros que los héroes despedidores. Los otros dicen su discurso, quietos, con un tamaño de plano tipo foto-carnet pero desaparecen, y el film, de evidente simpatía con los arrojados al espacio del olvido por la crisis económica de Estados Unidos, no hace otra cosa que convertir a los principales actantes del film en seres con características despreciables que tachan nombres de listas infinitas, los que han sido eliminados, porque han recibido la noticia.
Si en Juno, Reitman lograba traslucir un conservadurismo, que no lucía tanto la opción de la protagonista femenina principal, sino ciertos métodos efectistas que le dieron el Oscar a la guionista, Diablo Cody, aquí, nuevamente se ubica, y nos ubica, en un lugar reaccionario incómodo.
Para distanciar el efecto revulsivo, Clooney está virtualmente situado en un "no lugar", de los que habla el antropólogo Marc Augé: ese espacio construído por aeropuertos y habitaciones de hotel. En la tal vez, más lograda secuencia, aparece un oasis falso, en el que los protagonistas se cuelan con entradas robadas a una fiesta de una convención de una empresa de informática, hecha de covers, de refrescos de colores y de canciones de otras generaciones; ya sabemos que la música actual no hace historia.
Duplicidad, mentira y la supervivencia del más apto en un universo despiadado, son las noticias de los tiempos de la crisis. La muerte en traje de ejecutivos, los boxers del sistema que se cae, que se despedaza. Un plano general nos basta para ver las líneas de teléfono por el piso, el espacio oficina/trabajo/empleo del trabajador/sueño americano, que se deshace de una forma tan brutal como la de Bin Laden, derrumbando separadores de material prefabricado, vidas y sueños.
Así, la interventora que intenta despegar para siempre el contacto, para despedir gente a través de videoconferencias, es una otra oriental en su identificación falsa de la fiesta; así todos tienen otras vidas, de las que nada se sabe, y si algo se descubre es para descubrir la soledad y el hastío, y las otras mentiras domésticas, que se sostienen por la capacidad de fingir de todos en sus vidas privadas. Un mundo en el que no hay más que notas falsas, como las réplicas de las fotos de Amelie, en lugares del mundo, una contribución de todos para una luna de miel que no se hará, una boda de una pareja infeliz, para un viaje que no ha sucedido, como no suceden los viajes de los protagonistas, que son sólo una suspensión del tiempo.
Un mundo en el que es mejor no estar, en el que es preferible detenerse en el aire, intentando tarjetas de membresía especiales, que nos alejen del hacinamiento de los desclasados.
A Estados Unidos ha llegado la otra crisis y la depresión: Reitman es un Frank Capra que ha perdido toda esperanza.
Roberto Camarra
Título: "Amor sin Escalas"
Título original: Up in the Air
País: USA
Productora: DreamWorks Pictures (Paramount)
Director: Jason Reitman
Guión: Jason Reitman & Sheldon Turner
Reparto: George Clooney, Jason Bateman, Vera Farmiga, Anna Kendrick.

Fotografías de carnaval: disfraces infantiles (1920-1950)


Disfraces infantiles del ayer. Fotografías de carnaval (1920-1950)
Colección Abel Alexander

Inauguración: miércoles 3 de febrero, 20hs

Museo Fotográfico Simik, Av. Federico Lacroze 3901


Entre los ritos sociales vinculados a la fotografía, la visita a los estudios fotográficos para retratar a los niños disfrazados fue, sin duda, uno de los más arraigados durante cierto período de aquellas fiestas populares.Es que las encantadoras e inocentes mascaritas derretían de ternura a padres, tías, madrinas y abuelos, todos los cuales se involucraban de una u otra manera, en la iniciativa carnavalesca de transformar al niño en un adulto, a través del eficaz recurso del disfraz apropiado.La muestra fotográfica con retratos originales de época, se inaugurará el miércoles 3 de febrero a las 20 horas en el Museo Fotográfico Simik del barrio de Chacarita.En la apertura de la exposición, Abel Alexander disertará sobre aquella especial iconografía de los disfraces infantiles, que marcaron todo un período en la historia de los carnavales argentinos.


Museo Fotográfico Simik

Avenida Federico Lacroze 3901 (esquina Fraga)

29 ene. 2010

HUMAN BODIES EXHIBITION EN MAR DEL PLATA


Puede, es, el cuerpo una obra de arte?
Desde Orlan a Jeff Koons, de Ana Mendieta a la morgue de Serrano, qué es un cuerpo, objeto de mirada policial, a la vista de la inquisición científica, mapa del Dr House o enigma de Grierson en C S I, desde la parodia a lo trágico qué es el cuerpo, como objeto de la mirada, de una mirada que nos remite a nosotros mismos?
Entre la pedagogía y la belleza, no hay forma de ver las partes sin temblar, sin sentir la emoción de lo frágil, lo increíble, lo complejo y pequeños que somos.
Ver la muestra describe el mal y la violencia como inútiles ante el milagro de los órganos y de los fetos, de las venas y del cerebro, que fueron de alguien que nos mira y que amablemente nos enseña que deberíamos cuidarnos entre nosotros, paciente e infinitamente.
Roberto Camarra
Human Bodies The Exhibition
NH Gran Hotel Provincial. Ciudad de Mar del Plata.
Diariamente de 11 a 23 horas.
Entradas 35 $
Jubilados, menores y estudiantes 25 $
Catálogo 25 $

INVICTUS de Clint Eastwood. El deporte en tiempos de Mandela.


Interesante relación entre el deporte y el uso que la política hace de equipos que portan intentos de himnos o banderas nacionales. Qué se representa, es la pregunta, cuando suena el himno, cuando ocurren enfrentamientos entre holingans y barras bravas, cuando las plazas se llenan y la gente deja la experiencia en el espacio de la emisión televisiva.
En el marco de la ley de radiodifusión y el triste recuerdo del Mundial 78, que en la Argentina dio un título mundial de fútbol a cambio de un silencio ominoso sobre una situación histórica desgraciada, cómo es posible sobrellevar la idea de una utilización positiva de un equipo de rugby?
Y en este film de Clint Eastwood, está la gigante figura de Mandela. Esta figura es tan difícil de igualar, por perspectiva histórica, militancia y fe, y tolerancia a las humillaciones y a la prisión, que es difícil no sentir sentimientos encontrados.
En el uso del plano y contraplano, en el uso de las emociones programadas, algo no funciona, y la historia está incompleta.
Para entender el contexto recomiendo la nota de Ezequiel Fernández Moores aparecida en el diario La Nación y en www.canchallena.com/1226359-invictus
INVICTUS
Estados Unidos, 2009
Interpretada por Matt Damon y Morgan Freeman
Basada en el libro de John Carlin
Dirigida por Clint Eastwood
Distribuida por Warner Brothers
Texto por RC

Taller de Teatro y Creatividad en la ciudad de LA PLATA

TALLER DE TEATRO Y CREATIVIDAD.
LA HERRAMIENTA CREATIVA. Trabajo corporal y expresivo
Dictado por LAURA AGORRECA
en
Centro de Actividades Artísticas CRISOLES Calle1 Nº 477 entre 41 y 42,
La Plata - Buenos Aires

Días: Jueves
Horario: de 19.30 a 21.30hs (DOS HORAS. UNA VEZ POR SEMANA)
Fecha de inicio: 4 de Febrero de 2010
Duración: ANUAL
Dirigido a: Actores y no actores. Con o sin experiencia. Adultos mayores de 18 años en adelante,

Breve descripción
Brindar las herramientas necesarias para redescubrir el cuerpo en su aspecto lúdico, creativo y expresivo en función de la escena a crear.

Objetivos:
Despertar el aspecto lúdico, creativo y expresivo del ser-cuerpo.
Abrir los canales sensibles. (La percepción o escucha)
Desarrollar la expresividad y la creatividad para abordar distintos procesos creativos.

Metodología de trabajo:
Se basa en ejercicios individuales, en parejas y grupales sobre pautas de espacio, ritmo, percepción, movimiento y acción en y para la improvisación

Cuota mensual: 70 pesos

Contacto: lauagorreca@gmail.com / Te: (0221) 424-0877www.lauraagorreca.blogspot.com

28 ene. 2010

Apocalymbo (a propósito de Zombieland)




El cine de zombies una de esas extrañas maravillas que se desarrollan dentro del arte y que no admiten discusión, así como sucedió durante mucho tiempo con el rinoceronte de Durero (este artista represento un rinoceronte de una manera un tanto hilarante, cercano a la realidad pero claramente cargado de subjetividad debido a que él jamás había visto uno de estos ejemplares, esta imagen extrañamente se instauró entre los artistas y esta suerte de “errores” con que contaba la imagen original se reprodujo durante muchos años)

Hace unos años George Romero irrumpió en la pantalla grande con una película de muertos vivos, el éxito fue tal que las secuelas apócrifas no tardaron en llegar, y de allí en adelante los zombies se multiplicaron de a miles.


Si somos fanáticos de las listas tenemos cientos de variantes del comienzo de la cadena zombie: muertos reanimados por magia negra, enfermos por armas químicas, contagio animal, experimentos médicos, etc., etc... Sin embargo hoy en día el género ha logrado prescindir de eso, basta con soltar unos cuantos sujetos de andar errante empapados en sangre, unas pocas personas tratando de no ser el alimento de los anteriores y ya tenemos el coctel zombie básico.


Esta nueva cualidad del género, de no reclamar demasiadas explicaciones es en la que se apoya en parte el director Ruben Fleischer. El por qué de esta enfermedad es poco importante, apenas si se hace una mínima referencia oral al caso, lo que se busca destacar aquí es este pequeños grupo de sobrevivientes que tratan de atravesar en auto lo que antes era Estados Unidos, manteniéndose a raya de las mordidas de lo que solían ser humanos, cada cual a su modo: con una brutalidad extrema, con un estricto listado de reglas para la supervivencia (una suerte de cita al “zombie survival guide” escrito por Max Brooks, hijo del famosísimo Mel) , o simplemente valiéndose de la astucia para sacar partido del resto de los sobrevivientes.


Escaparse de los rodeos técnicos de la enfermedad y de las consecuencias de esta le permitió a Zombieland que los infectados sean solo una excusa, un marco para desarrollar en tono de humor la historia de cuatro almas que en medio de un mundo deshecho tratan de encontrar lo que la sociedad no les supo dar antes de la epidemia.


Por más que a muchos de los adoradores de Romero les pese, esta suerte de comedia Zombie, mucho más naif que las que iniciaron esta gran bola de nieve y claramente alejada del tinte político de sus primarias predecesoras, resultó ser la cinta de este género con mayor recaudación en la historia, dando claramente como resultado una futura secuela con el mismo plantel Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Emma Stone y Abigail Breslin.




Ignacio Lavizzari.






17 ene. 2010

Halloween 2 y las imágenes de violencia en el cine de terror


El pasado 14 de Enero se estenó en Argentina la segunda parte de la película Halloween, originalmente dirigida por Rick Rosenthal, ahora retomada por el músico Rob Zombie.

En esta segunda parte, Myers sigue buscando a su hermana para hacerle violentos mimitos y en el camino se cruza con algunas personas que terminarán bañadas en sangre. Asi como en Psicosis de Hitchcock Norman Bates asesina a su madre, o en El pueblo de los malditos, también de John Carpenter, donde los hijos matan a los padres, o en La Profecía, donde Demian asesina a su padre, parece que el tema de la familia es el móvil más fuerte a la hora de cometer asesinatos.

Las imágenes de violencia en esta segunda parte de Halloween están excelentemente relatadas no a partir de escenas gore, de mucha sangre, de entrañas salidas y todo eso, sino a partir de la representación de imágenes de lo anhelado, de la madre con la hermana, de imágenes celestiales que ya no son posibles. Son muy violentas las escenas en donde la locura aparece como centro desestabilizador, en ese sentido, Rob Zombie convocó a la actriz Margot Kidder, más conocida por haber sido durante muchísimos Luisa Lane, pero quien también trabajó en la excelente película de terror Sisters, de Brian de Palma y en The Amytiville Horror. Pero lo que muchos no saben de la historia de Margot Kidder, es que luego de tantísimos años de prestarle su cuerpo a Luisa Lane, cuando las filmaciones de Superman terminaron, comenzó a desarrollar un importante síndrome de enfermedad bipolar. Tan grave fue su estado que estuvo muchos años internada y cuando salió de su internación se dedicó a darle forma a una fundación para la ayuda de personas con la enfermedad bipolar. Y ahora ella, en un magnífico papel, aunque pequeño, personifica a la psicóloga que atiende a la hermanita de Myers en su intento por recuperar la cordura.


Lo que podemos decir del film, es que más allá de que categóricamente la película esté catalogada como gore, el miedo que representa no pasa por esas escenas, sino por los miedos a la locura, las imágenes oníricas que protagoniza Sherry Moon, el deseo de volver a ver a una madre que ya no está.


Lamentablemente, la tercera parte de esta saga ya no tiene como director a Zombie, quien se siente cansado e la dirección y prefirió dejarlo en manos de otro.


Lucía Luna


9 ene. 2010

Juan Ravioli en concierto





JUEVES 7 & 14 DE ENERO 22HS


JUAN RAVIOLIPOR SOLO $10 EN EL

C. C. MATIENZO

MATIENZO 2424

CIUDAD DE BUENOS AIRES

ENTRADA: $10


www.juanravioli.com

Wener Bischof y Guido Boggiani en dos muestras en Buenos Aires


Nada más apropiado que visitar estas dos exposiciones y contrastar la visión y el objeto representado. Dos europeos accediendo al riesgo de la fotografía y pagando con su vida, el acceso a lo escondido, a lo que denominamos cultura, a lo diferente.
En las maravillosas copias expuestas en el Centro Cultural Borges y el Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco, vemos la belleza del cuadro, el dolor de lo perdido, la notable curiosidad y humildad para acercarse al objeto, para ser conmovido, para ser testigos del tiempo.
Dibujantes, escultores de la luz, perfeccionistas, yendo a su límite, el suizo muere en los Andes Peruanos, y al italiano en una toldería le arrancan la cabeza para que no haga más daño con la máquina infernal de la fotografía.
Ahí están sus imágenes verdaderas y bellas, hablándonos de la vida de este mundo, conviviendo con las tribus o con el horror de la segunda guerra.
Robert Capa, también de Magnum decía: "si la foto no es lo suficientemente buena, es porque el fotógrafo no estuvo lo suficientemente cerca".
Boggiani y Bischof llegaron a donde llegan muy pocos.
Más que cerca.

Le Chant des Mariées. Un film de Karin Albou.




La Canción de las Novias es un film que habla del deseo y del punto en que la adolescencia va a perderse, exactamente por el tiempo, por el cuerpo, por la guerra. - Escribí este film porque perdí a menudo a mis amigas íntimas, ya sea despues de que se hayan casado, o cuando yo me casé - escribe Karin Albou. - No porque lo viva como una fatalidad, pero esto me hizo reflexionar sobre la fuerza de las amistades de juventud, trabajadas por el deseo inconsciente, por un amor fusional y exclusivo, una necesidad urgente de identificación.


Este es un film sobre el cuerpo, y sin pudor ni censura, el sexo se muestra con dolor, y también como la cicatriz de la pérdida. Así como en Criatura de la Noche, el bello film sueco, el sexo femenino era un dato del horror del tiempo, aquí la desnudez funciona en la depilación como una verdadera violación, tránsito femenino, pero a la vez entrega al hombre viejo para la adolescente, tránsito de adultez y de arreglo, pero también de ofrecimiento al dinero y a la salvación.


Las canciones y las bellezas de los cuerpos, los rituales femeninos de las ceremonias de las bodas, de la elección del vestido, de la preparación del cuerpo. Un cuerpo dado puertas adentro, aquí preparado socialmente, como en Final de Partida.


Si la tunecina se entrega a cielo abierto, en la terraza, suplantando el cuerpo, nada puede esconder el cuerpo de la judía francesa, presa de otra prisión.


También la película, es una película sobre el horror de la ocupación doble o triple bajo el tiempo nazi de la segunda guerra mundial, y del recelo y cruce de clase, de origen, de cultura, de francés a tunecino, de alemán a judío, de judío a musulmán, de musulmán a judío.


Pero la belleza del cuerpo, la belleza del cruce de culturas y sentidos, hace que, como se presenta en esos patios comunes la música y las voces de la radio, una comunión contra la que no puede el horror de la muerte, de la esclavitud, del confinamiento.


Lizzie Brocheré y Olympe Borval producen una química en el que termina envidiándose sus lazos y sus secretos, en un film donde el espíritu femenino es tanto más libre y fuerte, cuanto más brutal y violento es el territorio de los hombres.

7 ene. 2010

Final de Partida: "Okuribito" de Yôjirô Tomita

Si Departures comienza con una confusión, el centro de la angustia está en lo descentrado, en lo que parece.
El protagonista, asistente del viejo sabio que prepara el ceremonial de los difuntos en el cuerpo, queda impactado por la belleza de la chica que se suicida con gas. Al limpiar el cuerpo lo que no parece, aparece.
El protagonista parece músico, pero no lo es: tiene el cello más caro y la apariencia de músico en la orquesta, el sonido que parece bueno se desarma ante lo incontrastable: no hay público y la orquesta se deshace, se desintegra. El no es un gran músico.
Pero para quién toca uno?
Y qué debe tocar?
Para reintegrarse, regresa al pueblo de la madre, que muere y el no cuidara, como antes fuera abandonado por el padre. Es una historia de abandonos, y esto también es lo central, qué otra cosa, sino, es la ceremonia de la muerte?
Si encuentra, otra vez por una confusión algo parecido a un trabajo en una agencia de viajes, qué tipo de partidas preparan, qué tipo de viaje es lo que sucede a los clientes que deben atender?
Departures es una reflexión sobre el artista, sobre el cuidado, sobre el abandono.
La mancha, tocar a los muertos, lo que no es bien visto, no deja ver lo que queda invisible: si los deudos reclaman por el parecido o se conmueven por la belleza nunca vista, los artistas son llevados por el destino y hacen su obra, con calma, con precisión, con un gentil afecto.
Hacen su obra con paz y con belleza. Aunque para hacerlo tengan que atravesar el dolor.
Si los que están ahí para ya no estar más, hacen su última compra que no eligen, la ceremonia es como una canción triste, pero a la vez, luminosa, y a nuestros ojos occidentales, llenos de violencia y recelo, de un respeto y de una delicadeza como sólo una tradición, en este caso la japonesa, puede reverenciar.
Abandono de los que parten: y entonces cómo lucen los abandonados ?
A veces, vistos así, en espejo, los deudos son miserables, sólo hablan de sí mismos: entonces los artistas hacen hablar a los difuntos, con una ceremonia de cuidado y de plegado, de repetición del gesto y de ritual, de veneración y de saludo.

El film de Yôjirô Takita habla sobre la construcción de un oficio. Qué otra cosa es la identidad, sino lo que hacemos, qué otra cosa es lo que somos sino las marcas que nos dejan los padres en las presencias, en las faltas, en los abandonos.

Y al encontrar su oficio, el personaje encuentra que las formas de ser un artista son misteriosas, y que el artista de alguna forma envía mensajes extraños en forma de piedras, para que lleguen alguna vez, al futuro.

Como este film, bello y de un afecto gentil, de una calma reparadora.

Roberto Camarra

Gabo Ferro, el cantautor de la política y la historia en canciones de amor



GABO
EN EL BOLSÓN

Sábado 9 de Enero. 21 hs
Cierre del 2do Festival Patagónico
por la Diversidad Sexual en El Bolsón
Plaza Pagano - El Bolsón - Río Negro
Entrada libre y gratuita

PRÓXIMAS PRESENTACIONES

Viernes 15 de Enero. 22 hs
Cierre de la 2da fecha del Encuentro de Cantautores
Colegio Anglo Americano de Alta Gracia
Buenos Aires 142 - Alta Gracia - Córdoba
Entradas: $30

Domingo 31 de Enero. 19 hs
Parador Konex. Ciudad Cultural Konex
Sarmiento 3131
Entradas anticipadas: $20

http://www.myspace.com/gaboferro

Ceremonias: ante el estreno en Argentina de "La Canción de las Novias de Karin Albou" y de "Departures", "Okuribito" de Yojiro Takita





Okuribito (Departures)
(Partidas)(En Argentina: Final de Partida)
AÑO
2008
DURACIÓN
131 min.
PAÍS
Japan
DIRECTOR
Yojiro Takita
GUIÓN
Koyama Kundo
MÚSICA
Joe Hisaishi (Sonatine)
FOTOGRAFÍA(Sonatine y Violent Cop)
Takeshi Hamada
REPARTO
Masahiro Motoki, Tsutomu Yamazaki, Ryoko Hirosue, Kazuko Yoshiyuki, Kimiko Yo, Takashi Sasano, Tôru Minegishi, Tetta Sugimoto, Yukiko Yachibana, Tatsuo Yamada
PRODUCTORA
Amuse Soft Entertainment
La Canción de la Novias
Título Original: Le Chant Des Mariées
Duración: 100 minutos.
Director: Karin Albou
Producción:
Túnez/Francia
Año: 2008
Guión: Karin Albou
Director de fotografía: Laurent Brunet
Edición: Camille Cotte
Producción:
Gloria Films productions/
coproducida por France 3 Cinéma
Protagonistas: Simon Abkarian, Lizzie Brocheré, Olympe Borval, Najib Oudghiri, Karin Albou

4 ene. 2010

Sandro de América 1945/2010

Sandro en New York (1970)

Rosa...rosa
Palabras viejas
Trigal
Fácil de olvidar
La vida continúa
La juventud se va
Se te nota
Te quiero tanto amada mía
Después de la guerra
Las manos
Sin sentido
Guitarras al viento

Una muchacha y una guitarra (1968)

Querida (3:29)
Quizás, Quizás La Paloma (2:42)
Como Lo Hice Yo (2:45)
El Solitario (2:36)
Lo Que Fue (3:34)
Alma Cariñosa (2:37)
Esta Noche Habrá Una Fiesta (2:21)
Porque Yo Te Amo (3:36)
Una Muchacha Y Una Guitarra (2:16)
No Te Puedo Entregar Mi Corazón (3:09)
Dos Hermanos (3:11)
Ya (2:20)
Desesperadamente Amor (3:09)
Una Muchacha Y Una Guitarra (Italiano) (2:17)

terraza del Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires Jazz Festival, 09











3 ene. 2010

AVATAR DE JAMES CAMERON


Así James Cameron nos trae el mundo perdido, imaginado, construido, un nuevo Jurassic Park del futuro. Y al llevarnos en el viaje, nos trae la Barrick Gold expoliando, contaminando y usufructuando minerales de la cordillera argentina cuando sus poblaciones originarias son destinadas a la relocalización o la muerte.
Avatar, enseña los métodos de la Barrick Gold y presenta a la Blackwater, la banda de mercenarios en la que se ha convertido el ejército del gobierno de Estados Unidos, en irak y Afganistán y al hacerlo nos trae a la conquista del otro, de Tzevan Todorov. Entender al otro, encontral la Malinche para traducir las órdenes de conquista. Y el protagonista, mitad conquistador, mitad traductor, paralítico, en una época en que la tecnología y los mundos virtuales pueden producir que el otro camine en el aire, tiene de nombre Jake Sully, o como suena en el idioma nativo, Shaka Zulu, el guerrero africano que derrotó al imperio Británico. Aquí claro, el guerrero es blanco, aunque se pinte de azul.
Deudora de la formidable e increíble Apocalypto de Mel Gibson, Cameron nos hace subir por fantasías de colores a lo Disney en un mundo nuevo, Un Mundo Brutal, pero conectado con las cosas, y la monstruosidad aquí es desmesurada como si la imaginación creara animales y plantas posibles gracias al led y al láser.
Un mundo nuevo que se militariza vía Transformers y en el que los científicos son subsidiarios, empleados sin consciencia previa, en el que los planes se les descubren tardíos. Las armas de destrucción masiva, las relocalizaciones de poblaciones, la lucha por el agua y el petróleo, los minerales de la Barrick Gold y otras corporaciones misteriosas, las guerras preventivas que eviten complicaciones, la destrucción del medio ambiente e incluso los gases lacrimógenes a la puente Pueyrredón: acaso uno tenga melancolía de un universo en el que lo social y la conexión con la naturaleza prevalece.
Y tenga ganas de comprender el tema del doble y el mundo paralelo, si parece que lo original, lo verdadero es el reino de Pandora, y ya queda poco tiempo, efecto hibernadero y calentamiento global mediante; la cita griega trae aparejados todos los males que una vez destapada la tapa del universo virtual, escapan: un futuro en el que coexisten avatares y la imposibilidad de caminar, de tocar, de sentir, como hasta ahora hemos sentido cada vez más espaciada por la pérdida: un universo en el que el ánfora del universo paralelo de las 3 dimensiones, entierre para siempre la vejez, la pobreza, el crimen, la tristeza. La enfermedad, la fatiga.

Acaso, el universo virtual proponga un nuevo tiempo en el que el AVATAR de cada uno pueda extraer de la vasija lo que la hija de Zeus no pudo. Esa cosa que Pandora atrapó en la ánfora llamada esperanza. Una esperanza que nos regrese a un universo de armonía como querían los griegos o a un universo de justicia como pedimos hoy

Roberto Camarra.

AVATAR

James Cameron nos lleva de viaje a un universo de hombres y mujeres azules, un territorio en comunión natural y social, y al hacerlo, propone que la tecnología es otro espacio de la conquista, un espacio brutal y en donde lo que importa es la ambición, y la desaparición de las civilizaciones que se ponen en el camino. Aquello de que se convierten al viejo mundo o córranse que viene la topadora.
Acusada de fraude por un escritor español, la historia nos lleva a una mitología fundante, a la épica, pero el autor de TERMINATOR Y ALIEN, no puede evitar el melodrama central, un poco a la manera del NACIMIENTO DE UNA NACION, en el que la pareja se conoce y en la voluntad de conocer es separada por la guerra.
Pero la obra de Cameron, una película lounge, ultrapop, pero a la vez sumergida en la era de Acuario, nos trae múltiples referencias y es deudora de infinitas tradiciones.
Bienvenidos a la era virtual, el mundo es binario, y así es su lógica, lógica de tiempos en que los guerreros se han convertido en mercenarios y los científicos son empleados de las multinaciones que cumplen órdenes y funciones subsidiarias: la búsqueda de la extracción del oro, en la forma o nombre que este tome.

Roberto Camarra

AVATAR

TANGUERIAS. TACONEANDO: LOCALES DE TANGO EN BUENOS AIRES


iNFORMACION DE LOCALES EN

http://www.unica-cartelera.com.ar/tanguerias


Taconeando es ya un clásico en la noche porteña. Uno de los locales más típicos de Buenos Aires donde la música, la danza y el canto brillan con luces propias.
A la calle Balcarce entre Chile y la cortada de San Lorenzo, en el corazón de la República de San Telmo, se la ha denominado La Vereda de Beba.
Como recordación a esa gran mujer, se presenta un espectáculo de tango de gran nivel, al alcance de todos los habitantes de nuestra ciudad y de los turistas que la visitan.


Taconeando es un tango milonga, fuertemente rítmico, especial para bailarlo. Este tango sería el favorito de infinidad de intérpretes: Carlos Gardel realizó una versión señera, y Aníbal Troilo lo grabó con Roberto Grela, por nombrar sólo un par.

Pasaron los años y el tango tuvo su renacer en San Telmo. El 15 de agosto de 1979, Beba Bidart inauguraba su coqueto local "Taconeando", haciendo de él un reducto de tangueros y amantes de la música porteña, que a la vez traía una novedad: además del espectáculo artístico, la posibilidad de que el público bailara.


Jueves, viernes y sábado
Cena: 21 hs., show: 22.30 hs.

Balcarce 725. Tel.: 4307-6696. "Un espectáculo de tango con 14 artistas en escena".

WERNER BISCHOF en el CENTRO CULTURAL BORGES









La exposición es una cuidada selección de 106 imágenes de su amplio archivo fotográfico dirigido por su hijo Marco Bischof, curador de la exposición. Contiene imágenes de los viajes realizados por Bischof alrededor del mundo, donde fotografió para los principales medios del mundo como Life, Paris Match, the Observer, Picture Post, e Illustrated, entre otros. Se exhibirán también imágenes inéditas de sus viajes por Latinoamérica.Werner Bischof nació en Suiza el 26 de abril de 1916. Pasó su infancia entre Zurich, Kilchberg y Waldshut. Su padre era director de una fábrica farmacéutica y un entusiasta fotógrafo aficionado. Bischof estudió fotografía con Hans Finsler en la Escuela de Artes y Oficios de Zurich, y luego abrió un estudio de fotografía y publicidad (entre 1932 a 1936). En 1942 se transformó en reportero independiente para la revista Du, dirigida por Arnold Kübler, que publicó su mayor ensayo fotográfico en 1943. Se convirtió en miembro del grupo de artistas Allianz.Bischof recibió reconocimiento internacional luego de la publicación en 1945 del reportaje sobre la devastación causada por la Segunda Guerra Mundial, una documentación fotográfica que realizó por encargo de Schweizer Spende que incluía el sur de Alemania, Francia, Luxemburgo, Bélgica y Holanda.Los años siguientes, Bischof viajó a Italia y Grecia por encargo de Swiss Relief, una organización dedicada a la reconstrucción de post-guerra. En Milán conoció a su esposa Rosellina Mandel. En 1948 fotografió las Olimpíadas de Invierno en Saint Moritz para la revista Life. Luego de realizar viajes a Europa del Este, Finlandia, Suecia y Dinamarca, completando la documentación fotográfica de la post-guerra en Europa, trabajó para Picture Post, The Observer, Illustrated y Epoca. Fue el primer fotógrafo en unirse a Magnum como miembro fundador en 1949.No gustándole la superficialidad y el sensacionalismo del negocio editorial, dedicó gran parte de su vida laboral a buscar el orden y la tranquilidad en la cultura tradicional, por lo que nos se ganaba la simpatía de editores fotográficos que buscaban material de candente actualidad. A pesar de ello, fue enviado a reportar el hambre en la India para la revista Life (1951); su reportaje sobre el hambre en Bihar le trajo reconocimiento internacional. Siguió luego trabajando en Japón, donde permaneció un año, Corea, Hong Kong e Indochina, donde permaneció tres meses como corresponsal de guerra para París Match. Las imágenes de estos reportajes fueron usadas en importantes revistas de fotografía alrededor del mundo.En el otoño de 1953 Bischof produjo una amplia serie de fotografías a color de los Estados Unidos. Allí permaneció cuatro meses documentando las nuevas autopistas en varios estados. Al año siguiente viajó a Méjico y a Panamá, y luego a una zona remota del Perú, donde se involucró en la realización de una película. Bischof murió trágicamente en un accidente automovilístico en los Andes peruanos, el 16 de Mayo de 1954, tan solo nueve días antes que el fundador de Magnum Robert Capa, perdiera su vida en Indochina.


CARTA DE ROBERT CAPA A WERNER BISCHOF7 de mayo de 1951, ParísMi querido Werner:Tus rollos fueron revelados y aún a primera vista parecen fantásticos. Nuestro celoso Haas está a mi lado editando con cuidado profesional y celo personal (estaba esperando que diga que eso no es verdad, pero no dijo nada).Se como te sientes sobre tu historia y es exactamente como nos sentimos todos cuando fotografiamos un episodio grandioso en la historia, sentimos que debiéramos hacer más y mejor. Pero lo que tienes es tan poderoso y tan bueno, que no pienso que valga la pena ir más allá.Con afecto,Capa


SUCESIÓN WERNER BISCHOF (WERNER BISCHOF ESTATE) La sucesión Werner Bischof es un archivo familiar dirigido en estrecha colaboración con Magnum Photos. Apunta a hacer conocida la extraordinaria obra de este fotógrafo suizo de la agencia Magnum. Luego de la temprana muerte de Werner Bischof en los Andes Peruanos, su esposa Rosellina se hizo cargo de su archivo. Montó como parte de sus esfuerzos en 1966 la exhibición “El Fotógrafo Comprometido”, rindiendo así homenaje a las carreras de Werner Bischof, Robert Capa y David Seymour, y otros. A partir de este momento, Rosellina Bischof se involucró en la fundación del Centro Internacional de la Fotografía en Nueva York, el Centro Nacional de la Fotografía en París y la Fundación Suiza de la Fotografía en Zurich, cada una de ellas dedicada en parte al trabajo de fotógrafos involucrados en lo social. En 1986 a la muerte de Rosellina, su hijo Marco Bischof continuó su obra con el legado de Werner Bischof. Publicó numerosos libros, produjo varias exposiciones en los cinco continentes y dirigió una película sobre su padre. Para más información: http://www.wernerbischof.com/


MAGNUM BLURB Magnum Photos es una cooperativa de gran distinción dirigida por sus dueños, los miembros-fotógrafos. Aclamada por su poderosa visión individual, los fotógrafos de Magnum realizan una cronología del mundo e interpretan su gente, sus episodios, sus temas y sus personalidades. Fundada en 1947 por los legendarios Robert Capa, Henri Cartier Bresson, George Rodger, y David “Chim” Seymour, Magnum en la actualidad abarca alrededor de sesenta miembros de extraordinario talento y diversidad. A través de sus cuatro oficinas editoriales en Nueva York, Londres, París y Tokio, y una red de quince sub-agentes, Magnum Photos provee imágenes a la prensa, las editoriales, la publicidad, las galerías y los museos alrededor del mundo. Los logros periodísticos y artísticos de Magnum, sumado a su impacto colectivo en la historia, la fotografía y el espíritu humanista son materia de record.



Organizan: Centro Cultural Borges, Werner Bischof Estate, Magnun Photos y la Embajada Suiza. Patrocina: Embajada Suiza, Hewlett Packard y Roche Argentina.
Inauguración 10/12 Cierre: 14/02/2010

Obras maestras del Siglo XVI al Siglo XXI en FUNDACION PROA





A partir del sábado 19 de septiembre y hasta el domingo 10 de enero de 2010,


FUNDACION PROA presenta la exhibición




El tiempo del Arte . Obras maestras del Siglo XVI al XXI.
Curada por Giacinto Di Pietrantonio, destacado curador, profesor de arte y Director de la GAMeC, (Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo), la muestra El Tiempo del Arte propone en más de 100 obras, un recorrido por cinco siglos de imágenes trascendentales de la historia del arte.
La propuesta curatorial organiza la exhibición en ocho núcleos que refieren a los temas universales del hombre: Poder, Cotidiano/ Vida, Muerte/Cuerpo, Mente/Amor, Odio. En cada uno de estos grupos, las obras dan cuenta del modo en que los artistas crearon conceptos e imágenes que nos permiten vincular el pasado y el presente.
El diseño expositivo acentúa estos diálogos entre las obras del siglo XVI y las actuales, proponiendo además de la pintura tradicional, distintos soportes como la fotografía y el video.
La presentación de estas obras antiguas en FUNDACION PROA, patrimonio de la Accademia Carrara de Bergamo, debe apreciarse como un momento único dado que dicha sede histórica se encuentra cerrada por refacciones. Esta ocasión permite la itinerancia de este notable patrimonio y el arribo de obras de altísima calidad a Buenos Aires.
Partiendo del 1500, obras de Tintoretto, il Veronese, Tiépolo, junto a las de Kosuth, De Chirico, Jeff Wall, Morandi, León Ferrari, Velázquez y muchos otros destacados artistas, se podrán ver en esta exhibición en un diálogo novedoso y audaz.
Los núcleos están divididos a lo largo de las cuatro salas y enriquecidos con una notable didáctica.
El catálogo “El tiempo del Arte” es una publicación de 192 páginas a todo color, con reproducciones de todas las obras de la exhibición. Cada ilustración está acompañada de un comentario realizado por investigadores de historia del arte que ayudan a comprender el universo visual plasmado por el artista. Acompaña el ensayo del curador un texto teórico de Georges Didi-Huberman, quien reflexiona sobre la capacidad de la imagen de sobrevivir en el tiempo.



El departamento educativo de Proa elaboró un considerable programa de visitas guiadas tanto para el público en general como para estudiantes de todos los niveles.



La muestra está auspiciada por Tenaris y la Organización Techint, y cuenta con el apoyo de la Embajada de Italia en Argentina y del Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires.

El Club de las Bataclanas con Mónica Cabrera


THE CABRERA´S COMPANY Y LA MOSCA BLANCA PRODUCCIONES
presentan
EL CLUB DE LAS BATACLANAS

Un espectáculo de Mónica Cabrera

Este espectáculo está inspirado en las actrices y cantantes que hicieron nuestro teatro, en sus miles de anécdotas de cómicos trashumantes y en nuestra pintoresca y siniestra historia nacional. No es reconstrucción histórica, sino una fantasía musical, basada en seis monólogos, con participación del público, humor picante y político, e improvisación.
Desde hace diez años intento comprender y dar a conocer una tradición teatral, iniciada en el Juan Moreira de Podestá, y continuada en estos géneros menores, la radio, el cine y la televisión.
La historia transcurre en una casa de citas. Cada una de las "Flores" que se presentan pretende devolverle al Club su esplendor perdido, destacando un punto de interés del mismo, mostrando sus propias cualidades artísticas y amatorias. La gestión se realiza por sugerencia de una licenciada en marketing. Los seis personajes recorren distintas historias narradas en un tono de humor grotesco. Seis momentos del amor, la decadencia, la ilusión, la pasión, la ambición y la amistad.Mónica Cabrera (también directora de la obra y sorprendente autora) se vale del humor y del perfil delirante de sus personajes para encarar temas o problemáticas muchas veces amargas y en general nada complacientes.-el público estalla en carcajadas con los gestos gallináceos de Coral (una antigua corista que solo utiliza palabras que empiecen con co), pero también festeja el demoledor discurso de Violeta, una fanática que se dedica a promover el amor posesivo. Más allá de sus excesos y delirios, el personaje logra resumir en sí mismo aquellos universales de la relación amorosa que ya el propio Freud se encargó de incluir en sus estudios. Amapola es la que recibe al público en medio de exasperantes reflexiones sobre la vejez, la decadencia moral y las rivalidades que surgen en el escenario. Su contrapartida es Alhelí, una simpática ex bataclana, hoy abuela, que se las ingenia para sacarle el jugo a una hot-line y seguir ocupándose de su familia. Su versión porno de un conocido tema infantil ofrece uno de los momentos más desopilantes de la obra. Hortensia, en cambio, es una parsimoniosa dama con un crimen en su haber, que dice haber amado al líder radical Leandro N. Alem, pese a ser considerado "aburrido".
Intérprete, libro y dirección: Mónica CabreraAsistencia de dirección: Ana Bonet/Catalina BassoDirección de arte: Laura SánchezDiseño gráfico: Pablo Palavecino
Foto de portada: Patricia Ackerman packer105@gmail.com
Producción ejecutiva: La Mosca Blanca
Producción general: The Cabrera´s Company

BAR & CONCERT BATACLANA

Viernes a las 22.15
hasta el 18 de diciembre y a partir del 22 de enero
Av. Corrientes 3500.
Informes y reservas: 4862-0888
http://www.bataclanabar.com/ / reservas@bataclanabar.com
Entradas: $ 35