Verso y reverso exposición de Rodrigo Vergara con curaduría de Teresa Riccardi y Museo Sívori. Lenguaviaje: la despoesía de Augusto de Campos curada por Gonzalo Aguilar. En el marco de BIENALSUR.

Verso y reverso. Rodrigo Vergara

Con curaduría de Teresa Riccardi, directora del Museo Sívori

La exposición Verso y reverso propone una exploración de la memoria, a través de la indagación de lo popular y su existencia en lo musical, centrada en la conformación del mestizaje y la construcción popular de la identidad. La escena musical chilena entre 1985 y 1995 fue una respuesta a la década anterior, pero también una fusión con el molde internacional del momento, distribuido a través de los canales tradicionales, como las radios locales y las ediciones nacionales. La música, como eje articulador, atravesará la exposición, tanto en su dimensión material como en su carga simbólica, evocando relatos individuales y colectivos en constante transformación.

Lenguaviaje: la despoesía de Augusto de Campos

Muestra del poeta, ensayista, traductor y crítico nacido en San Pablo, ciudad en la que vive actualmente. Los visitantes pueden explorar el universo de este destacado artista reconocido por llevar la poesía más allá de las palabras, explorando el arte visual, la música y el video.

Explica su curador, Gonzalo Aguilar, que “en esta muestra se exhibirán piezas pertenecientes a su desarrollo vital y creativo, que tiene sus hitos en la fundación del movimiento de poesía concreta, en su colaboración con el grupo tropicalista y en su trabajo último, más personal, pero que sigue manteniendo un marcado acento político y social”.

Estas exhibiciones se realiza en el marco de la participación de la red de MuseosBA en BIENALSUR, la plataforma cultural más extensa del mundo.

(prensa: gcba)

Entradas

Público General: $10.000

Residentes Argentinos y/o Extranjeros (con DNI): $2.000

Todos los días sin cargo: Menores de 12 años. Personas con discapacidad y

acompañante. Jubilados, docentes y estudiantes con acreditación.

Miércoles gratis

Horarios

Lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19h

Sábados, domingos y feriados de 11 a 20h

Martes: cerrado

EFEMÉRIDES AUDIOLUMÍNICAS. En la exposición de Otto Soria en Galería Liliana Rodríguez. Por el Salón de los Rechazadxs.

 

Guillermo Angelelli en EL CORAZÓN DEL MUNDO, de Santiago Loza con dirección de Lautaro Delgado Tymruk y Sofía Brito en el Teatro del Pueblo

 

LUNES 20 HS. EN EL TEATRO DEL PUEBLO

Compañía Seremos presenta a modo de díptico con la renombrada obra Seré, una reversión de esta obra

tan necesaria para estos tiempos:

EL CORAZÓN DEL MUNDO

Una obra de Santiago Loza

Con dirección de Lautaro Delgado Tymruk y Sofía Brito

Actúa Guillermo Angelelli

Un hombre camina de noche por la vereda y es golpeado de un palazo por un vagabundo. Cae, pero antes de llegar al piso su cuerpo estalla, se triplica, vive en un instante tres vidas distintas. O quizás más. Nace y muere y vuelve a nacer en otros cuerpos. A veces es uno y a veces es toda la humanidad.

Actor: Guillermo Angelelli

Diseño de luces: Ricardo Sica

Asistencia de dirección: Mariano Mandetta

Dibujo del afiche: Matías Iván Delgado

Realizador de la pantalla Pepper Ghost: Cristian Matías Amaya

Asesoramiento visual: Paula Cotton, Sebastián Zavatarelli y Fede Castro

Producción general: Lautaro Delgado Tymruk y Sofía Brito

Equipo del Film holográfico

Dirección: Lautaro Delgado Tymruk

Asistente de dirección: Violeta Palukas

Dirección de fotografía: Leonardo Pazos

Eléctrico y gafer: Jerónimo Prieto

Directora de Arte: Abigail Cohen

Asistentes de arte: Juliana Capparelli y Arlene Campbell

Vestuario: Laura Cacherosky

Asistente vestuario: Magdalena del Mar Rodríguez

Maquillaje y peinado: Alberto Moccia

Montaje: Nicanor Loreti, Fernando Szurman, Roly Rauwolf

Producción: Felicitas Luna

Asistente de producción: Silvia Oleksikiw

Sonorización: La máscara de las voces

Actuación en film holográfico: Facundo Delgado, Matias Delgado, Sophia Beretta Delgado, Anabella Bacigalupo, Arlene Campbell, Juliana Capparelli, María Cristina Cernuda, Abigail Cohen, Gabo Correa, Micaela Cortina, Magdalena Del Mar Rodriguez, Natacha Delgado, Mercedes Domínguez, Juan Marcelo Duarte, Diego Gentile, Juan Pablo Gómez, Simón Avila Muñoz, Nicolás Herzog, Eliana Kern, Maya Kim, Felicitas Luna, Armenia Martinez, Gustavo Martínez, Jose Mehrez, Florencia Méngoli, Sang Min Lee, Alberto Moccia, Filiberto Mugnani, Lorena Muñoz, Alberto Navarro, Silvia Oleksikiw, Violeta Palukas, Manuel Pandelo, Deborah Petersen, Jorge Prado, Jerónimo Prieto, Javier Puebla, Adrian Pugach, Brenda Pugach, Corina Romero, Celeste Silanes, Alejandro Star, Chang Sung Kim, Alicia Tymruk, Susana Varela

Agradecimientos: Marco Bailo, Templo Limón, Ezequiel Rodriguez, William Prociuk, Andamio 90, Alejandro Samek, Celina Yañez, Hector Bordoni, Andrés Binetti, Teatro del Pueblo,

Con el apoyo de: Sagai, Ala Norte, Mulata Films, Subterranea Films, Casa Honduras.

Producción general: Compañía Seremos

Dirección general: Lautaro Delgado Tymruk y Sofía Brito

Funciones: lunes 20 hs.

Duración: 60 minutos

TEATRO DEL PUEBLO

Lavalle 3636, CABA, Reservas: 1141681505

Web: http://www.teatrodelpueblo.com.ar

Entradas por Alternativa Teatral

Santiago Loza y Lautaro Delgado Tymruk se conocieron estudiando en la Carrera de Dramaturgia de la EMAD. Hace un tiempo Loza le pasó la obra para que la lea. Lautaro decidió dirigirla. Se dispuso trabajar con un dispositivo de ilusión óptica que cree algo similar al efecto producido por los hologramas: presencias flotando en la escena del teatro que no están. Comenzó a ensayar la obra y a filmar en paralelo. Se creó un equipo de montaje teatral ensamblado a un equipo de rodaje con más de 40 actores y actrices.

Su formación como actor y en dirección cinematográfica lo ayudaron a afrontar el desafío. Y también su conocimiento en el mundo de la prestidigitación. La obra es artesanal. Es también un experimento, un laboratorio que permite el juego de energías desatadas. El estreno de la obra fue en octubre del 2019.

Pasaron casi 6 años desde aquel entonces. Pasó la pandemia. La obra sólo pudo hacerse algunos meses. Lautaro convoca a Sofía Brito para volver a hacerla pero codirigirla junto a ella y rediseñar la puesta, alterarla. Previo a esto habían codirigido la obra Seré que fue muy bien acogida por la crítica, el público y además fue seleccionada en el FIBA 2024. Ahora, como dupla creativa que trabaja en colaboración, deciden trabajar con el actor y maestro de teatro antropológico Guillermo Angelelli.



Palabras de Lautaro Delgado Tymruk

Lo que verán en la obra no es real. O quizás sí, nunca lo sabremos. Verán el estado de inconsciencia del sujeto golpeado o su alma sumergiéndose en distintos cuerpos. Siendo testigo de su muerte, de su nacimiento. Por las bambalinas de la vida. Observando el flujo vital. El corazón del mundo. Quise generar una obra de umbrales, donde pueda verse una constelación de dimensiones; donde los actores puedan entrar y salir de cuerpos. Cuerpos que transitan su drama. Lo único que tienen. Investigué diferentes tipos de ilusiones ópticas. Llegué a un efecto anterior al holograma, el efecto 'Pepper Ghost', un antiguo truco de magia que se utilizaba en los teatros antes de 1900 para hacer apariciones de gente a través de un sistema de reflejos. Lo más parecido a trabajar con fantasmas. El nuestro es entonces un teatro fantasmal. Teatro fantasmático. De presencias. Será lo más parecido a crear una tercera dimensión. La que se crea entre la relación entre la primera (la real) y la segunda (la virtual). En esa relación se creará la otra, una terceridad. Y así, gracias al enorme trabajo de un equipo talentosísimo y metódico, mis tres pasiones, el teatro, el cine y la magia, confluyen en escena.

Aquí la pregunta más importante. ¿Por qué reestrenarla casi 6 años después? Porque creemos que ese hombre que es golpeado en escena somos todos nosotros. Es este presente oscuro y desamorado el que nos golpea. El capitalismo más salvaje y deshumanizado cosificando a los sujetos. Necesitamos urgentemente un despertar existencial del humano alienado. Decidimos crear un díptico. El corazón del mundo y Seré deben leerse juntas a modo de conjuro. Así como Seré decimos es un manual de supervivencia El corazón del mundo es un manual para despertar. Los dos obras como cuerpos poseen vasos comunicantes compartidas. Serán un espejo delante del otro. Una puesta en abismo.

Teatro de restos. ¿Una obra que ya se hizo puede volver a hacerse utilizando los restos de la puesta anterior? ¿En qué se transforma? ¿Qué media entre el actor y el público además de la pantalla?



Palabras de Santiago Loza

Una puesta que se vincula con los orígenes de la imagen cinética. El corazón del mundo tiene algo de acto de espiritismo, relato visual de fantasmas y apariciones. Un juego con una lógica delirante donde aparecen visiones que pertenecen a los sueños, los más bellos y también los terribles. Es un espectáculo artesanal y sofisticado; un mecanismo de una belleza sombría que nos toma por completo. Un intérprete que con eficacia y una enorme entrega emocional, logra conmover. El corazón del mundo es una puesta que nos lleva a los ritos del primer asombro. Genera espacialidad y resonancias a ese texto, lo vuelve una experiencia extraña e íntima al mismo tiempo. Delicada y brutal, desconcertante, genera una contemplación hipnótica. Espectros, imágenes que parpadean, movimientos leves, voces, evocaciones. Como si resignificara un antiguo espectáculo de luces y sombras y lo presentara en un presente incierto; como si estuviésemos descubriendo todo por primera vez o recordando antes de un próximo final. El corazón del mundo es un espectáculo que experimenta en la forma con delicadeza y humor triste. Un viaje sutil, particular y entrañable.

DOM 10/8 - 16hs. Presentación del libro MIS DIAS CON EL CINE de Rodolfo Durán en el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken. Entrada libre y gratuita

 

MIS DIAS CON EL CINE

de Rodolfo Durán

Editorial Dunken

Disponible en Librerías Cúspide

NUEVA PRESENTACION

Domingo 10 de agosto

Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken

Agustín R. Caffarena 51, La Boca

PROGRAMA DOBLE RODOLFO DURAN

A las 16 hs - Proyección de Dirigido por… de Rodolfo Durán (2005, 98 min.)

A las 18 hs - PRESENTACIÓN LIBRO Mis días con el cine de Rodolfo Durán, con la presencia de Rodolfo Durán y Cynthia Sabat

Actividad libre y gratuita

Rodolfo Durán recorre aquí su trayectoria profesional en el cine argentino, desde estudiante y meritorio hasta realizador y productor. Hizo todo el escalafón de la industria entre los 70 y los 80, por lo que constituye un testimonio privilegiado de una forma de filmar ya desaparecida. Pero además Durán es cinéfilo y se formó en las salas populares de Buenos Aires durante los 60 y 70, que fue el último gran período cosmopolita de nuestra cartelera. Así aparecen en su relato extraordinarios films, hoy muchas veces olvidados o postergados en el canon configurado por una crítica ortodoxa y reciente. Por eso estas páginas tienen el valor adicional de documentar una época en que el cine –en tanto fenómeno ritual y masivo– ocupaba un lugar privilegiado en la vida social porteña."

Fernando Martín Peña

El director Rodolfo Durán presenta su libro

MIS DIAS CON EL CINE,

una cartografía de su pasión cinéfila

El próximo domingo 10 de agosto se presentará el libro MIS DIAS CON EL CINE, del director Rodolfo Durán, en el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken, Agustín Caffarena 51, La Boca. La entrada es libre y gratuita. A las 16hs se exhibirá el documental Dirigido por... (2005, 98 mins) y a continuación, a las 18hs se presentará el libro. Participarán Rodolfo Durán y Cynthia Sabat.

El documental reúne el testimonio de 28 directores de cine, quienes dialogan, disienten y acuerdan sobre el modo de hacer cine. El guión, la producción, la puesta en escena, los actores, el estreno, la crítica, la generación del '60, la censura y el llamado nuevo cine argentino son algunos de los temas del debate. Un amplio mosaico sobre filmar en Argentina.

Rodolfo Durán es un experimentado director cinematográfico, que conoce todas las áreas del quehacer del cine gracias a su carrera en la industria, al lado de grandes directores. Pero además, cuenta con una filmografía como director, guionista, productor, a lo largo de la cual tuvo el privilegio de dirigir a actores emblemáticos de nuestro cine como Ulises Dumont, Ana María Picchio, Daniel Fanego, entre otros.

Mis días con el cine recoge los recuerdos y las reflexiones de un cinéfilo. Desde muy chico Durán experimentó intensas experiencias en los cines de barrio, al asomarse tanto a grandes películas como al "cine en continuado", que los fines de semana lo tenía siempre en la butaca. De alguna manera esta autobiografía es una declaración de amor al cine, y además un recorrido del camino que lleva a un cinéfilo a convertirse en un director de cine.

Fernando Martín Peña expresa: "Rodolfo Durán recorre aquí su trayectoria profesional en el cine argentino, desde estudiante y meritorio hasta realizador y productor. Hizo todo el escalafón de la industria entre los 70 y los 80, por lo que constituye un testimonio privilegiado de una forma de filmar ya desaparecida. Pero además Durán es cinéfilo y se formó en las salas populares de Buenos Aires durante los 60 y 70, que fue el último gran período cosmopolita de nuestra cartelera. Así aparecen en su relato extraordinarios films, hoy muchas veces olvidados o postergados en el canon configurado por una crítica ortodoxa y reciente. Por eso estas páginas tienen el valor adicional de documentar una época en que el cine –en tanto fenómeno ritual y masivo– ocupaba un lugar privilegiado en la vida social porteña."

Sobre Rodolfo Durán

Director - Productor - Guionista - Asistente de producción

En 1978 inicia su actividad cinematográfica desempeñándose como ayudante y asistente de dirección en más de 25 largometrajes.

En 1998 inicia su carrera como productor y director con el largometraje ficción “Cerca de la frontera”.

Es docente en la carrera de Diseño de Imagen y Sonido, FADU, UBA desde 1994.

Ha participado en diversos jurados en festivales nacionales y ha sido miembro en preselección de proyectos del INCAA.

Desde 2014 tiene a su cargo la productora SOY CINE SRL con la que ha realizado sus proyectos desde entonces.

FILMOGRAFÍA COMO DIRECTOR

LOBOS (2019) Largometraje Ficción. Director y coproductor. Con Daniel Fanego, Luciano Cáceres, César Bordón, Alberto Ajaka.

EL KARMA DE CARMEN (2014) Largometraje Ficción. Director y coproductor. Con Malena Solda, Laura Azcurra,Sergio Surracco, Manuel Callau.

CUANDO YO TE VUELVA A VER (2013) Largometraje ficción. Director y coproductor. Con Ana María Picchio, Manuel Callau, Malena Solda.

VECINOS (2009) Largometraje ficción. Director, coproductor y coguionista. Con Tina Serrano, Sergio Boris, Mercedes Funes, Juan Minujin.

TERAPIAS ALTERNATIVAS (2007) Largometraje ficción. Director, coguionista y coproductor. Con loria Bloise, Mario Bogado, Manuel Callau, Pablo Cerri.

DIRIGIDO POR… (2004) Largometraje documental. Director y coproductor. Con Lucrecia Martel, Adrián Israel Caetano, Daniel Burman.

CERCA DE LA FRONTERA (1999) Largometraje ficción. Director, guionista y coproductor. Con Ulises Dumont, Claudio Gallardou, Víctor Laplace

EL CINTURÓN DE OLIVIA, una película de Jeremías Magnaghi Rudy. ESTRENO COMERCIAL: 14 DE AGOSTO

SINOPSIS

Olivia (Agustina Cabo), una joven estudiante de Astrofísica, se ve obligada a salir con sus mejores amigos, Gigi (Carolina Kopelioff) y Enzo (Manuel Ramos), en la noche en que un fenómeno astronómico les permite visitar universos paralelos, obligándolos a confrontar sus decisiones, la raíz de su amistad, y duelos sin resolver.

FICHA TÉCNICA

Título: El Cinturón de Olivia

Guión, Producción y Dirección: Jeremías Magnaghi Rudy

Jefa de Producción: Guillermina López

Productores Asociados: Sofía González, Ariel Cima Herrera

Dirección de Fotografía y Cámara: Federico “Monty” Kaplan

Música Original: Alejandro Marani

Dirección de Arte y Vestuario: Josefina Trápaga

Montaje: Libertad Gómez

Sonido Directo y Postproducción: Alejandro Marani, Agustina Curci, Fernando Boulliet, Florencia Maidana

Año: 2024

Duración: 88 min.

Género: Ciencia Ficción

País: Argentina

ELENCO

Olivia | Agustina Cabo

Gigi | Carolina Kopelioff

Enzo | Manuel Ramos

Nora | Sofía González

Natalia | Tamara Liberati

Ramiro | Diego Sebastián Oria

Mini Olivia | Aitana Firpo

RECORRIDO POR FESTIVALES

LatinUy 16 (Uruguay) | Selección oficial. Ganadora de Mejor Película, Mejor Guion de Largometraje y Mejor Actriz de Largometraje (Agustina Cabo y Carolina Kopelioff, premio compartido).

78º Festival Internacional de Cine de Salerno (Italia) | Selección oficial.

Nox Film Fest (Uruguay) | Selección oficial. Ganadora de Mejor Ópera Prima.

Oklahoma Cine Latino Film Festival (EE.UU.) | Selección oficial. Ganadora de Best Screenplay y Best Actor (Manuel Ramos).

SOBRE LA PELĺCULA

El Cinturón de Olivia es una propuesta de ciencia ficción emocional con ADN argentino. Ambientada en el conurbano bonaerense, combina teorías del multiverso y la física cuántica con una historia íntima sobre vínculos, duelo y amistad. Lejos de los efectos visuales grandilocuentes, la película apuesta por una narrativa cercana, con humor, sensibilidad y un realismo cotidiano que resignifica el género desde una mirada rioplatense.

La protagonista, Olivia, es una joven astrofísica brillante y sensible, atrapada entre el peso del pasado y una tesis que podría cambiar su futuro. Un personaje femenino fuera de molde, empático, auténtico, con el que una nueva generación puede identificarse. La fuerza de la historia se potencia con el vínculo que la une a sus amigos Gigi y Enzo: una amistad que atraviesa el tiempo, los silencios y hasta los universos.

Las actuaciones de Agustina Cabo y Carolina Kopelioff (Mejor Actriz en LatinUy) y Manuel Ramos (Mejor Actor en Oklahoma Cine Latino) construyen una química magnética, que eleva cada escena con verdad y ternura.

En sintonía con propuestas como El Eternauta, que reconfiguran la ciencia ficción desde el conurbano y la resistencia colectiva, El Cinturón de Olivia propone una “trinchera afectiva”: una historia donde lo fantástico y lo emocional se entrelazan con identidad propia. Una película de alto concepto y bajo presupuesto, con alma de barrio y vocación universal.

SOBRE EL DIRECTOR

Jeremías Magnaghi Rudy (Lanús, 1987) siempre tuvo que deletrear su apellido, pero insiste en que queda lindo en una placa de créditos. Connoisseur de cómics y cine spielbergiano (pero no de francés), desarrolló sus instintos narrativos a una temprana edad, tras décadas de arduo entrenamiento frente a la pantalla – pese a las protestas maternales de que fuera a jugar al patio.

Su experiencia incluye decenas de guiones sin terminar, más otra decena que sí llegaron al "FADE OUT". Entre ellos OSO (2014), su primer cortometraje, ganó el premio del Jurado y del Público a Mejor Cortometraje de Ficción en el II Festival Audiovisual Heterogéneo (FAH!) y fue seleccionado en el X Festival Transterritorial de Cine Under.

Su segundo corto, Abrí los ojos (2019), se estrenó en el Espacio AVITAT y fue premiado por Mejor Diseño Sonoro. A partir de ahí, dio vueltas por festivales en Buenos Aires, Londres, Los Ángeles y Nueva York. Actualmente se puede ver en SHORTSTV de DirecTV para EE.UU., España y Latinoamérica.

Como guionista, fue finalista en dos ediciones consecutivas (2020 y 2021) del Warner Bros. TV Writers Workshop, y, en 2021, coescribió junto a Diego Oria la serie Mi Amigo Hormiga para Flow Contenidos.

En 2024, su primer largometraje, El Cinturón de Olivia, fue seleccionado por el festival LATINUY 16 (Uruguay), donde se llevó los premios a Mejor Largometraje, Mejor Guion y Mejor Actriz. La película también fue reconocida en otros festivales de Uruguay, Italia y Estados Unidos.

SINTIÓ ALGO VERDADERO. Una película de Manuel Salomón. Estreno: 21 de agosto

Presenta:

"SINTIÓ ALGO VERDADERO"
Una película de Manuel Salomón

ESTRENO EN CINES: 21 de agosto

SINOPSIS

En una Patagonia áspera y a la vez paradisíaca, Leandro se enfrenta a una pregunta tan íntima como universal: ¿es posible imaginar un futuro luminoso cuando todo parece encaminarse hacia la ruina?

El presente resulta inspirador, mientras se entrelaza con memorias filmadas en Super 8mm durante los años 60 y 70, en la misma locación, como si el pasado aún latiera entre las piedras, bosques y paredes de madera, abriendo una grieta entre lo personal y lo mítico.

Rodada a lo largo de una década (2014–2024), "Sintió Algo Verdadero" se adentra en el conflicto irreparable entre dos hermanos.

Inspirada en la vida del escritor argentino de culto Rafael Pinedo, autor de una trilogía post apocalíptica que espera ser descubierta.

ELENCO

Nicolás Yaya, Pablo Sigal, Katia Szechtman, Guillermo del Río,
Fernando Rozas, Sergio Pletikosic.

FICHA TÉCNICA

Dirección: Manuel Salomón
Guion: Denise Goldman / Manuel Salomón
Producción: Pablo Salomón
Fotografía: Javier Gonzalez Tuñon
Sonido: María Fernanda Sáenz (ASA)
Arte: Camila Pérez
Dirección de actores: Joaquin Sticotti
Asistente de dirección: Carola Salomón
Montaje: Federico Rozas (EDA-SAE) / Gonzalo del Val

DATOS TÉCNICOS

Duración 82 min.
Año: 2025
País: Argentina

ACERCA DEL DIRECTOR
Manuel Salomón

Es editor con 15 años de experiencia en la industria audiovisual, con proyectos que acumulan más de 400 millones de visualizaciones en YouTube, y también de cine “indie”.

En los últimos años amplió su aptitudes como director. Actualmente radicado entre Londres y Buenos Aires.

Le interesa formar parte de propuestas audiovisuales innovadoras, populares y de alta calidad. En 2024 realiza el corto documental Para nada nada, filmado en la Sierra Maestra, Cuba, junto a la EICTV.

En Agosto de 2025 estrenará en Argentina su primer largometraje, la ficción Sintió Algo Verdadero, proyecto que le demandó mas de 10 años de trabajo.



ACERCA DEL PRODUCTOR
Pablo Salomón

Cursa sus estudios en la International Film School en Londres, Inglaterra. Produce y desarrolla multiples films documentales y ficciones. Trabaja con Miguel Pereira, Juan Solanas, Santiago Otheguy, Pablo Reyero, Inés de Oliveira Cézar, Mauro Andrizzi, Gonzalo Arijón; Martin Oesterheld, Fernando Spiner, entre otros. Sus proyectos fueron exhibidos en Cannes, Los Angeles, Berlin, Bafici, Mar del Plata, Rotterdam, Viena, Montreal, Roma, La Habana, etc.

Radio Chorizo: sábados 20 horas. Por la fm 94.1. Tripulan Roberto Camarra, Lucía Luna y Nadine Lamour.

En este episodio:

Con Valentina Cottet, integrante del espacio asambleario Festival ENTRÁ, Encuentro Nacional de Teatro en Resistencia Activa en defensa del Instituto Nacional de Teatro, Argentina.

Con Paula Bernardou, artista que expone El Corte y la Ofrenda, muestra curada por Tobías Calviño y con texto de Emilia Tessi en Espacio Maipú, Maipú 942, Buenos Aires.

Con Delfina Colombo, actriz de Pibitxs del Río, que con texto de Fabián Díaz y dirección de Iván Moschner se presenta en Teatro El Grito, Costa Rica 5459, Buenos Aires.

Radio Chorizo es una radio pirata con un bingo de programación en dos horas.

Banda de Artistas, un programa sin banda ni artistas tripulado por Roberto Camarra

y

Tarde de Tortas, masas finas para una tertulia refinada con Lucía Luna en el timón y Nadine Lamour en la preparación de hierbas.

https://www.youtube.com/watch?v=fd-DRVs_6fo&t=165s

https://radiocut.fm/radioshow/radio-chorizo-1/

Por

fm 94.1

www.radioasamblea.com

De jueves a sábado! LO QUE EL RÍO HACE de María y Paula MARULL en el Astros

Cuarta temporada!!

Aclamada por el público, la crítica y los premios, la obra que llenó el Teatro Astros, ahora sigue conmoviendo de jueves a sábados!

LO QUE EL RÍO HACE
Una obra escrita, actuada y dirigida por María y Paula Marull

La obra record de público en la calle Corrientes, que hizo reír y emocionar a todos los espectadores, con premios de Argentina, Francia y España, ganadora de premios internacionales como los Premios TAlia de España y nacionales ACE a la mejor obra, Trinidad Guevara, María Guerrero y EEBA, reestrena en marzo en el Teatro Astros.

La obra de las hermanas Marull, que fue una de las más destacadas en la temporada 2022, volvió en 2023 a la Sala Cunill Cabanellas del

Teatro San Martín, con entradas agotadas en minutos de ponerse a la venta. Se convirtió en un fenómeno teatral en ese año también.

Se repuso en el Teatro Astros, Corrientes 746, desde junio 2023 agotando las 500 localidades cada función con hasta 5 funciones semanales.

Un suceso teatral que vuelve para seguir emocionando en esta cuarta temporada!

Amelia está desbordada, perdida entre objetos y obligaciones, su presente es una montaña de exigencias que trata de escalar cada mañana.

La muerte de su padre la obliga a volver al pueblo donde pasó su infancia: un escenario vacío donde nada es como lo recordaba; salvo el río, que la invitará a reconocerse en su reflejo o a sumergirse hasta tocar el fondo.

¿Y si ésa que fuimos existiera? ¿Si un día se nos presenta? ¿Si de tanto perseguirnos nos alcanza? ¿Qué haríamos con ella? ¿La reconoceríamos? ¿La abrazaríamos? ¿La ignoraríamos para poder seguir siendo quienes somos?

Elenco: María Marull, Paula Marull, William Prociuk, Mónica Raiola, Mariano Saborido y Débora Zanolli.

Música original, puesta de sonido y voz en Off: Antonio Tarragó Ros

Diseño de iluminación: Adrián Grimozzi

Diseño de vestuario: Jam Monti

Diseño de escenografía: Gonzalo Cordoba Estevez

Supervisión artística: Javier Daulte y Mauricio Kartun

Fotos: Carlos Furman

Producción ejecutiva: Luciana Becerra

Prensa y difusión: Caro Alfonso

Comunicación digital: @bushicontenidos

Dramaturgia, dirección y producción general: María y Paula Marull

Duración: 120 minutos.

Estreno: septiempre 2022. Reestreno: miercoles 5 de marzo 2025

Funciones: jueves a sábados 20 hs.

TEATRO ASTROS

Corrientes 746

www.teatro-astros.com

PREMIOS:

Premio Talía, Academia de las Artes Escénicas de España - Mejor espectáculo latinoamericano 2023

Premio RFI Radio France Internationale/Radio Cultura al Fomento de la Cultura - Mejor espectáculo argentino 2022

Premio Trinidad Guevara - Mejor autoría 2023 - María y Paula Marull

Premio Trinidad Guevara - Mejor actor de reparto 2023 - Mariano Saborido

Premio EEBA - Mejor autoría 2022 - María y Paula Marull

Premio EEBA - Mejor dirección 2022 - María y Paula Marull

Premio EEBA - Mejor actor 2022 - Mariano Saborido

Premio María Guerrero 2023 - Mejor dramaturgia - María y Paula Marull

Premio María Guerrero 2023 - Mejor actuación de reparto - Mariano Saborido

Premio María Guerrero 2023 - Mejor fotografía - Carlos Furman

Premio ACE 2023 - Mejor drama o domedia dramática

Premio ACE 2023 - Mejor música original - Antonio Tarragó Ros

NOMINACIONES:

Nominación ACE – Mejor autor/a – María y Paula Marull

Nominación ACE – Mejor drama y/o comedia dramática

Nominación ACE – Mejor actriz protagónica en drama y/o comedia dramática – María Marull y Paula Marull

Nominación ACE – Mejor dirección de drama y/o comedia dramática - María Marull y Paula Marull

Nominación ACE – Mejor actriz y actor de reparto en drama y/o comedia William Prociuk

Nominación ACE – Mejor actriz y actor de reparto en drama y/o comedia - Mónica Raiola

Nominación ACE – Mejor actriz y actor de reparto en drama y/o comedia -Mariano Saborido

Nominación ACE – Mejor música original - Antonio Tarragó Ros

Nominación ACE – Mejor vestuario - Jam Monti

Nominación ACE – Mejor escenografía - Gonzalo Córdoba Estevez

Nominación ACE – Mejor iluminación - Adrian Grimozzi

Nominación María Guerrero 2023 - Mejor dirección - María y Paula Marull

Nominación María Guerrero 2023 - Mejor actuación de reparto - William Prociuk

Nominación María Guerrero 2023 - Mejor escenografía - Gonzalo Cordoba Estevez

Nominación María Guerrero 2023 - Mejor iluminación - Adrián Grimozzi

Nominación Trinidad Guevara 2023 - Mejor diseño escenográfico - Gonzalo Cordoba Estevez

Nominación Trinidad Guevara 2023 - Mejor diseño de iluminación - Adrián Grimozzi

En 2021 se estrenó, en el marco del ciclo “Modos híbridos” del Complejo Teatral de Buenos Aires, la pieza audiovisual Lo que el río hace. El documental, realizado en pandemia, en el que las hermanas Marull buceaban en las personas y lugares que inspiraron esta obra.

HAY UNA PUERTA AHÍ, una película sobre el enfermo terminal más sano del mundo de los directores uruguayos Facundo & Juan Ponce de León.

 El 7 de agosto llega al Cine Gaumont el documental:  “Hay una puerta ahí”, una película sobre el enfermo terminal más sano del mundo de los directores uruguayos Facundo & Juan Ponce de León.

 

Fernando Sureda tiene ELA y quiere la eutanasia. Pelea por sacar la ley en Uruguay y por ser el primero en aplicarla. En ese camino, el 20 de octubre de 2019, tiene una charla por Zoom con Enric Benito, un médico español especializado en cuidados paliativos. La vida sin embargo les tenía preparada una última sorpresa, una amistad muy especial y un viaje final que nadie imaginaba.

FUNCION ESPECIAL

Sábado 9 de agosto 19:15 hs – Cine Gaumont

Con la presencia de su director, Juan Ponce de León

y de su protagonista, Enric Benito.

Título original: Hay una puerta ahí

Duración: 78 min.

Género: Documental

Idioma: Español

Paises: Uruguay & España

Año: 2024

CON

Fernando Sureda & Enric Benito

Fernando Sureda

Fernando Sureda fue gerente de la Asociación Uruguaya de Fútbol. Falleció a los 70 años a causa de una enfermedad neurológica degenerativa llamada esclerosis lateral amiotrófica (ELA). Padecía la enfermedad desde 2016, aunque se le diagnosticó en 2018. Fue un destacado protagonista en la lucha por la eutanasia legal en Uruguay, junto a su familia, y deseaba ser el primero en aplicarla.

Enric Benito

Enric Benito (Mallorca, 1949) se licenció en Medicina en la Universidad de Zaragoza en 1972. Hizo la especialidad de Oncología Médica en el hospital Sant Pau de Barcelona en 1976 y se doctoró en Medicina por la Universidad de Barcelona en 1990. Realizó el Máster en Cuidados Paliativos en la Universidad de Barcelona en 2000. Ha sido coordinador de la Unidad de Cuidados Paliativos del hospital Virgen de la Salud y del hospital Joan March en la isla de Mallorca entre 1999 y 2009. Coordinador del Programa Autonómico de Cuidados Paliativos de las Islas Baleares entre 2010 y 2017 y coordinador del Grupo de Espiritualidad de la Sociedad Española de Cuidados Paliativos (SECPAL) entre 2006 y 2015. Es miembro de Honor de la SECPAL desde 2014. Actualmente es profesor invitado en varias universidades españolas, portuguesas y de América Latina.

DIRECTORES

Facundo Ponce de León

Es un comunicador que creó un estilo que conecta con el público y con sus entrevistados con una profundidad muy especial. La calidad de los productos audiovisuales que ha creado son un complemento ideal para la calidez de su conducción. Esas condiciones naturales las combina con un trabajo intelectual que lo convirtió en una de las personalidades más creíbles de Uruguay. Nació en Montevideo en 1978 y es Doctor en Filosofía por la Universidad Carlos III de Madrid. Entre sus intereses a la hora de crear contenidos se destacan los temas vinculados a la vejez, los cuidados, el arte, la historia y la política. Facundo integra una nueva generación de comunicadores y su lugar fue cambiar la forma de presentar grandes temas en la pantalla y encontrar una nueva manera de contar pequeñas historias y hacerlas universales.

Juan Ponce de León

Tiene una sensibilidad en su narrativa que ha generado reconocimientos a nivel nacional e internacional. Su dirección en películas documentales, creaciones televisivas y cortometrajes tiene un estilo que lo distingue. Una mirada profunda, creación de climas conmovedores y composición de encuadres que logran que el espectador sienta que está dentro de sus películas. Montevideano, nacido en 1985, egresado de la Escuela de Cine del Uruguay, como director y montajista, realizó múltiples programas de TV, dirigió documentales y participó en diversas ficciones. La calidad en sus creaciones lo ha convertido en el realizador elegido por prestigiosas marcas para dirigir branded content de alta calidad narrativa. .Juan es parte de la nueva generación de directores uruguayos que se han proyectado al mundo y ya ha obtenido reconocimiento.

HISTORIA DEL PROYECTO

Fernando tiene ELA y quiere la eutanasia. Pelea por sacar la ley en Uruguay y por ser el primero en aplicarla. En ese camino, el 20 de octubre de 2019, tiene una charla por Zoom con Enric Benito, un médico español especializado en cuidados paliativos. La vida les tenía preparada una última sorpresa, una nueva amistad y un viaje final que nadie imaginaba.

A través de los nueve meses de encuentros virtuales entre Fernando y Enric, “Hay una puerta ahí” devela la transformación por la que ambos transitan, a través de una nueva mirada de la realidad y de una nueva forma de entender la vida, y de cómo el sufrimiento y el proceso de morir, dan lugar a un nivel de aceptación, gratitud y desapego, absolutamente alejados de la perspectiva desde la que partía Fernando.

EQUIPO TÉCNICO

Dirección & Guión

Juan Ponce de León & Facundo Ponce de León

Casa productora

Mueca Films

Producción Ejecutiva

Ramón Cardini, Lucila Bortagaray & Facundo Ponce de León

Producción Creativa

Andrés Rodríguez Colombo

Montaje

Guillermo Madeiro & Juan Ponce de León

Música original

Luciano Supervielle

Postproducción de audio

La Mayor

Foto fija

Leo Barizzoni

Postproducción de imagen

COLOUR Studio

Diseño Gráfico

Andrea Di Cione & Chico Jofilsan

Distribución

Santa Cine

Prensa

Erica Denmon

"Drácula”, la nueva película de Luc Besson llega al cine el 14 de agosto.

 

“DRÁCULA” Llega al cine la nueva visión del clásico dirigida por Luc Besson y protagonizada por Christoph Waltz. Se trata de una historia de amor, oscuridad y redención que se reinventa con la mirada del aclamado director francés. El icónico vampiro regresa a la pantalla grande en una producción que mezcla horror, romance y fantasía. El reparto lo completan Caleb Landry Jones (“Get Out”, “Nitram”) y Matilda De Angelis (“Citadel: Diana”) y Zoë Bleu ("Gonzo Girl"). Estreno en cines 14 de agosto. Este 14 de agosto llega a los cines “Drácula”, una nueva adaptación cinematográfica del clásico de Bram Stoker que une el estilo visual inconfundible de Luc Besson (“El Quinto Elemento”, “Lucy”) con la intensidad actoral de Christoph Waltz (“Django sin cadenas”, “Bastardos sin gloria”). Como si fuera poco, el filme cuenta con una banda sonora compuesta por el gran Danny Elfman (“Batman”, “El Joven Manos de Tijeras”). "Drácula" reinterpreta el mito del vampiro a través de una narrativa profundamente emocional, donde el amor trasciende el tiempo y la muerte. La historia sigue a un príncipe del siglo XV que, tras perder a su esposa, desafía a Dios y se transforma en vampiro. Siglos después, en el Londres del siglo XIX, encuentra a una mujer que parece ser el reflejo de su amada perdida, iniciando una persecución que sellará su destino. El reparto lo completan Caleb Landry Jones (“Get Out”, “Nitram”) y Matilda De Angelis (“Citadel: Diana”) en una producción internacional entre Francia y Reino Unido que apuesta por una estética gótica moderna, efectos visuales impactantes y una narrativa cargada de emociones intensas. Este film se suma a la nueva ola de adaptaciones del terror romántico, al nivel de producciones recientes como “Nosferatu” (2024) y “Crimson Peak” (2015). “Me interesaba más su dimensión artística que su oscuridad” “Todo comenzó porque Caleb Landry Jones y yo queríamos volver a trabajar juntos. Un día, en el rodaje de “Dogman”, le pregunté qué le gustaría hacer después. Hablamos de las grandes figuras clásicas, en particular de los personajes monstruosos, y surgió el entusiasmo compartido por Drácula. Volví a leer la novela, lo que reforzó mi deseo de embarcarme en este proyecto. El libro, en esencia, es una historia de amor, aunque en su época fascinó más por su dimensión fantástica y sangrienta. Con el tiempo, el personaje se volvió un monstruo mítico. Pero para mí, sigue siendo ante todo una historia de amor: la de un hombre que es capaz de esperar 400 años para volver a ver a la única mujer que ha amado y le fue arrebatada por Dios. A partir de ahí, comencé a escribir el guion, sin la intención inicial de dirigirlo, pero terminé apasionándome tanto que decidí hacerlo yo mismo”, destaca Luc Besson y profundiza: “Desde el comienzo, el Conde Drácula tiene un aura real: es el príncipe de la región, y aunque joven, es un líder nato. Quería mostrar que no necesariamente le gusta la guerra: lucha en nombre de Dios, pero preferiría quedarse con su esposa. De hecho, dice: va a ser una batalla sangrienta. ¿De verdad Dios quiere esto? No entiende por qué debe recurrir a tanta violencia y muerte, pero lo hace por fe. Es comprensible que, al regresar de la guerra, se sienta traicionado”. El director agrega que no quería un personaje con “superpoderes” al estilo americano, sino uno con habilidades más plausibles. “Por ejemplo, usa un perfume para atraer a jóvenes mujeres hacia él, ya que no puede ir a donde quiera”, señala. “Me recuerda también al magnate excéntrico William Randolph Hearst: como él, mi Drácula es un esteta, amante de las cosas bellas, telas sedosas, anillos y viajes. Me inspiré más en ese lado dandy que en Nosferatu. Me interesaba más su dimensión artística que su oscuridad”. Besson decidió también ambientar la historia en la capital francesa. “A los ingleses no les molesta convertir ‘Los Miserables’ en un musical, ¿por qué habrían de molestarse porque yo lleve a Drácula a París?”, se pregunta. “También me interesaba la fecha del 14 de julio de 1889: es el centenario de la Revolución, y París está de celebración. Todas las trayectorias de los personajes confluyen en ese momento, y fue una fuente de emoción y dinamismo increíbles. Este contexto también puede explicar por qué un vampiro pasa desapercibido en París: la policía y la población están ocupadas con otras cosas. Me gusta esa construcción, como una sinfonía, que culmina en un clímax: Mina ha desaparecido, Drácula está en escena, el sacerdote no sabe dónde buscarlo. Había ahí una energía que me encantó. Y para quienes conocen mi filmografía, no les pasará desapercibido que amo París”. El cineasta supo de inmediato que Drácula sería Caleb Landry Jones y también que Christoph Waltz interpretaría al sacerdote. “Organicé una proyección anticipada de “Dogman” para él, porque sé que a los grandes actores les interesa más el jugador que el juego. Y cuando vio a Caleb, dijo que sí de inmediato, incluso antes de leer el guion”, cuenta Besson. “Tanto Guillaume como Christoph son muy precisos y siempre están buscando superarse. Personalmente estoy abierto a que los actores me pidan repetir una toma, porque quiero que sientan que el set está a su disposición y que tienen tiempo para expresarse. Christoph se tomaba el tiempo de colocar su voz y sus gestos y para la tercera o cuarta toma ya estaba ‘caliente’. Entonces podía pedirle que retomara algún elemento de la primera o segunda toma, y lo hacía. A veces llegábamos a 15 o 20 tomas, no porque no pudiera hacerlo, sino porque iba construyendo la intensidad poco a poco. A veces, durante 5 o 6 tomas, explorábamos un matiz, y luego otro distinto durante otras 5 o 6. Ese es el momento más importante, porque después, en el montaje, tienes una cantidad de material increíble y el lujo de poder afinar la escena como quieras”. FICHA TÉCNICA “DRÁCULA” Título original: “Dracula: A Love Tale” Fecha de estreno: 14 de agosto Director: Luc Besson Reparto: Christoph Waltz, Caleb Landry Jones, Matilda De Angelis Género: Fantasía, Horror, Romance Distribuye: BF Paris Basada en: la novela Drácula de Bram Stoker

CINE | FUNCION UNICA | JUE 7/8 20hs | CONGRESOS, FRACASO DE UNA TESIS de Belén Ciancio, en el Cine Gaumont

CONGRESOS

FRACASO DE UNA TESIS

(o, ¿acaso soy una bruja y mi madre es el diablo?)

un documental de Belén Ciancio

FUNCION UNICA EN EL CINE GAUMONT

Cine Gaumont - Av. Rivadavia 1635

JUEVES 7 DE AGOSTO - 20HS - SALA 1

Función con la presencia de la directora

¿qué imágenes hacen el diario de una tesis? ¿hay un hilo narrativo en el sonido directo de un ensayo audiovisual? ¿cómo se editan y meditan los recuerdos y las injurias? ¿hasta qué punto es posible modificar hoy una imagen? ¿qué genealogía conecta la linterna mágica con la conquista, la construcción del género y la bruja como proyección social? ¿una película es una alucinación compartida? ¿cómo hacer una documental en cuarta persona del singular?

SINOPSIS

En los eventos académicos suceden cosas que no están en los programas, y la escritura y defensa de una tesis puede tener un giro inesperado, a veces siniestro, que conecta con otra memoria pero también con la resistencia y el arte queer del fracaso. Las imágenes y sonidos de este diario de viaje no corresponden a registros institucionales, se cruzan con diferentes temporalidades, en la búsqueda de una reflexión poética audiovisual (sin esquivar el absurdo), sobre la academia, la extranjería (geográfica y del género) y la orfandad, más allá de la memoria personal.

DATOS DEL ESTRENO

CONGRESOS, FRACASO DE UNA TESIS (Argentina, 2024)

Dirección Belén Ciancio | 84 minutos, Documental de ensayo

Calificación ATP | Distribución Independiente

El 7 de agosto a las 20hs se verá en función única en el Cine Gaumont Congresos, fracaso de una tesis de Belén Ciancio

El próximo Jueves 7 de agosto a las 20hs se realizará una función única en el Cine Gaumont, Avenida Rivadavia 1635, de Congresos, fracaso de una tesis, documental de ensayo y opera prima de Belén Ciancio. Se trata de un diario de viaje y un documental de ensayo, con rasgos experimentales, donde la cámara subjetiva y la narración intentan ir más allá de una primera persona, desde aporías de la identidad, laberintos de la (pos)memoria y el extrañamiento académico.

Belén Ciancio nació en Mendoza, es ensayista y realizadx audiovisual, trabaja cuestiones de cine y filosofía, género e imágenes, poéticas y epistemologías de lo audiovisual. Actualmente es docente e investigadora del CONICET.

Congresos, fracaso de una tesis comienza con una cámara subjetiva en movimiento, una imagen de la Fuente del Ángel Caído en el Parque del Retiro, Madrid. En una habitación, un par de fotos proyectadas y una llamada telefónica. Desde este ahora, en Mendoza, se entrevé el dispositivo de la película: las imágenes que evoca, el título alternativo (o, acaso soy una bruja…), las líneas de diario de viaje, ya un archivo. Comienza desde esta última forma, a partir del desplazamiento desde Madrid, a cuatro congresos en diferentes ciudades y, finalmente, en Buenos Aires.

La perspectiva se sitúa en los márgenes, en los intersticios, entre imágenes y sonidos imperceptibles -aquellos que no suelen aparecer en los videos institucionales. El ensayo va volviéndose así también una reflexión acerca de las imágenes y la representación. En la primera foto proyectada: una niña de dos o tres años, sobre una parva (¿o una pira?), con una tridente en la mano. En el epílogo, la misma imagen con notas, cartas, exámenes y tesis. Entre este principio y final: cuatro paisajes-momentos en ciudades de distintos países, intercalados con un intersticio en Madrid.

“Cuerpos”, en Cádiz, transcurre en los márgenes de un congreso sobre cuerpo y filosofía. Fragmentos alucinatorios de los archivos visuales y cinematográficos que construyen género, como la linterna mágica, una procesión religiosa y un accidente. Entrevistas que devienen conversaciones no académicas.

“Deluuuz”, en Manipal, sur de India, un congreso sobre Gilles Deleuze. Asistentes de distintos lugares intentan comunicarse en “globish” (inglés global) para hablar de “Deluuuz” (el nombre del filósofo pronunciado por personas no francófonas), hasta que empieza a cortarse la luz.

“Escuchar” transcurre entre Bruselas y otras ciudades, durante un coloquio sobre literatura y cine latinoamericanos. Trenes, encuentros y desencuentros, cómo oír nuevos sonidos y voces de resistencia, resiliencia, migraciones y ¿posmemoria?.

“Mujeres y otres” comienza en la Universidad de Buenos Aires. Imágenes de la ciudad, feminismos, géneros, transgéneros y un inconveniente en un panel sobre historia de las mujeres negras en América Latina: se ha asignado un aula con un aforo con un aula menor a la cantidad de participantes.

En el epílogo se precipitan algunas de la líneas del comienzo, con la foto de la niña del tridente: mi madre. Más allá del dispositivo académico y la extranjería en Madrid, entre viaje y viaje, la búsqueda de un hilo en el laberinto visual y sonoro del presente -sus imágenes, símbolos, afectos, diferencias y repeticiones- a través del arte queer del fracaso.

FESTIVALES Y PREMIOS

Festival Graba: Laboratorio de documental

INCAA: Posproducción vía digital

Mapa Federal (PCI), Tutoría Gaspar Scheuer

Pague Underground Film Festival

New York International Women Festival (semifinalista)

Paris Lady Movie Makers Festival (semifinalista)

FICHA TECNICA

Congresos, fracaso de una tesis (Argentina, 2024)

84 minutos | Documental de ensayo

Calificación ATP | Distribución Independiente

Dirección: Belén Ciancio

Producción: Belén Ciancio, Germán Steszak, Camila Menéndez, Gaspar Scheuer

Montaje: Camila Menéndez, Belén Ciancio

Música original: Pablo Volt

Sonido: Gaspar Scheuer

Color: Indio Leiva, Diego Rosales

Diseño: Germán Steszak, Carlos Píscopo

Poemas: Sabrina Barrego

Sobre Belén Ciancio

Ensayista y realizadorx audiovisual. Estudié Filosofía, después de diversos trabajos, mudanzas y países, hice dos maestrías (Universidad de Salamanca, Universidad de Toulouse) y me doctoré en la Universidad Autónoma de Madrid. Actualmente me dedico al audiovisual, a la docencia e investigación en CONICET. He publicado ensayos, artículos, acerca de cine y filosofía, género y (pos)memoria y dos libros: Estudios sobre cine: (Pos)memoria, cuerpo, género e Imágenes paganas: otras memorias, otros géneros. He trabajado en distintas áreas audiovisuales y realizado cortometrajes experimentales: Desenchufado (1998) y Andamios (2011). El documental de ensayo Congresos, fracaso de una tesis (o, ¿acaso soy una bruja y mi madre es el diablo?) es mi primer largometraje.