La Vida Anterior. De Ariel Broitman. Con Elena Roger y Sergio Surraco.

SINOPSIS

En el atelier de Federico (Sergio Surracco), Ana (Elena Roger) lee el cuaderno de notas y pinturas de éste, evocando los momentos más sustanciales de su vida anterior
A pocos años de constituirse el matrimonio entre Ana, aspirante a cantante de ópera, y Federico, músico y pintor frustrado con deseos de consagrarse y trascender, surge la repentina y azarosa llegada de Úrsula (Esmeralda Mitre) a sus vidas para modificarlas para siempre.
Ana  escucha en casa de su maestra de canto (Adriana Aizenberg) la voz extraordinaria de Úrsula, joven de hechizante belleza y enigmática personalidad.
Su fascinación la lleva a un inquietante y deseado acercamiento hacia ella, que conduce fatalmente a revelarle su universo más íntimo y privado: Federico. De esta manera, se constituye un triángulo donde surgen juegos de seducción, celos y admiración.
Pero Úrsula emprende un viaje que la alejara un tiempo indefinido de Buenos Aires. La sensibilidad espiritual de Federico y una suerte de devenir trágico de tradición familiar lo sumen en una crisis que lo distancia más y más de Ana. Ella se sumerge en sus estudios, fiel a su deseo de  convertirse en una cantante de ópera.  El delicado equilibrio triangular se rompe…
El tiempo -maestro y creador de realidades- hará el resto cuando, un año después, Ana vuelva a encontrarse con quienes amó.

Basada en la novela La Maestra de Canto, de Silvia Arazi

 

PERSONAJES 

ANA: (ELENA ROGER) Joven alumna de canto. Aspirante a convertirse en una gran cantante lírica. 27 años, casada con Federico
FEDERICO (SERGIO SURRACCO): 30 años. Músico de profesión, toca el chelo en una Sinfónica. Su verdadera pasión es la pintura pero carga el peso de la autoexigencia, producto del talento de su hermano mayor muerto.
URSULA (ESMERALDA MITRE) 29 años. Alumna de canto. Dueña de una voz magnifica. Mujer misteriosa y personalidad extraña.
LEON (JUAN JOSÉ CAMERO): Bandoneonista, amigo de Federico. Hombre mayor, de aspecto decadente,  caído en desgracias. Misógino y parco
MARA BERTOLLINI (ADRIANA AIZENBERG): Maestra de canto, ex diva de la ópera. Personalidad excéntrica  y divertida, glamorosa, ocurrente e implacable.
MARIUCHA (PAULA KOHAN): 27 años. Alumna de canto lírico. Amiga de Ana. Divertida y alocada. Pretendiente eterna de hombres excéntricos. Cultora de todas las terapias alternativas.
VALERIO (OMAR CALICCHIO): 29 años. Amigo de Ana y Mariucha. Poseedor de una vasta cultura operística. Gay confeso y extrovertido.
FOLGER (ANGÉL FARETTA): Maestro del Conservatorio. Organizador de los Conciertos de fin de año. 65 años.


MOTIVACIÓN DEL DIRECTOR
La motivación personal que significa generar un proyecto cinematográfico de estas características se basa en principio, en un deseo individual, personal  e intransferible por la pasión y vocación cinematográfica, entendiendo al cine como la mejor y más profunda manera de contar y transmitir una historia.
Por otra parte, la temática que se desprende de la película es, justamente, qué se entiende por arte, qué sentido le da a la vida, quienes son los verdaderos artistas, qué es el don o la gracia, que entendemos por destino. Resume, en definitiva, el pensamiento y los cuestionamientos más esenciales y universales de la vida.
También, en ese sentido, desde el film se pretende reflexionar acerca de -y sostener- la ambigüedad de las cosas, en contraste a una propuesta que dé respuestas o defina conceptos.
Llevar adelante este proyecto es un desafío en varios sentidos por su carácter inédito: el contrapunto musical entre el tango y la opera.
La alteración lineal del tiempo, sostenida y justificada por el punto de vista de su protagonista, apela a una “lectura” más sensible por parte de los espectadores.
Nuestra intención (así lo entiende el grupo que lo conforma), humildemente,  es llevar adelante una película personal, sensible y con un universo propio, enmarcado en lo que conocemos como “cine de autor”, no por ello solemne y aburrido, sino como la mejor manera de entender el entretenimiento y lo masivo.

FICHA ARTÍSTICA
Elena Roger …  Ana
Sergio Surracco …  Federico
Esmeralda Mitre … Úrsula
Juan José Camero … León
Adriana Aizenberg … Mara Bertollini
Paula Kohan … Mariucha
Omar Calicchio …  Valerio
Angél Faretta … Folger


FICHA TÉCNICA

Guión y Dirección
Ariel Broitman


Productores
Gabriela Schmid
Ariel Broitman

Productor Asociado
Javier Majevsky

Productores Asosciados
en Colonia del Sacramento – Uruguay
Prodigital Studios de Israel Espino y Nelson Wulf
Productores Asociados
Carlos Piwowarsky- Cooperativa Jolibud Ltda.

Productora Ejecutiva
Gabriela Schmid

Directora De Arte
Luciana Kohn

Director de Sonido y Música
Pablo Sala

Director De Fotografía
Emiliano Cativa

Edición
Mónigomez-Ariel Broitman

Entrenadora canto líricoSINOPSIS

En el atelier de Federico (Sergio Surracco), Ana (Elena Roger) lee el cuaderno de notas y pinturas de éste, evocando los momentos más sustanciales de su vida anterior
A pocos años de constituirse el matrimonio entre Ana, aspirante a cantante de ópera, y Federico, músico y pintor frustrado con deseos de consagrarse y trascender, surge la repentina y azarosa llegada de Úrsula (Esmeralda Mitre) a sus vidas para modificarlas para siempre.
Ana  escucha en casa de su maestra de canto (Adriana Aizenberg) la voz extraordinaria de Úrsula, joven de hechizante belleza y enigmática personalidad.
Su fascinación la lleva a un inquietante y deseado acercamiento hacia ella, que conduce fatalmente a revelarle su universo más íntimo y privado: Federico. De esta manera, se constituye un triángulo donde surgen juegos de seducción, celos y admiración.
Pero Úrsula emprende un viaje que la alejara un tiempo indefinido de Buenos Aires. La sensibilidad espiritual de Federico y una suerte de devenir trágico de tradición familiar lo sumen en una crisis que lo distancia más y más de Ana. Ella se sumerge en sus estudios, fiel a su deseo de  convertirse en una cantante de ópera.  El delicado equilibrio triangular se rompe…
El tiempo -maestro y creador de realidades- hará el resto cuando, un año después, Ana vuelva a encontrarse con quienes amó.

Basada en la novela La Maestra de Canto, de Silvia Arazi

 

PERSONAJES 

ANA: (ELENA ROGER) Joven alumna de canto. Aspirante a convertirse en una gran cantante lírica. 27 años, casada con Federico
FEDERICO (SERGIO SURRACCO): 30 años. Músico de profesión, toca el chelo en una Sinfónica. Su verdadera pasión es la pintura pero carga el peso de la autoexigencia, producto del talento de su hermano mayor muerto.
URSULA (ESMERALDA MITRE) 29 años. Alumna de canto. Dueña de una voz magnifica. Mujer misteriosa y personalidad extraña.
LEON (JUAN JOSÉ CAMERO): Bandoneonista, amigo de Federico. Hombre mayor, de aspecto decadente,  caído en desgracias. Misógino y parco
MARA BERTOLLINI (ADRIANA AIZENBERG): Maestra de canto, ex diva de la ópera. Personalidad excéntrica  y divertida, glamorosa, ocurrente e implacable.
MARIUCHA (PAULA KOHAN): 27 años. Alumna de canto lírico. Amiga de Ana. Divertida y alocada. Pretendiente eterna de hombres excéntricos. Cultora de todas las terapias alternativas.
VALERIO (OMAR CALICCHIO): 29 años. Amigo de Ana y Mariucha. Poseedor de una vasta cultura operística. Gay confeso y extrovertido.
FOLGER (ANGÉL FARETTA): Maestro del Conservatorio. Organizador de los Conciertos de fin de año. 65 años.


MOTIVACIÓN DEL DIRECTOR
La motivación personal que significa generar un proyecto cinematográfico de estas características se basa en principio, en un deseo individual, personal  e intransferible por la pasión y vocación cinematográfica, entendiendo al cine como la mejor y más profunda manera de contar y transmitir una historia.
Por otra parte, la temática que se desprende de la película es, justamente, qué se entiende por arte, qué sentido le da a la vida, quienes son los verdaderos artistas, qué es el don o la gracia, que entendemos por destino. Resume, en definitiva, el pensamiento y los cuestionamientos más esenciales y universales de la vida.
También, en ese sentido, desde el film se pretende reflexionar acerca de -y sostener- la ambigüedad de las cosas, en contraste a una propuesta que dé respuestas o defina conceptos.
Llevar adelante este proyecto es un desafío en varios sentidos por su carácter inédito: el contrapunto musical entre el tango y la opera.
La alteración lineal del tiempo, sostenida y justificada por el punto de vista de su protagonista, apela a una “lectura” más sensible por parte de los espectadores.
Nuestra intención (así lo entiende el grupo que lo conforma), humildemente,  es llevar adelante una película personal, sensible y con un universo propio, enmarcado en lo que conocemos como “cine de autor”, no por ello solemne y aburrido, sino como la mejor manera de entender el entretenimiento y lo masivo.

FICHA ARTÍSTICA
Elena Roger …  Ana
Sergio Surracco …  Federico
Esmeralda Mitre … Úrsula
Juan José Camero … León
Adriana Aizenberg … Mara Bertollini
Paula Kohan … Mariucha
Omar Calicchio …  Valerio
Angél Faretta … Folger


FICHA TÉCNICA

Guión y Dirección
Ariel Broitman


Productores
Gabriela Schmid
Ariel Broitman

Productor Asociado
Javier Majevsky

Productores Asosciados
en Colonia del Sacramento – Uruguay
Prodigital Studios de Israel Espino y Nelson Wulf
Productores Asociados
Carlos Piwowarsky- Cooperativa Jolibud Ltda.

Productora Ejecutiva
Gabriela Schmid

Directora De Arte
Luciana Kohn

Director de Sonido y Música
Pablo Sala

Director De Fotografía
Emiliano Cativa

Edición
Mónigomez-Ariel Broitman

Entrenadora canto lírico
Mirta Arrua Lichi

HAGO MAL? En GACHI PRIETO GALLERY.

Un millón de bandas para ver en Buenos Aires (The Cure, Daniel Johnston, Beach House y otros)

Mientras parece que vuelve Morrisey con un show en el mes de octubre, Buenos Aires se prepara para recibir numerosas visitas internacionales y agregarlas a su ya extensa agenda de shows de bandas locales.
El rumor sobre la re visita de Morrisey lo está alimentando la página web True To You, especializada en dar (nos) buenas noticias sobre el cantante.

Mañana 2 de abril en el Teatro Vorterix se estará presentando la banda oriunda de Oxford, Inglaterra,  Foals presentando su último disco Holy Fire.

También mañana 2 de abril comienza la primera fecha del polémico Pepsi Music con presentaciones de los esperadísimos Queens of the Stone Age, Kaiser Chiefs, Passion Pit, Richard Coleman y otros. El festival generó enojo en los compradores de la primera hora, que habían pagado las entradas anticipadas al precio original, sabiendo sólo que tocaba Pearl Jam, y sin pensar que sería un mega festival en donde las bandas tienen menos tiempo para tocar. Más enojo provocaron los organizadores cuando en las últimas semanas dieron a conocer los beneficios de comprar las entradas a último momento poniéndolas a un precio de venta cercano al 50% del valor original (tratando de evitar la pre venta pero haciendo sentir estafados a los primeros compradores)

El día 3 de abril es la segunda fecha del renombrado festival con presentaciones de Pearl Jam, The Black Keys, Hot Chip, Alabama Shakes, Two Door Cinema Club y otros.

También el 2 de abril se presentará A Perfect Circle con Tomahawk de teloneros en el estadio Malvinas Argentinas, por primera vez en Argentina.

El 4 de Abril se presenta en el teatro Vorterix la banda electrónica Crystal Castles para presentar su nuevo disco III.

El 6 de abril se presenta por segunda vez en la Argentina Regina Spektor, esta vez no en un teatro sino en GEBA

El día 12 de abril tocará, también por segunda vez en Argentina la mítica banda inglesa The Cure que estarán dando un recital multitudinario en River para todos los que los esperaban desde hace 25 años.

Después de llevarnos un buen susto con la cancelación de los dos primeros shows que daría Daniel Johnston en Buenos Aires, nos regodeamos con la reprogramación de las dos fechas del cantante/dibujante quien tocará en Niceto los días 23 y 24 de abril. (las entradas del 8 de marzo sirven para el 23 y las del 11 de marzo sirven para el 24)

El día 15 de Mayo en el teatro Gran Rex se estará presentando el gran Rufus Wainwright cuyas entradas pueden comprarse por ticketek

El 22 de Mayo es la fecha en la que se presentará Cat Power, quien aún no anunció el lugar ni los precios de las entradas.

Más adelante, el día 03 de septiembre tocará en Argentina el dúo Beach House en el Teatro Vorterix, pero aun no se saben los precios.

Gilad an ALL THAT JAZZ. Un film de Galriz Kalahi. Y presentación del libro: "La identidad errante", de Gilad Atzmon, en la biblioteca del Congreso de la Nación.

SINOPSIS:

Una película que sigue un próspero año en la vida de uno de los más grandes saxofonistas de la música moderna y uno de los más controvertidos oradores públicos de Europa.

Gilad Atzmon es uno de los mejores saxofonistas de la música moderna, y uno de los opositores públicos más controvertidos del Estado de Israel. Un gigante amable, cálido, carismático y algo tímido, Gilad es un personaje complejo. Nacido en unafamilia pro-sionista y sirviendo brevemente en la primera Guerra del Líbano, Gilad tuvo un giro dramático. Dejó el ejército, tomó el saxo y se exilió a Londres, declarándose enemigo del Estado de Israel.

Desde entonces, ha producido algunos de los álbumes más importantes de la era moderna del Jazz, y colaboró con Ian Dury, Paul McCartney y Sinead O ' Connor. En la música es un "enérgico improvisador" como dijo un crítico, comparándolo con la talla de Charlie Parker. En sus ideas políticas y filosóficas, es contundente y sin complejos. Sus ideas sobre Israel y "Judeidad" han disgustado a mucha gente. En la vida de Gilad, la música y la política son inseparables.

La película sigue a Gilad en la época más floreciente de su carrera, ya que graba discos con Robert Wyatt, The Blockheads, yconciertos con Nigel Kennedy; es invitado a programas de televisión y como panelista en todo el mundo; agrada a sus seguidores y admiradores, mientras que molesta seriamente a sus oponentes. 

"Gilad and All That Jazz" ofrece una visión única en la vida, las ideas, la música y las motivaciones que impulsan al gran saxofonista.

                                                                                                   Trailer oficial del film

                                                                                                http://vimeo.com/40283451

Acerca de GILAD ATZMON

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Gilad Atzmon (Tel Aviv, 9 de junio de 1963) es un saxofonista de jazz, activista político, escritor y novelista nacido en Israel, de nacionalidad británica.

En 1994 emigró al Reino Unido a estudiar en la Universidad de Essex, para estudiar una maestria en Filosofia, adquirio la nacionalidad britanica en 2002.

Es un gran crítico del gobierno de Israel, lo cual manifiesta en sus escritos contra el sionismo, el judaísmo, la ocupación del territorio palestino.

Se marchó a Londres mediada la década de los 90, cansado de la radicalidad sionista y después de haber cumplido el servicio militar en la guerra que Israel declaró al Líbano a comienzos de los 80. Su participación en aquel conflicto acabó por despejar todas sus dudas sobre la 'identidad judía'. "Veía a palestinos por todas partes, hasta que me dije, 'diablos, si es que estoy viviendo en territorio palestino!'. Fue entonces cuando decidí marcharme, eso sí, con cierto sentimiento de culpa".

Hoy, Gilad Atzmon ya no se siente judío: "He dejado atrás la idea de pueblo elegido" y plantea preguntas a sus paisanos:

“¿Cómo es que un pueblo que ha sufrido tanto y durante tanto tiempo puede infligirle tanto dolor al otro?

¿Cómo pueden los sionistas, que están motivados por un genuino deseo de regreso, estar tan ciegos cuando se enfrentan a un deseo similar por parte del pueblo palestino?”

Empecé a comprender que en Israel nunca ha dejado de haber limpieza étnica, sino que, simplemente, ésta ha adoptado otras formas, y empecé a admitir el hecho de que el sistema legal israelí no era imparcial, sino racista."

"En el verano de 1984, justo tres semanas antes de librarme del uniforme militar, nos enviaron al Líbano para una gira de conciertos. Al final de un sucio y polvoriento camino en un día de calor espantoso, a primeros de julio, llegamos al infierno en la tierra. El inmenso centro de detención estaba rodeado por una alambrada. El lugar era un campo de concentración. Los presos eran los judíos, y yo, un nazi".

Otras presentaciones en Buenos Aires:

Sábado 06/04  23.30 hs      

Show en  JAZZ & POP (Paraná 340)

Lunes 08/04  de 19:00 a 21:00 

Universidad de 3 de Febrero.

Centro Cultural Borges

Viamonte 500 3º Piso.

Diálogo con profesores y estudiantes.

                                              

Miercoles 10/04 de 17:00 a 19:00 

Facultad de Filosofía y Letras de la UBA.

Puan 480, aula 129.

Presentación del libro y diálogo con profesores y estudiantes.

Miércoles 10/4 a las 21.30 hs

Show en Thelonious  (Jerónimo Salguero 1884)

GILAD ATZMON en Buenos Aires

El miércoles 3 de abril a las 12.30 hs en la Biblioteca del Congreso de la Nación (Alsina 1835)

 se presentará el libro, "La identidad errante", de Gilad Atzmon, el cuál saldrá a la venta ese mismo día.

Allí, su escritor, el gran y controvertido músico de Jazz, estará presente para dialogar con la prensa local acerca del lanzamiento del libro en Buenos Aires y del estreno exclusivo para América Latina del film "Gilad an All That Jazz", de Golriz Kolahi, el cual se presentará por primera y única vez el jueves 4 de abril a las 18.15 hs en la Sala Leonardo Favio de la Biblioteca del Congreso de la Nación. 

Entrada libre y gratuita.

Hedda Gabler de Ibsen. En el Teatro Luisa Vehil. Adaptación, puesta en escena y dirección de Rubén Hernández Miranda.

HEDDA GABLER 

Este clásico de Henrik Ibsen es un drama realista que muestra el choque de fuerzas entre la voluntad individual y el peso del orden social.  Plantea  la transición entre dos épocas y los conflictos que se generan en el individuo en una sociedad que dejó de ser netamente aristocrática y se transformó en una donde predomina la burguesía con poder económico.  

Hedda Galber es una joven aristócrata,  hija de un fallecido General, quien no le dejó herencia al morir. Sin ninguna opción, se casa con un joven burgués que intenta hacerse un lugar destacado en aquella sociedad. Atrapada por su prejuicios, miedos y el qué dirán, se convierte en un cobarde y desesperado ser que vive como puede y no como quiere, luchando en su interior por no perder su independencia en un mundo donde prevalecen las reglas prefijadas y los mandatos. Una aguda crítica social que desnuda a seres presos de sí mismos desde sus miserias, miedos y deseos, exponiéndolos a las sorpresas del destino y las circunstancias.  

La obra, cuya adaptación, Puesta en Escena y Dirección General es de  Rubén Hernández Miranda, se presenta en el marco de los 25 años de la Sala Luisa Vehil. 

Funciones: viernes a las 21hs.

Teatro Luisa Vehil: Hipólito Yrigoyen 3133 (C.A.B.A)

Informes: 4861-3386

Duración: 120 minutos

Entrada: $80. Estudiantes y jubilados: $40

www.rubenhernandezactor.com.ar

Sinopsis

Hedda Gabler, una joven aristócrata, hija de un general fallecido, no tiene más remedio que casarse para sobrevivir. Es así que contrae nupcias con un joven burgués que intenta hacerse un lugar destacado en aquella sociedad. Al regreso de la luna de miel, se instalan en un petit hotel recién adquirido, al que deberán pagar. Las visitas de la tía de él, la presencia de la criada, las visitas de un interesado amigo influyente, la llegada de la esposa de un juez a pedir ayuda y la aparición de un talentoso y desquiciado escritor que rememora el pasado de Hedda e instala la competencia con Tesman. Todos hechos que hacen que en Hedda Gabler emerjan los instintos más oscuros que la llevarán a  transitar  caminos sin retorno.

 

Ficha artístico técnica

Asistencia de Dirección: Paula Fernández Rivas
Asistencia de Producción: Paula Fernández Rivas
Diseño y Realización de Escenografía y Utilería: Jorge A. Balestra  y Ariel Chavarría
Diseño y Realización de Vestuario y Maquillaje: Ro Ivanoff
Diseño de Iluminación: Rubén Hernández Miranda
Operador de Iluminación: Héctor Díaz Peña
Diseño de Sonido: Rubén Hernández Miranda y Ro Ivanoff
Ingeniería de Sonido: Claudio Siancha
Operador de Sonido: Rodrigo Ponce de León
Fotos: Paula Fernández Rivas
Diseño e Imagen: Nico Ivanoff
Realización Gráfica: Rodrigo Cadenas
Ploteado: Juan Shebar
Prensa y Difusión: Simkin&Franco
Asistencia de Escena: Ro Ivanoff
Adaptación, Puesta en Escena y Dirección General: Rubén Hernández Miranda

 

 

Visión artística del director

“Cuando leí Hedda Gabler en la cátedra de Teatro Universal, en la carrera de Arte Dramático que estaba cursando en la Universidad Nacional de Cuyo, quedé impresionado por la trama y sobre todo por el personaje de Hedda Gabler.

Hedda es una joven impulsada por el destino y las circunstancias a vivir como se puede y no como se quiere. Está atrapada por su prejuicios, sus miedos y el que dirán; y está presa de la mirada de los otros. Esto la convierte en un cobarde y desesperado ser, luchando en su interior por no perder su independencia en un mundo donde las reglas prefijadas y los mandatos, la hacen ocupar un lugar y obligaciones frente a las cuales se rebela constantemente.

Pero más en profundidad, son su terrible incapacidad de amar y sus impulsos descontrolados de maldad, los que la convierten en una protagonista absoluta, responsable de una dinámica perfecta que la hace sucumbir en la oscuridad y salir de allí a fuerza de impulsos, acciones que la llevan a recorrer un camino sin retorno. Además de las circunstancias en las cuales se encuentra inmersa que aceleran el desarrollo de la trama.

Una clase social que desaparece y otra que emerge, un padre fallecido (El General Gabler) y un hijo que crece en su vientre. Un marido (Jorge Tesman) que intenta ocupar un lugar en esa sociedad y que le pide mesura en gastos y lujos. Un viejo camarada (Ejlert Lovborg) que supo amarla en el pasado y al cual ella, al ver sus intenciones hecho a tiros, ahora es una atractiva amenaza. Un amigo influyente de la pareja (el magistrado Brack) que los ha ayudado a comprar esa casa y  la posibilidad a través de él de conseguir un cargo que le permitirá a Tesman la solvencia y tranquilidad necesaria. Pero en el trasfondo Brack ha tejido redes para obtener lo que desea: a Hedda Gabler. Pero solo como un triángulo amoroso. Una ex compañera de instituto y  viejo amor de su esposo: la Señora Elvsted, que acaba de huir de la casa de su marido detrás de su enamorado, el escritor talentoso Ejlert Lovborg. Éste, ofendido por el casamiento de Hedda con Tesman pero además embriagado de vicios, al que Elvsted ha ayudado a reformar. Las tías de su esposo, una muy enferma y la otra –la Tía Juliana Tesman- haciendo todo lo posible para que a su sobrino no le falte nada; y finalmente la criada Berta, que conoce a Tesman de pequeño y que ahora sirve también a la señora de las casa. Su mirada y su silencio hace notar que sabe todo lo que allí pasa y es para  Hedda una amenaza constante. Es así cómo entre peripecias, circunstancias y hechos, la trama va creciendo a tal punto que todo se transforma en verosímil, y el espectador está tan atrapado como Hedda y como el resto de los personajes, ansiosos por llegar al final. Seres presos de sí mismos que viven como pueden. Una aguda critica social, que los desnuda desde sus miserias, sus miedos y sus deseos exponiéndolos a las sorpresas del destino”.

Rubén Hernández Miranda

Director General

¿Cómo encarar la Puesta en escena de dicho drama?

Antes que nada, el director tuvo la necesidad de conocer en mayor profundidad la producción de Ibsen y su vida, para poder instalarse en su pensamiento, como ser y como artista. Entender lo que él quería plantear. Desde su hecho creativo, desde su inspiración, desde su lógica, desde la época y la historia.  Necesitaba encontrar ese común denominador que lo ayudara a entender y administrar el super objetivo Y así poder asumir  el compromiso que significa adaptar una obra de tamaña riqueza dramática y ponerla en escena hoy, desde su propio hecho creativo. Desde una nueva dramaturgia. Entender el “¿para qué?”. ¿Para qué escribió lo que escribió?,¿ para qué Hedda Gabler hace lo que hace? ¿Para qué los personajes hacen y dicen lo que dicen? Pero antes era necesario reconocer algunos factores importantes: Hedda Gabler, de Henrik Ibsen, es un drama realista, que presenta como  choques de fuerzas la voluntad individual y el peso del orden social, inserto además en un marco cambiante. Plantea  la transición, el puente entre dos épocas y los conflictos que esto genera en el individuo. Una sociedad que ha dejado de ser netamente aristocrática a una donde predomina la burguesía con poder económico. Sin duda Ibsen, considerado como el máximo representante “de la obra bien hecha”, tal como dijera el premio Nóbel Bernard show refiriéndose a la obra bien constituida, donde personajes y temas son verosímiles, perfectamente creíbles, por lo que al espectador le es fácil identificarse con ellos. Técnicamente, éste es el más brillante de sus dramas; “nunca había sido tan conscientemente artístico como aquí”.

Hedda Gabler nos conduce a los círculos de la sociedad mediana de Noruega, que carece de elegancia pero tiene una cultura propia donde en las últimas generaciones produjo grandes y extraños hombres de talento, sin poder y sin posibilidades de colocarlos en las condiciones necesarias para su desarrollo. Ibsen nos muestra cómo la sociedad noruega paraliza el desenvolvimiento de sus miembros. En Hedda Gabler, parece haber querido mostrarnos que una significativa y fuerte personalidad se ve obligada a alternar en aquel ambiente.

Ibsen pinta sarcásticamente a la sociedad noruega, Una sociedad sin aristocracia y sin tradiciones. No hay que asombrarse. Los más celebres pintores, escultores, músicos y poetas noruegos estuvieron siempre lejos de su patria, vagando en el extranjero.Además, la política externa de Noruega fue siempre tranquila y no dramática.

Ibsen nos presenta una Hedda, hija de un general noruego, que aparentemente fue un militar de escritorio; “sus pistolas nunca fueron manchadas de sangre”.

Al analizar a Hedda Gabler, sentimos que la sociedad noruega, a pesar de ser tan joven, es sin embargo, original.  Tenemos la sensación de que se libró de la sociedad danesa y no tomó casi nada de la sueca. La sociedad noruega es joven y se desarrolló con un espíritu propio. Sin embargo, aquella originalidad primitiva  impresiona como algo imperfecto, casual, no formado aún.

Ibsen es un gran conocedor de la naturaleza humana. Comprende tan bien a los hombres que instintivamente puede inventar cosas muy reales, que nunca ha visto. Lo que nos lleva a valorar su técnica y el estilo que lo caracteriza. Es un técnico admirable, tanto en esta obra como en los dramas anteriores.

Ibsen es un evolucionista en la medida que va adoptando sus temas a ciertas cosas en progresión continua. De joven, los asuntos morales y los asuntos reales pero lejos del hoy, incrustados a una esfera de tiempo fuera de su alcance. Luego, las cuestiones concretas de su sitio y de su actualidad, sean morales o físicas, que a diario podía ocultar perfectamente. En este sentido Ibsen y su obra se compenetran con armonía cabal, porque a raíz de las crisis sentimentales de su adolescencia él fue- y pudo no pasar de ahí- un escritor subjetivista, como tantos grandes intelectuales. Nunca queda quieto; aporta planteos revolucionarios- o revulsivos- ante el espectador, exponiéndole hechos y contradicciones que la vida de la burguesía en ascenso va a su vez presentando en el panorama real. No pasa de ahí. Supera la antigua escena, sabe gritar sin ayuda del melodramatismo las cosas que marchan a tuertas y se muestra remiso en responder con justeza cuál es el rumbo que debieron seguir para marchar derechos, dejando en claro que lo esencial;”es la rebelión del espíritu humano”.

Henrik Johan Ibsen

Dramaturgo y Poeta Noruego, es considerado el más importante dramaturgo noruego y uno de los autores que más ha influido en la dramaturgia moderna. Padre del drama realista moderno y antecedente del teatro simbólico.

En su época, sus obras fueron consideradas escandalosas por una sociedad dominada por los valores victorianos, el cuestionar el modelo de familia y las sociedades dominantes. Sus obras no han perdido vigencia y es uno de los autores no contemporáneos más representado en la actualidad.

Uno de los máximos defensores del teatro de Ibsen fue el premio Nobel Bernard Show, quien dijo: su teatro “es el máximo representante “de la obra bien hecha”  refiriéndose a la obra bien construida donde personajes y temas son verosímiles, perfectamente creíbles, por lo que al espectador le es fácil identificarse con ellos.

La obra dramática de Henrik Ibsen puede dividirse en tres etapas. Una primera etapa romántica que recoge la tradición y el folclore noruego. En estas obras retrata lo que él consideraba defectos del carácter noruego. Obras significativas de este periodo son:

Brand (1866). Simbólicamente retrata la falta de solidaridad de escandinava frente a la invasión prusiana de Dinamarca; su protagonista el sacerdote Brand sacrifica a su mujer y a su hijo por mantener sus principios.

Peer Gynt (1868). Mediante su protagonista Peer, un soñador inconsecuente sin fuertes convicciones que deja todo a cargo de su fantasía, caricaturiza el genio noruego.

Una segunda etapa sería la que se ha llamado realismo socio-crítico. En este período se interesa por los problemas sociales de su tiempo y los convierte en tema de debate. Los estrenos de sus obras se convirtieron en grandes polémicas cuando no en grandes escándalos. Ibsen en estas obras cuestiona los fundamentos de la sociedad burguesa. De esta etapa son sus obras de tesis:

Casa de muñecas (1879). Desde sus primeros estrenos, Nora, su protagonista, y su portazo final, se convirtieron en bandera del feminismo y su autor en abanderado. Ibsen plantea en esta obra, con el matrimonio Helmer, la relación entre sexos. Según sus propias palabras:

«Existen dos códigos de moral, dos conciencias diferentes, una del hombre y otra de la mujer. Y a la mujer se la juzga según el código de los hombres. [...] Una mujer no puede ser auténticamente ella en la sociedad actual, una sociedad exclusivamente masculina, con leyes exclusivamente masculinas, con jueces y fiscales que la juzgan desde el punto de vista masculino».

Casa de muñecas se estrenó en gran parte de los países de Europa generando una enorme polémica, siendo inevitable posicionarse a favor o en contra de su protagonista Nora, su portazo final fue motivo de escándalo (Ibsen cambió este final para su estreno en Alemania), sectores opinaron que era un ataque a los fundamentos de la familia.

Espectros (1881). Su protagonista la señora Alving, siguiendo el consejo del pastor Manders, vive junto a su marido simulando ser feliz, siguiéndole en sus vicios e intentando ocultarlos, preservando la imagen respetable que la sociedad mantiene sobre él. Estrenada en Berlín fue prohibida el día de su estreno, fue igualmente prohibida durante quince años en Noruega al considerarla disoluta y revolucionaria.

Un enemigo del pueblo (1882). Quizá esta obra surja como contestación a los ataques que Ibsen sufrió por su obra Espectros. Es el drama de un hombre de convicciones frente al pragmatismo de la sociedad. Su protagonista, el Doctor Stockmann, denuncia que las aguas del balneario, principal fuente de ingresos del pueblo, están contaminadas y son un peligro para la salud. Las fuerzas sociales del pueblo tratan de ocultarlo y queda solo en su denuncia. En un momento dado el Doctor Stockmann se expresa así: «He descubierto que las raíces de nuestra vida moral están completamente podridas, que la base de nuestra sociedad está corrompida por la mentira». Y cuando al fin queda solo y debe abandonar el pueblo con su familia la obra termina con su juicio, tal vez el sentimiento de Ibsen después del estreno de Espectros: «El hombre más fuerte del mundo es el que está más solo».

El pato silvestre (1884). En esta obra aun siendo realista da un paso hacia la tercera etapa del autor, el simbolismo. Este drama, aparentemente, ya no sería social sino íntimo, en el que nos habla sobre si es posible al hombre regenerarse; pero extendiendo el simbolismo, ese pato silvestre herido que se aferra al fango del fondo del lago para morir, bien podría ser una sociedad que se niega a oír la verdad, que sería su salvación, y se aferra a su mentira. Su personaje el Dr. Redling dirá a modo de conclusión: «La vida podría ser bastante agradable si no llamasen a la puerta esos acreedores reclamando el cumplimiento de los ideales a pobres hombres como nosotros».

La tercera etapa de Ibsen es la simbolista, en esta etapa predomina un sentido metafórico. Son obras significativas de esta etapa: La dama del mar (1888), Hedda Gabler (1890) y El maestro constructor (1892)

Uno de los máximos defensores del teatro de Ibsen sería el premio Nobel Bernard Shaw . De su teatro diría que es el máximo representante de «la obra bien hecha», refiriéndose a la obra bien construida, donde personajes y trama son verosímiles, perfectamente creíbles, por lo que al espectador le es fácil identificarse con ellos.

El teatro de Ibsen influyó en otros autores de su tiempo, en los entonces jóvenes Strindberg y Chejov. El teatro del siglo XX es su deudor y aun hoy sus obras no han perdido vigencia siendo muy representadas en todo occidente.

Rubén Hernández Miranda

Cursó la especialidad en la escuela de teatro de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Cuyo. Obtuvo la beca del Fondo Nacional de las Artes  y realizó perfeccionamiento actoral con Juan Carlos Gené, Carlos Gandolfo y otros.

Ha obtenido el premio Juventud RC Internacional 1984; Estrella de Mar revelación 1993, por “Anclado en Madrid”;  Nominación mejor actor estrella de Mar;  Joven sobresaliente 1993 (UCIM). Los Andes 1993; Fundación Congreso 1993, Nominación Revelación Trinidad Guevara por "XII  hombres en pugna", entre otros.

En televisión realizo programas infantiles de entretenimientos y (Magazine)  “Entrecasa”  como conductor.                                                                

Ha participado como actor en miniseries "El jardín del infierno"; "La Condena de Gabriel Donley"; "Cebollitas"; "Rebelde Way"; "Rincón de luz"; "Floricienta" y otras producciones de televisión y cine.

Como actor ha transitado obras de importantes autores: En Teatro: "Locos de verano", de G. Laferrére; "Médico a palos", de Moliere; "Telarañas", de E Pavlovsky; "Un amor esdrújulo", de E. Segovia; los musicales de su propia autoria: "Estamos aquí", Dir. Noemi Salmerón; “El próximo alistamiento”, Dir. Sandra March; "No con golpes"; "En el país de los sueños" (infantil) y "A la hora de la siesta" (infantil); Anclado en Madrid, con dirección Máximo Moyano y “Vade retro”, de Marsillach; “Marathón", de R. Monti; “El Banquete”, de Platón, con Dirección Mónica Mafía;  “Mariana Pineda", de F. García Lorca, con dirección de Jaime Kogan; “XII hombres en pugna”, de Reginald Rose, con  dirección de China Zorrilla; “Solo para héroes”,  con Juan Carlos Puppo; “Anclado en Madrid”, de Roberto Ibañez, con dirección de Hector Calori; “Venus en Camisón”, Music hall; “Héroes”,  con Juan Carlos Puppo; “Juan”, de Miguel Tabarovsky.

Ha dirigido fiestas de la vendimia de su propia autoría: "Tiempo de Vendimia"; "Brindis por un  pueblo" y  “Vendimia del camino largo” 

 “Hay o no hay hombres”, con textos de Fontanarrosa; "Minas", de Diana Lía Amiama; “El televidente” y “El bisco”,  de Marta Degracia; “Venus en camisón”, Music Hall; “La valija”, de Julio Mauricio; “Tío Vania”, de Antón Chejóv; “A propósito del tiempo”, de Carlos Gorostiza; “Pequeña historia de una victima”, de Miguel Tabarovsky; “Parecen ángeles”, de Jorge Ramos; “Oiga, Chamigo Aguará”; de Adela Basch; “Medida por medida”, de William Shakespeare; “Juan”, de Miguel J. Tabarovsky; “Prohibido suicidarse en primavera” ,de Alejandro Casona; “La Malasangre”, de Griselda Gambaro; “Juan”, de Miguel Tabarovsky (2° y 3° temporada).

Creó la Escuela Nueva escena, formación integral del actor con diseño Ontológico. C.A.B.A, y Campana Centro Cultural La Rosa. Hoy es director General del Teatro Luisa Vehil. Es Presidente de la Asociación Civil Teatro Luisa Vehil.

Está dedicado a pleno a la docencia, la investigación, la dirección, la actuación, la gestión cultural y la dramaturgia.

Esperando al DOC BUENOS AIRES.

Esperando al DocBuenosAires DocBuenosAires anuncia la creación de un nuevo espacio de difusión del mejor cine documental: se trata del ciclo Esperando al DocBuenosAires, que tendrá lugar el segundo lunes de cada mes, siempre a las 19 horas en la Alianza Francesa de Buenos Aires (Av. Córdoba 946), con entrada libre y gratuita.   Durante estas funciones, DocBuenosAires presentará una selección de las mejores obras proyectadas a lo largo de los últimos años de la muestra y que, en la mayoría de los casos, luego no han tenido estreno comercial en nuestro país. La Muestra Internacional de Cine Documental DocBuenosAires celebra este año trece ediciones consecutivas y se llevará a cabo del 17 al 27 de octubre.   La primera función de Esperando al DocBuenosAires se llevará a cabo el lunes 8 de abril con la presentación de   VENGANZA POR UNO DE MIS DOS OJOS Un film de Avi Mograbi       El director más político del cine actual y uno de los más originales retoma en su cuarto largometraje la personal batalla fílmica que libra desde hace años contra el gobierno de Sharon y la injusticia de la situación palestina. Mientras Mograbi, que reúne las condiciones de gran cineasta y apasionado militante, aguarda la inminente prisión de su hijo que se niega –como él lo hizo en su momento– a servir en un ejército de ocupación y trata de mantener la esperanza en la razón y el diálogo, la película le descubre al espectador las vergonzosas aristas del fanatismo y sus consecuencias: el abuso sobre los débiles, la apología de la brutalidad, la pedagogía del odio y la ceguera frente a las contradicciones que precipitan a Israel hacia un abismo. El film es la contracara de las lágrimas de cocodrilo de los extremistas que los medios se encargaron irresponsablemente de transmitir al mundo durante el reciente desmantelamiento de las colonias de Gaza.   Quintín / Catálogo DocBuenosAires 2005.   Avi Mograbi nació en el año 1956 en Israel. Estudió en la Escuela de Arte de Ramat Hasharon, y Filosofía en la Universidad de Tel Aviv. En los años ’80 fue el portavoz del movimiento Yesh Gyul, conformado por reservistas que rechazaban servir en los territorios ocupados. Actualmente es miembro de Ta’ayush, organización de militantes pacifistas judíos y árabes que proveen ayuda humanitaria a los territorios ocupados. Junto al productor Osnat Trabelsi, coorganiza proyecciones mensuales de películas palestinas en la Cinemateca de Tel Aviv. En sus films, Mograbi construye una reflexión sobre lo que cimenta el cuerpo social de Israel, a través de sus personajes de ficción, que contribuyen a proyectar en los espectadores un proceso de identificación con las realidades que capta su cámara. Entre otras películas documentales, Mograbi dirigió Z32, Venganza por uno de mis dos ojos (Selección Oficial fuera de concurso en el Festival de Cannes 2005), Detail (ganadora del Gran Premio del Festival de Cine de Bilbao, 2004, el Aprile Award en el Festival de Milán, el premio Michael Moore al mejor documental en el Festival de Cine Ann Arbor), August (ganadora del premio a la mejor película en el It 's all True Documentary Festival) y At the back.   Esperando al DocBuenosAires se lleva a cabo con la colaboración de la Alianza Francesa y del Servicio de Cooperación y Acción Cultural de la Embajada de Francia en Argentina.   trailers del film: http://www.youtube.com/watch?v=vuNYhyXAWlo http://www.youtube.com/watch?v=FvpruBhMGpg