Curso: El simbolismo de la Divina Comedia, por Leandro Pinkler, en Enero en Malba

CURSO El simbolismo de la Divina Comedia Por Leandro Pinkler

Miércoles 11, 18, 25 de enero, y 1 de febrero de 19:00 a 21:00 Costo: $1080. Descuentos especiales para Amigos Malba. Inscripción en recepción de lunes a domingos (excepto los martes) de 12:00 a 19:30. Inscripción online en www.malba.org.ar/literatura (con costo adicional) Per me si va ne la città dolente, per me si va ne l'etterno dolore, per me si va tra la perduta gente. [La puerta del Infierno]? En el riquísimo universo de imágenes de la obra de Dante se instaura una síntesis de la cosmovisión de la Cristiandad en el paso de la Edad Media al Renacimiento. El viaje de Dante a través del Infierno, el Purgatorio y el Paraíso condensa una historia de la humanidad en la que desfilan los personajes más notables de las tradiciones en los horizontes de la mitología clásica y la fe cristiana. El curso presenta una serie de claves simbólicas como una invitación a la lectura del tremendo texto del poeta toscano. Programa Las moradas del más allá: el destino humano en el horizonte de la eternidad. El viaje de Dante y los seres mediadores (Virgilio, Beatriz). Los 9 círculos del Infierno y sus moradores. Las cornisas del Purgatorio. La ascensión al Cielo y las categorías angélicas. La visión divina: María y la intervención de San Bernardo. La escatología musulmana en la Divina Comedia (conforme a la investigación de Assim Palacios). El esoterismo de Dante de René Guénon. Los Fedeli d 'Amore. Las observaciones de Jorge Luis Borges en Nueve ensayos dantescos. Leandro Pinkler Es licenciado en Letras por la UBA, docente de la cátedra de Lengua y Cultura Griegas de la misma universidad. Traductor de Sófocles y de textos griegos de mitología y religión. Autor de diversos estudios sobre historia de la religión, la filosofía de Nietzsche y el pensamiento tradicional de Guénon. Participó del Diccionario Latinoamericano de Bioética de la UNESCO. Ha participado en grupos de Investigación del CONICET y UBACYT. Es profesor asociado de la Fundación Centro Psicoanalítico Argentino, director del Centro de Estudios Ariadna y codirector de la editorial El hilo de Ariadna.

Fundación Costantini Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires Av. Figueroa Alcorta 3415 C1425CLA Buenos Aires Argentina +54 11 4808 6545 literatura@malba.org.ar

Fotografía: Objetivo Mordzinski, hasta el 01 de Febrero en el CCK

FOTOGRAFÍA Objetivo Mordzinski  Exposición  Objetivo Mordzinski. Un viaje al corazón de la literatura hispanoamericana Inauguración: 15 de diciembre – 19h CCK, Sarmiento 151 Se puede visitar hasta el 1 febrero 2017 Organiza: Acción Cultural España Con el apoyo de la Cooperación española y la colaboración del CCK Objetivo Mordzinski se aproxima fotográficamente a la creación literaria hispanoamericana, desde la mirada del artista Daniel Mordzinski, quien trabaja retratando escritores desde hace más de tres décadas y cuenta entre su obra con numerosas publicaciones de fotografía sobre literatura y, de forma particular, sobre las letras en lengua española.   + info

Enero en Malba: Curso "Zama" de Antonio di Benedetto, por Silvia Hopenhayn

CURSO en el marco de Verboamérica - Colección MALBA
Zama de Antonio Di Benedetto
Por Silvia Hopenhayn


Lunes 9, 16, 23 y 30 de enero de 18:30 a 20:00
Costo: $1080.
Descuentos especiales para MALBA Amigos.
Jubilados, estudiantes y docentes con credencial: -20%.
Inscripción en recepción de lunes a domingos (excepto los martes) de 12:00 a 19:30.
Inscripción online en www.malba.org.ar/literatura (con costo adicional)

Zama, del escritor mendocino Antonio Di Benedetto (1922-1986), es una original pieza literaria. Lírica y misteriosa –como señaló Augusto Roa Bastos–, la novela palpita en la literatura argentina promoviendo imágenes, conflictos y sobre todo, una lengua distinta, que da cuenta de la violencia y la voluptuosidad del continente. Las "tierras lejanas y ajenas" donde se encuentra el protagonista (Zama), ubicadas en un lugar remoto, impreciso, parecen anticipar el futuro exilio del autor. De atisbos exóticos y lengua extrañada, Zama ofrece un paisaje único dentro de la ficción argentina. A la vez, su publicación en 1956, la ubica temporalmente entre las obras cumbres del realismo mágico latinoamericano, pero con una lectura de América completamente distinta. Este curso propone una introducción al autor y su obra, para luego adentrarse en la lectura comentada de la novela Zama, destacando sus más relevantes episodios y hallazgos de escritura.

Programa

Clase 1. Presentación del autor. Vida y obras. Obra inicial: Mundo animal, Zama, El silenciero, Los suicidas. Obras del exilio: Absurdos, Cuentos del exilio y Sombras, nada más... Lecturas de formación, periodismo (diario Los Andes) y viaje a España en 1977. Su novela Zama, concepción, bibliografía. Ubicación geográfica e histórica (imperio colonial español, supuesta colonia en Asunción). Comienzo de la lectura de la novela. Primera parada: dedicatoria ("A las víctimas de la espera"). Principio de la novela, encuentro con el mono muerto. Frases: ritmo y escansión.

Clase 2. Continúa la lectura comentada de la novela, se completa el "Año 1790". Misión y personajes.

Clase 3. Lectura del "Año 1794". Idea de la creación. Deseo de ser padre. Zama y la mujer. El escriba. "Para escribir mi libro no tengo amo".

Clase 4. Lectura del "Año 1799". Historia de Vicuña Porto. El sueño como secreta invasión. Indígenas ciegos. Despedida de la novela, conclusiones y comentarios de los asistentes.

Material complementario a los contenidos del curso
Antonio Di Benedetto Por Juan José Saer 

http://www.malba.org.ar/juan-jose-saer-sobre-antonio-di-benedetto/?v=diario
Video presentación Silvia Hopenhayn

https://youtu.be/JlVgCkMc6a0

Crédito imagen: cortesía Adriana Hidalgo editora.

Silvia Hopenhayn
Es escritora y periodista cultural. Publicó Cuentos reales (2004, coautoría), las novelas La espina infinitesimal (2005), Elecciones primarias (2012) y de próxima aparición Ginebra. Libros de conversaciones y reseñas: La ficción y sus hacedores (2009), ¿Lo leíste? (2013) y Ficciones en democracia (2014). Dictó seminarios en el Colegio Libre de la Universidad Di Tella, en Casa de Letras, en la AAMNBA y dirige el Taller de Lectura: "Clásicos no tan clásicos". En 2016 realizó conferencias magistrales en el Salón Dorado del Teatro Colón sobre El Quijote, y en el Centro Cultural Kirchner sobre Borges. Condujo los programas literarios en televisión: La crítica, El Fantasma, La página en blanco, La lengua suelta, Policiales de colección, Libros que matan; los documentales sobre Manuel Puig, Olga Orozco y Adolfo Bioy Casares (canal Encuentro) y la actual emisión Nacidos por Escrito-Personajes de la literatura argentina en Canal Encuentro. Es Jurado del Programa Sur de subsidio a la traducción en Cancillería. Premios recibidos: Julio Cortázar (Cámara argentina del Libro), Konex de Oro y Premio al Mejor Programa Cultural (UBA, 2013).

Aurora Piano Quartet, gira América del Sur. Último concierto, el 22 de Diciembre en el Museo Fernández Blanco

Jueves 22 de diciembre, 19 horas
Último concierto la XX Temporada Musical - Año 2016
Aurora Piano Quartet
Gira América del Sur
Sede Palacio Noel


Entrada $10.- Bono contribución $10.-


El "Aurora Piano Quartet" , con sede en Ginebra, reúne cuatro talentosos jóvenes en la idea de descubrir repertorio de cuarteto con piano de una manera fresca y dinámica. Su interpretaciones abarcan desde la música clásica a la música moderna.

"Terapia" una comedia de Martín Griner con dirección de Juan Manuel Chifani. Desde el 06 de Enero en Teatro Porteño

ESTRENO 6 DE ENERO A LAS 21 HS

Elenco CELEBRITIES

P R E S E N T A

Terapia

Una comedia de Martín Giner

Dirección Juan Manuel Chifani

Quinta producción del Elenco Celebrities que apela una vez más a la comedia para hacernos reflexionar, a través del humor. La divertida y desopilante relación entre un paciente y su psicólogo es el eje de esta historia.

Funciones: viernes y sábados 21 hs.

Teatro Porteño Av. Corrientes 1630, CABA.

Reservas e informes: 4372-5474 o TuEntrada.com

Localidades: $250 general/ $200 con descuento.

Facebook: Elenco Celebrities Ok

Un consultorio psicológico: Un psicólogo y un paciente con un complejo de Edipo muy grande.

Entre esas cuatro paredes, el paciente poco a poco irá sacando de las casillas a su terapeuta, desandando con inteligencia y humor temas como la incomunicación familiar, los acondicionamientos sociales, la hipocresía, la soledad y la sexualidad.

Bajo la mirada de Chifani, este texto de Martín Giner deviene en potente espejo: Terapia nos confronta a la obligación y necesidad de decir lo que "realmente" vemos; nos invita a recuperar nuestra individualidad despojándonos de posturas y condicionantes. En definitiva: a dejar de lado el miedo a ser y el qué dirán.

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia: Martín Giner.

Actúan: Raúl Benaventos, Fernando Cardona.

Selección musical, puesta en escena y dirección general: Juan Manuel Chifani.

Vestuario, maquillaje y escenografía: Elenco Celebrities.

Diseño Lumínico, gestor cultural y asistencia de dirección: Raúl Benaventos.

Operador y edición de sonido, iluminación: PabloCeccotti.

Diseño gráfico: Saavedra&Barros

Prensa: TEHAGOLAPRENSA

Elenco CELEBRITIES 

Creado en 2011 con la intención de reunir actores y directores provenientes de distintas escuelas y estéticas, cuyo intercambio permitiera trazar diferentes recorridos tanto en la búsqueda como en la experimentación teatral. Desde su creación, hasta ahora, el elenco llevó a escena comedias que invitan a reflexionar a través del humor "Rojo Pasión, Rojo Sangre" (2011), de Adriana Allende; "Las González" (2012) de Hugo Saccoccia; "Sepulcrum" y "El velorio" ambas de Eduardo Bonafede, estrenadas en 2014. A excepción de "Sepulcrum", todas fueron puestas en escena trazadas por la experimentada Graciela Lopresti.

Estrenos 05 de Enero: "Terror 5" de Sebastián y Federico Rotstein

SINOPSIS

Mientras un político es acusado de ser responsable de una tragedia urbanística en la que fallecieron quince personas, en Buenos Aires se entrecruzan diversas historias basadas en leyendas urbanas y en las que hombres y mujeres acabarán enfrentándose a sus demonios interiores. Sexo, violencia y caos se dan la mano en la original estructura de Terror 5. Nadie está a salvo.

FICHA TÉCNICA

Título original: TERROR 5

País ARGENTINA

Duración: 77 min.

Director: SEBASTIAN & FEDERICO ROTSTEIN

Guión: SEBASTIAN ROTSTEIN con la colaboración de NICOLÁS GUEILBURT

Fotografía: MARCELO LAVINTMAN (ADF)

Montaje: NICOLÁS GOLDBART / FEDERICO ROTSTEIN

Dirección de Arte/Diseño de Producción: WALTER CORNÁS / ALICE VAZQUEZ

Diseño de sonido: TENDLER / BERENBLUM / DE ANDRÉS

Música: PABLO BORGHI

Productores: DANIEL WERNER / SEBASTIÁN PERILLO / FEDERICO ROTSTEIN / SEBASTIAN ROTSTEIN

Compañías Productoras: CAMARGO CINE / WERNER CINE

Distribuye: Aura Films

ELENCO

RAFAEL FERRO

GASTÓN COCCHIARALE

WALTER CORNÁS

LU GRASSO

NAI AWADA

JULIÁN LARQUIER

CECILIA CARTASEGNA

JORGE PRADO

AUGUSTO ÁLVAREZ

Y LA ACTUACIÓN ESPECIAL DE MARCOS WOINSKY

Participación en Festivales:

12 L´étrange Film Festival.

49 Festival Internacional de Cine de Catalunya, Sitges.

Mórbido Fest 2016

5 Ithaca Fantastik

39 Denver Film Festival

31 Festival Internacional de Mar del Plata – Competencia Argentina

1 International Film Festival & Awards Macao

38 Habana Film Festival

Biografía de los Directores:

Sebastián Rotstein es guionista y participó de varias series y adaptaciones televisivas como "Vientos de Agua", "Quién es el Jefe", "Aquí no hay quien viva", "Mitos: crónicas del amor descartable" y participó de la serie "La Casa" de Diego Lerman. En cine escribió y colaboró en "Recortadas", "20.000 besos", "Arrebato", "Hipersomnia". Codirigió el aclamado corto "Liebre 105". "Terror 5" es la ópera prima de su hermano.

Federico Rotstein se formó como asistente de dirección en cine y publicidad, también es montajista. Trabajó en "La Antena" de Esteban Sapir, "La Mirada Invisible" de Diego Lerman, "Vaquero" de Juan Minujin, "Construcción de una Ciudad", "Amateur" y "El Gran Simulador" de Néstor Frenkel. Fue montajista de "La Inocencia de la Araña" y "El Corral" de Sebastián Caulier, "Antes" de Daniel Gimelm y "El viento en un violín" de Pablo D´allo Alba. Codirigió el celebrado corto "Liebre 105". "Terror 5" es la ópera prima compartida con su hermano.

Notas de interés:

El cortometraje "Liebre 105" era parte del proyecto original de nombre "Terror 7" del año 2005. Luego de rodar el corto, los directores decidieron concentrarse en un número impar de historias, de ahí "Terror 5". Pero lo cierto es que cuando la sexta historia fue releída al encarar el largo, ambos directores sintieron que era demasiado extrema. Jamás se volvió a hablar de la ahora mítica historia 6.

Los efectos especiales de postproducción fueron hechos en tres países diferentes, Murillo Films de Colombia, Control Studios & Pernich Co de Argentina y Cavemen Post de los Estados Unidos.

Los hermanos Rotstein están trabajando en diferentes proyectos a futuro. Todos en diferentes instancias de desarrollo.

Ellos no sienten que "Terror 5" sea un film de terror sino una película sobre personajes fuertes en el límite de la inocencia.

Los dos son fanáticos de Brian De Palma.

Más información:

Facebook:

https://www.facebook.com/Terror-5-533669710107548/

TERROR 5 (2016) - Official Trailer from WernerCINE on Vimeo.

 

Paisaje: el devenir de una idea. Charla a cargo de Ana María Batistozzi en CCK

El miércoles 21 a las 17h, en el marco del ciclo de charlas y conferencias Hablemos de Arte, los invitamos a la visita guiada a cargo de la curadora y crítica Ana María Battistozzi. El encuentro consiste en hacer un recorrido por la muestra Paisaje: el devenir de una idea, la cual toma como punto de partida la noción de la imagen del paisaje como una construcción cultural. Battistozzi indagará junto al público acerca de las diversas maneras que encontró el arte contemporáneo para dialogar y polemizar con el imaginario fundacional del territorio argentino.

Clásicos del cine mudo, en Malba

De vez en cuando corresponde revisar el canon y comprobar que los clásicos lo son por algo. Durante todo el mes de diciembre, MALBA Cine repasará una serie de films indispensables del período mudo de la historia del cine. Se verán films de Fritz Lang, Alexandr Dovzhenko, F. W. Murnau, Sergei Eisenstein, Vsevolod Pudovkin, Raoul Walsh, King Baggot y Mal St. Clair, entre otros. La gran mayoría se exhibirá en copias nuevas y con acompañamiento de música en vivo, compuesta e interpretada por la National Film Chamber Orchestra.


AGENDA




Películas

JUEVES 1
21:00 METROPOLIS, de Fritz Lang

VIERNES 2
18:00 ARSENAL, de Alexandr Dovzhenko + MV
22:00 NOSFERATU, de F. W. Murnau + MV

SÁBADO 3
24:00 LA BRUJERÍA A TRAVÉS DE LOS TIEMPOS, de Benjamin Christensen

DOMINGO 4
22:00 EL ÁGUILA NEGRA, de Clarence Brown

JUEVES 15
21:00 ESE NO SÉ QUÉ, de Clarence Badger
23:00 EL SÉPTIMO CIELO, de Frank Borzage

VIERNES 16
18:00 EL ACORAZADO POTEMKIN, de Sergei Eisenstein
22:00 LA MADRE, de Vsevolod Pudovkin

SÁBADO 17
24:00 LA BRUJERÍA A TRAVÉS DE LOS TIEMPOS, de Benjamin Christensen

DOMINGO 18
22:00 EL DEMONIO Y LA CARNE, de Clarence Brown + MV

JUEVES 22
21:00 ALAS, de William Wellman + MV

VIERNES 23
18:00 REGENERACIÓN, de Raoul Walsh + MV
22:00 YERBA LOCA, de King Baggot + MV

JUEVES 29
21:00 EL MOZO Y LA GRAN DUQUESA, de Mal St. Clair + MV
23:00 AELITA, de Yakov Protazanov

VIERNES 30
18:00 TEMPESTAD SOBRE ASIA, de Vsevolod Pudovkin
22:00 EL VIENTO, de Victor Sjöström

Antropofagia y Modernidad: arte brasileño en la Colección Fadel, en Malba hasta Febrero

Antropofagia y Modernidad: arte brasileño en la Colección Fadel


Un amplio recorrido por el arte brasileño a través de una selección de más de 150 obras pertenecientes a la Colección Fadel, uno de los acervos más importantes y completos de Brasil. La exhibición ofrece un panorama de los diferentes movimientos modernos ligados a la construcción cultural de Brasil hasta los inicios del arte contemporáneo. Incluye pinturas, dibujos, esculturas y objetos de artistas centrales como Anita Malfatti, Tarsila do Amaral, Candido Portinari, Emiliano Di Cavalcanti, Víctor Brecheret, Maria Martins, Lygia Clark, Hélio Oiticica y Anna Maria Maiolino, entre muchos otros.

Hasta el 26 de febrero >

"De muerte andamos" dirección de Fernanda Gomez, última función 17 de Diciembre

De muerte andamos

Última función sábado 17 de diciembre

Dramaturgia y narración Silvia Copello

Fernanda Gómez Dirección y Puesta en Escena

De Muerte Andamos, un entramado de huellas que nos llegan de Rumania, Egipto, México, Rusia, Argentina, Samoa, Nepal, Hungría, España. La muerte nos trae interrogantes que tal vez los cuentos puedan responder.

Funciones: Sábados a las 21

Teatro del Pasillo: Colombres 35. CABA

Reservas e informes: 49815167/44310028

www.delpasilloteatro.com.ar delpasillo@fibertel.com.ar

Localidades $130 – Estudiantes y jubilados $100

Facebook: De Muerte Andamos

Chema Madoz en Buenos Aires

FOTOGRAFÍA CHEMA MADOZ en Buenos Aires  Exposición Ocurrencias y regalos (para la vista), del fotógrafo español Chema Madoz Inauguración: 6 de diciembre  FOLA Fototeca Latinoamericana, Godoy Cruz 2626  Se puede visitar hasta el 12 de marzo 2017 La exposición reúne 66 fotografías de Chema Madoz (Madrid, 1958), que suponen un amplio recorrido por la obra de uno de los autores de la fotografía contemporánea más destacados, reconocido en España con el Premio Nacional de Fotografía. Las obras de Madoz están consideradas poesía visual. Sus imágenes son agudos poemas, que el autor encuentra escondidos en la realidad y que materializa a través de su cámara para ser "leídos" por los espectadores. Con el apoyo de la Cooperación Española   + info

INDIA Una historia de amor de Silvia Gómez Giusto. En Espacio Callejón.

INDIA
Una historia de amor
de Silvia Gómez Giusto
(Premio Artei 2016)

India es una historia de amor. Una pareja que flota en sus problemas burgueses y que sobrevivirá cuando pueda hacerse la gran pregunta: ¿qué nos hace felices?



Clara: Silvia Gómez Giusto

Leo: Gabriel Yamil

Tere: Julia Catalá

Álvaro: Guillermo Rovira

Benita: Elvira Massa

Analista y Empleada administrativa: Paula Manzone

Uro: Mauro Álvarez



Iluminación: Matías Sendón

Escenografía: Gustavo Coll

Vestuario: Paz Maciel

Fotografías: Roy di Tursi

Supervisión en dramaturgia: Javier Daulte

Colaboración artística: Diego Brizuela

Asistente de dirección y producción artística: Aliana Alvarez Pacheco

Dramaturgia y dirección: Silvia Gómez Giusto



ESTRENO: 21 DE AGOSTO

FUNCIONES: VIERNES 22,15 HS. hasta el 9/12


Duración: 75 minutos



Espacio Callejón

Humahuaca 3759

Localidades: $ 160 y $ 130 (descuentos a estudiantes y jubilados)

Entradas: Alternativa Teatral http://www.alternativateatral.com/obra42665-india

https://www.facebook.com/Espacio-Callej%C3%B3n-608409215915095/


Felicitaciones por la obra. Me pareció per-fec-ta. Creo que captura muy bien cierta rutina de las parejas que están hace tiempo juntas, que no llega a ser hastío, y que por eso siguen apostando a esa relación, pero que necesitan renovar el repertorio de emociones compartidas. Por eso los viajes funcionan como vía de escape perfecta, porque cambian el escenario, conectan con el tiempo de ocio, generan complicidades en la mirada que se tiene hacia los otros... sólo que no siempre funcionan! Por supuesto que la obra retrata los consumos de la clase media pudiente, la que puede permitirse viajar, ir a terapia, eso que muchos llaman los "little white problems", pero desde una mirada humorística muy cómplice, muy querible.



Eugenia Zicavo




Contemporáneos cónyuges y sus recurrentes enfrentamientos

La creación de Silvia Gómez Giusto es un divertido reflejo de las relaciones actuales. La puesta es interesante y muy dinámica. Su buena dirección conjuga un histriónico elenco que se conduce con desparpajo y una incesante búsqueda por los distintos espacios, generando una pieza arriesgada y visceral, apoyada por sencillas composiciones escenográficas, piezas que como un rompecabezas se arman y desarman frente al espectador por los mismos actores, distintas figuras diseñadas con gran maestría por Gustavo Coll. Una propuesta genial y recomendable para empezar el fin de semana.



Christian Dominguez, AR Blasting News

http://ar.blastingnews.com/ocio-cultura/2016/09/india-contemporaneos-conyuges-y-sus-recurrentes-enfrentamientos-001125917.html



Reflexiones divertidas sobre la vida, en escena

Silvia Gómez Giusto tiene dos obras en cartel: India, una historia de amor y Un hombre con gafas de pasta, entre las preferidas del circuito off.

Nota de Alejandro Lingenti para La Nación



http://www.lanacion.com.ar/1947159-reflexiones-divertidas-sobre-la-vida-en-escena




“El tiempo y la distancia permiten escribir desde el humor”

Formada en la danza, la intérprete amplió sus horizontes con la actuación y la dramaturgia. En su nueva obra, que se ve los viernes en Espacio Callejón, asume el protagonismo de una pieza con algo de autobiográfico.

Entrevista a Silvia Gomez Giusto por Carolina Prieto en Página 12



http://www.pagina12.com.ar/5232-el-tiempo-y-la-distancia-permiten-escribir-desde-el-humor




Quiero ser dramaturga y directora de teatro

Entrevista a Silvia Gomez Giusto por Sharon Borgstrom en Postales a casa



http://www.postalesacasa.com/quiero-ser-dramaturga-y-directora-de-teatro-con-silvia-gomez-giusto-y-de-regalo-dos-entradas-para-ver-una-de-sus-obras/




Sinopsis

En tono de comedia dramática, India es una historia de amor en la vida adulta contemporánea. Una pareja en crisis, en un mundo en crisis.

En esa búsqueda interminable, Clara y Leo vagan por el mundo esperando encontrar la solución en alguna parte. Como si el amor que los unió ya no pudiera rescatarlos. Como si la distancia fuera el único camino para volver a encontrarse, distintos, luego de haber transitado ese viaje.

En clave posmoderna, esta es una obra inquieta: de escenas breves y espacios cambiantes. Como si se tratara de un montaje cinematográfico, el aeropuerto se transforma en sala de espera, y posteriormente en bote. Los personajes, incómodos, se desplazan por distintos espacios buscando su lugar en el mundo para poder finalmente ser.



Silvia Gómez Giusto


Comenzó su carrera como coreógrafa e intérprete en danza junto a Andrea Servera y Fabiana Capriotti formando el grupo Iguanas; en teatro bajo la dirección de Vivi Tellas, Andrea Garrote y Agustina Gatto, entre otros.

En 2011 su primera obra Irreal es seleccionada en el ciclo Óperas Primas del Centro Cultural Rojas y a partir de allí inicia su labor como dramaturga y directora. Le siguieron El origen, siete vidas (seleccionada para FIBA 2015 y Escena70 2014). En 2016 es uno de los once directores invitados dentro del Festival Internacional de Dramaturgia Europa + América y tiene a su cargo la dirección de Hombre con gafas de pasta del español Jordi Casanovas. Con India obtuvo el Premio Artei 2016.

Su último trabajo en TV fue en Jostel, escrita por Mariana Chaud para la TV Pública.

Es directora artística de Vicente López en Escena, festival de teatro en espacios inesperados y curadora del ciclo de teatro y seminarios York en Escena, ambos para la Secretaría de Cultura de Vicente López. De 2009 a 2015 fue curadora de Ciudanza, festival de danza en espacios urbanos. Para su formación y producción de obra ha recibido becas y el apoyo del Premio Artei, Goethe Institut, Freiburg Theatre (Alemania), Fondo Nacional de las Artes, Fondo de Cultura del Gobierno de la Ciudad e Instituto Nacional de Teatro.

www.silviagomezgiusto.com

Independencia de Lee Blessing, con dirección de Jorge Azurmendi. En Teatro El Duende.

Se Despide!!! // ULTIMA FUNCIÓN! - Sábado 10 de Diciembre

Independencia

El sábado 10 de diciembre a las 21.30 hs. se realizará la ULTIMA FUNCIÓN de “Independencia”, de Lee Blessing, protagonizada por Cecilia Chiarandini, Lucía Di Carlo, Cristina Dramisino y Anahí Gadda, con dirección y puesta en escena de Jorge Azurmendi. En el Teatro El Duende, de Agustín Alezzo, Araóz 1469. Entrada $150.- (Estudiantes y Jubilados $100.-) – Beneficios en Alternativa Teatral y para Club de Lectores La Nación.- // Tel. – Informes: 48311538


Ambientada en Independence, una pequeña ciudad en el estado de Iowa (EEUU), durante un caluroso verano, la obra se centra en las relaciones personales de las Briggs, una familia desintegrada por la opresión de una madre emocionalmente inestable que se contrapone al deseo de libertad e independencia de sus hijas. El embarazo sorpresivo de una de ellas, rompe y desequilibra las relaciones familiares y trastorna aún más a la madre. Lee Blessing entreteje un melodrama brutal que por momentos parece un espejo invertido de “El zoo de cristal” de Tennessee Williams. La influencia del autor sureño también se puede ver en la descripción de un universo femenino herido o vulnerado por lo masculino.



La Prensa Dijo


"Un sincero naturalismo en consonancia con el realismo psicológico, sello de Blessing. La verdad orgánica cuaja su poderoso impacto emocional",

Luis Mazas, Revista Veintitrés



"Aguda mirada sobre el universo femenino. Un espectáculo que brilla entre lo mejor de la escena alternativa actual”,

Carlos Abeijón, Integrante del Jurado ACE



"La obra interpela al espectador. Las separaciones pueden doler pero también ser necesarias para vivir mejor",

Daniela Yaccar, Diario Página 12



“Jorge Arzumendi asume la dirección de esta versión con solvencia. Los trabajos actorales son muy convincentes”,

Adriana Lauro, Blog A Puro Teatro



"Un melodrama brutal, donde Jorge Azurmendi supo dirigir, preciso, y sacar lo mejor de las cuatro protagonistas, con duelos actorales admirables",

Pablito Lancone, Blog Escenarios Nacionales


"Azurmendi consigue plasmar la esencia del texto. Una propuesta fresca, ágil y con mucho por analizar en el plano psicológico, social y dramático",

Mariela Gagliardi, Blog Sabor a Teatro



“Una obra fuerte que expone en blanco sobre negro las relaciones de poder en los lazos amorosos e invita a reflexionar sobre las historias familiares, propias o ajenas”,

Nuria Gomez Belart, La Cazuela Cultural





Ficha Técnica: Autor: Lee Blessing; Traducción: Cecilia Chiarandini Intérpretes: Cecilia Chiarandini (Kess), Lucía Di Carlo (Sherry), Cristina Dramisino (Evelyn), Anahí Gadda (Jo); Asistente de Dirección:Jennifer Aguirre; Música Original: Gustavo García Mendy; Diseño de Escenografía y Vestuario: Micaela Sleigh; Iluminación: Diego Bellone; Diseño y Fotos de Gráfica: fuentes2fernández; Asesor Coreográfico: Rodolfo Opazo; Asesoramiento en Maquillaje: Julia Giorgio; Fotos y video de escena: Vicky Depheo Dirección y Puesta En Escena: Jorge Azurmendi

Safari de Imagen Nocturna. En Buenos Aires. Guía fotógrafo: Roberto Camarra.

Este es un seminario destinado a la práctica de participantes de nivel inicial con cámara con varialbles manuales, para la toma de fotografías nocturnas. Consta de una reunión previa, la salida fotográfica y una reunión de evaluación del material.

Viernes 16 y sábado 17 de DICIEMBRE

19 HORAS

Guía: Roberto Camarra

Seminario de 3 encuentros orientados a la toma fotográfica y a la práctica de exposición nocturna en espacios de Buenos Aires. Reunión previa, salida y una reunión de revisión a convenir con los participantes

Descripción:

Éste es un seminario de práctica orientado a las tomas de exposición nocturna.

Requisitos: cámara de manejo manual

Cantidad de encuentros: 3

INSCRIPCIÓN salonrechazado@gmail.com

INFORMES: talleresdelaimagen@hotmail.com

Canadian Contemporary Media Art, organizada por el Colectivo Toronto con entrada libre y gratuita, en el Club Cultural Matienzo

Entre el 13 y el 16 de Diciembre, se desarrollará en Buenos Aires la muestra Canadian Contemporary Media Art

organizada por el Colectivo Toronto con entrada libre y gratuita, en el Club Cultural Matienzo (Pringles 1249).



El Colectivo Toronto se dedica a la producción y presentación de arte contemporáneo. Sus miembros, trabajan

en colaboración con otros colectivos, centros gestionados por artistas, galerías y organizaciones de arte.



La muestra contara con la presentación de 4 programas:

IT’S QUEER UP NORTH , EXPERIMENTA CANADÁ, ERRORES DE VIDA y PROYECCIONES



IT’S QUEER UP NORTH

Canadá produce una gran variedad de trabajos independientes en film y video sobre la temática queer,

en dónde los realizadores desafían el status quo a través de films que presentan diferentes temas,

puntos de vista y estéticas.



EXPERIMENTA CANADÁ

Canadá produce una vasta y diversa producción de cine independiente realizada por una comunidad de

cineastas que se extiende de una costa a la otra del país. Este programa es una mirada que refleja

momentos e identidades de relatos experimentales.



ERRORES DE VIDA

Trabajando diferentes medios, tales como: performance, cine, vídeo, instalación y
fotografía, Nicholas Pye y Sheila Pye exploran las dinámicas subyacentes a las relaciones humanas. El

programa ERRORES DE VIDA presenta un trabajo colaborativo entre los dos artistas. Las películas relatan

la atracción magnética de los opuestos. Nicholas y Sheila toman su relación como punto de partida para

una incursión metafórica entre las luchas de poder y los problemas de comunicación entre dos individuos.



Seguida a la proyección se realizará un Q&A via Skype con Nicholas Pye



PROYECCIONES: DANCE TO MISS CHIEF

A lo largo de todo el ciclo, se proyectará paralelamente en la Sala Panamá del Club Cultural Matienzo, el

programa de cortometrajes “Proyecciones: Dance to Miss Chief (video proyecciones monocanal)” que se

encuentra dividido en 4 secciones: Landscape, Native, Body y Animations.

(Esta serie se presentará en loop monocanal. Su duración es de 75'.)



Meé Rose, directora de Fluff Film estará en Buenos Aires para la presentación del programa.

Colectivo Toronto presenta una serie de actividades en Argentina que constan de:

una retrospectiva fílmica de los artistas Nicholas Pye y Sheila Pye. Así mismo, la presentación de una serie de filmes, videos y proyecciones realizadas por artistas contemporáneos canadienses.


Martes 13 de Diciembre 2016, 20:00hs


Club Cultural Matienzo


Pringles 1249 - Buenos Aires


Entrada gratuita


IT’S QUEER UP NORTH


CORTOMETRAJES


Canadá produce una gran variedad de trabajos independientes en film y video sobre


la temática queer, en dónde los realizadores desafían el status quo a través de films


que presentan diferentes temas, puntos de vista y estéticas.


I’m Yours por Chase Joynt - 5:00’ - video, b&n


Inspirado irónicamente en el mítico trabajo del videasta Colin Campbell, el filme


muestra dos personas que tratan de responder aquellas preguntas candentes sobre


la transición de genero.


CHASE JOYNT es un artista y escritor con sede en Toronto cuyo trabajo utiliza


estrategias de participación de primera persona para interrogar las


representaciones de género y violencia. Recientemente galardonado con el premio


EP Canada / Canadá Film Capital Award al Mejor Artista Canadiense, el trabajo de


Chase continúa siendo exhibido internacionalmente. http://chasejoynt.com




Moohead por Deirdre Logue - 1:00’ - 16mm, color


Este film procesado y revelado a mano, está basado en el dolor y la humillación


sentida durante la niñez mostrando desconfianza y vergüenza.


DEIRDRE LOGUE como cineasta se ha centrado en el yo como sujeto. Usando el film


como modo primario de producción, sus autorretratos investigan lo que significa la


ansiedad del “ser” un cuerpo Queer . Logue ha sido prolífica y firme en su


compromiso con la imagen en movimiento y ha producido más de 60 cortometrajes


y videos, incluyendo la serie “Enlightened Nonsense” (1997-2000), diez filmes


procesados a mano basado en las preocupaciones de la infancia.


http://deirdrelogue.com


All That is Left Unsaid por Michéle Pearson Clarke - 2:27’ - video, color


Con Audre Lorde como sujeto. El film explora aquello que no se ha dicho, en


homenaje a su madre que vivió, como Lorde, con cáncer durante 14 años. Presenta


la continua ausencia y pérdida basada en la temprana muerte de mujeres negras.


MICHELE PEARSON CLARKE es una artista nacida en Trinidad con base en


Toronto, que trabaja en fotografía, cine, video e instalación. Utilizando estrategias


archivísticas y performativas, su trabajo explora las posibilidades personales y


políticas sobre las experiencias emocionales relacionadas con el anhelo y la pérdida.


Su trabajo ha sido exhibido nacionalmente e internacionalmente incluyendo en el


centro de la imagen de la Universidad Ryerson, el Festival Internacional de Cine de


Rotterdam, el Festival Internacional de Cortometrajes de Oberhausen y el Museo de


Arte Contemporáneo de Chicago. http://www.michelepearsonclarke.com


Sight por Thirza Cuthand - 3:23’ - súper 8, color


El film cuestiona, a través de su propia historia personal, la posibilidad de perder


parte de nuestras capacidades y la relación con lo que nos rodea.


THIRZA CUTHAND nació en Saskatchewan y creció en Saskatoon. Desde 1995


realiza cortometrajes y videos narrativos sobre la sexualidad, la locura, la juventud,


y el amor. Sus films se han proyectado en festivales internacionales, como el Festival


de Cine de Tribeca en Nueva York, el Festival Mix Brasil de Diversidad Sexual en Sao


Paulo , Hot Docs en Toronto, ImagineNative en Toronto, Frameline en San Francisco,


Out On Screen en Vancouver y el Festival Internacional de Cortometrajes de


Oberhausen en Alemania. Ella completó su BFA que se especializó en Cine y Vídeo


en Emily Carr Universidad de Arte y Diseño actualmente reside en Toronto.


http://www.thirzacuthand.com


Being Green por Jess Dobkin - 3:30’ - video, color


En una provocadora interpretación de la afamada Rana Kermit (Rene), la artista


trabaja sobre el tema del títere y el titiritero provocando a la audiencia a través de


antagonismos sexuales en forma de performance fílmica.


JESS DOBKIN es un artista con base en Toronto. Jess se gradúo del Oberlin Colegue


con un B.A. en Estudios de la Mujer y también posee un M.F.A. en Performance Art


de la Universidad Rutgers. Es miembro del Mark S. Bonham Center for Sexual


Diversity Studies de la Universidad de Toronto. http://www.jessdobkin.com



Untitled (Eleven Years) por Scott Miller Berry - 5:22’ - súper 8, b&n


El film examina aquello que ha quedado atrás cuando alguien muere, y como las


huellas de la memoria emergen en particulares momentos de nuestras vidas.


SCOTT MILLER BERRY es un cineasta con base en Toronto. Ha estado trabajando


con colectivos y organizaciones artísticas y comunitarias durante casi 20 años. Fue


Director del Images Festival, a dirigiendo numerosos proyectos. Tiene una Maestría


obtenida en The New School for Social Research (New York). Las películas de Scott


se han proyectado recientemente en Bangalore, Seúl, Zagreb, Viena, Londres,


Sackville, Quebec, Montreal y Calgary. http://cineparlour.tumblr.com


From Alex to Alex por Alison S.M. Kobayashi - 6:11’ - video, color


Basada en una carta encontrada sobre el paso a nivel de la autopista Winston


Churchill, la cineasta trata de recrear el contenido de la misma.


ALISON S.M. KOBAYASHI. Nació en Mississauga. Ella recibió BA en arte e historia


del arte de la universidad de Toronto. Kobayashi tiene su sede en Brooklyn y


Toronto. Es directora de Proyectos Especiales en UnionDocs, un Centro de Arte


Documental.Su trabajo es multidisciplinario y ha sido expuesto en galerías, museos,


festivales de cine. Kobayashi realiza una variedad de personajes están inspirados en


la extensa colección de objetos perdidos, descartados y encontrados por ella misma.


A través de la interacción repetida con los objetos (escucha, transcripción,


recreación, juego), las narrativas y las imágenes comienzan a manifestar e inspirar


actuaciones, vídeos, instalaciones y dibujos. Ella fue una artista invitada en el 2008


Flaherty Film Seminar y ha tenido un Spotlight en Video Out, Festival Internacional


de Cine de Yakarta. http://www.asmk.ca/welcome/bonjour.html


Beyond the Mirror’s Gaze por Iris Moore - 3:52’ - video, color


Esta entrañable animación muestra la relación de una pareja que intercambia partes


corporales para cuestionar las ideas preconcebidas sobre la idealización y los roles


de género.


IRIS MOORE es un joven artista emergente con sede en Victoria, Columbia


Británica. Principalmente una artista visual que utiliza la animación especialmente


la técnica de top motion para contar historias fantásticas que orientan su mirada


hacia la exploración psicológica y emocional. Sus películas han sido proyectadas en


más de 50 festivales de cine en todo el mundo, en más de 20 países, y ha ganado


siete premios.


Road Trip por Deirdre Logue - 1:00’ - 16mm, color


El film explora un pequeño agujero en el desierto de Arizona, manifestando la


relación del ser con las limitaciones físicas y temporales.


DEIRDRE LOGUE como cineasta se ha centrado en el yo como sujeto. Usando el film


como modo primario de producción, sus autorretratos investigan lo que significa la


ansiedad del “ser” un cuerpo Queer . Logue ha sido prolífica y firme en su


compromiso con la imagen en movimiento y ha producido más de 60 cortometrajes


y videos, incluyendo la serie “Enlightened Nonsense” (1997-2000), diez filmes


procesados a mano basado en las preocupaciones de la infancia.


http://deirdrelogue.com




The Island por Trevor Anderson - 6:00’ - video, color


El film es una irónica utopía tropical poblada por homosexuales. Crítico, ligero, y con


respeto, provoca cierta risa sobre el tema del SIDA y como parte de la comunidad


lgtbq2sa debe sobrellevar las agresiones externas.


TREVOR ANDERSON. Desde 2005 ha escrito y dirigido diez cortometrajes. Su


película más reciente, The Little Deputa, se estrenó en el 20125en el Festival de Cine


Sundance. Las películas anteriores incluyen: The Man That Gota Away, que ganó el


DAD. -Premio de Cortometraje en el Festival Internacional de Cine de Berlín-, su film


The High Lévela Bridgeque fue incluido en el programa del Sundance Shorts Touring


Rock Pockets ganó el premio inaugural Lindalee Tracey en el Festival Hot Docs


como "un cineasta canadiense emergente que trabaja con pasión, humor, un fuerte


sentido de justicia social y un punto de vista personal".


http://www.dirtcityfilms.comEXPERIMENTA CANADA


CORTOMETRAJES


Canadá produce una vasta y diversa producción de cine independiente realizada por


una comunidad de cineastas que se extiende de una costa a la otra del país. Este


programa es una mirada que refleja momentos e identidades de relatos


experimentales.


Bunte Kuh por Ryan Ferko, Parastoo Anoushahpour y Faraz Anoushahpour


6:00’ - video, color


A través de imágenes fotográficas de un álbum familiar que ha sido recuperado


después de mucho tiempo, los narradores, de origen iraní (uno en Canadá y el otro


en Alemania), intentan recordar dos vacaciones familiares.


RYAN FERKO es un artista con sede en Toronto. Trabajando predominantemente


con video e instalación, su recientes trabajos han sido presentados en el Festival de


Cine de Nueva York) Wavelengths un programa especial del Toronto International


Film Festival, Galería Justina M. Barnicke ,Toronto y el Banff Center. Desde 2013, ha


trabajado en estrecha colaboración con Parastoo Anoushahpour y Faraz




Anoushahpour. Juntos, sus trabajos de montaje y montaje han sido presentados en


el Festival Internacional de Cine Rotterdam, Internationale Kurzfilmtage


Oberhausen, el Festival Internacional de Cine de Portland, el Festival Media City


(Windsor / Detroit), Experimenta, Bangalore), el Festival Crossroads de San


Francisco, ZK / U Center Para Arte y Urbanismo, Berlín y la Galería 44 Centro de


Fotografía Contemporánea en Toronto. http://www.ryanferko.com


PARASTOO ANOUSHAHPOUR actualmente radicada en Toronto, su reciente


trabajo de montaje y montaje de películas ha sido proyectado en el Festival de Cine


de Nueva York) Wavelengths un programa especial del Toronto International Film


Festival, Festival Internacional de Cine de Rotterdam, Portland International Film


Festival, Experimenta 2015, Bangalore, Crossroads Festival, San Francisco y ZK / U


Center for Art & Urbanistics, Berlín. http://www.parastooanoushahpour.com


FARAZ ANOUSHAHPOUR Faraz Anoushahpour es un cineasta originario de


Teherán, Irán, que actualmente vive en Toronto. Formado como arquitecto en la


Architectural Association School de Londres, Reino Unido, su trabajo explora los


temas urbanos. Ha trabajado como programador invitado para el Images Festival de


y ha proyectado trabajo en Pleasure Dome. www.farazanoushahpour.com


350 MYA por Terra Long - 5:00’ - 16mm, color


Este film evoca la presencia continua del ya desaparecido océano Reico en la región


del Tafilat en la región del Sahara, y como sus habitantes se relacionan con el mismo.


TERRA LONG es una cineasta independiente y educadora. Crea tapices como obras


que se basan en la narrativa personal, las historias y los espacios entre lo real y lo


imaginario. Ella tiene un doble BFA en producción cinematográfica y estudios sobre


mujeres de la Universidad Concordia rn Montreal y ha completado recientemente el


MFA en producción cinematográfica en la Universidad de York. Sus obras han sido


proyectadas en festivales incluyendo el Festival Internacional de Cine de


Edimburgo, el Club eX en Corea, el Festival Internacional de Documentales de


Ámsterdam, los Archivos de Cine de Antología de Nueva York y los programas


canadienses del Festival Internacional de Cine Rotterdam, El Festival de Cine de


Oberhausen.


It Never Really Happened por Dennis Day - 4:20’ - video, color


Este video elabora una caprichosa metáfora narrativa inherente al documental


forense y las escenas de crímenes.


DENNIS DAY Dennis Day nació en Grand Falls, Newfoundland. Estudió música


clásica y psicología antes de graduarse en arte basado en los medios de


comunicación en el Ontario College of Art & Design. Ha producido una serie de


videos internacionalmente seleccionados, marcados por su fuerte uso de edición,


ricos colores y humor. Ha ganado varios premios, entre ellos el Premio a la Creación


Artística del Consejo de las Artes y las Letras de Quebec, el "Premio Bulloch" al


mejor cortometraje, / Out Gay & Lesbian Festival en Toronto, el "Premio Videofest"


Berlín, y el "Young Director's Award", Ginebra, Suiza. Su trabajo ha sido incluido en


varias exposiciones de museos, incluyendo el Museo de Arte Moderno, Nueva York y


la Galería Nacional de Canadá, en Ottawa.



Thunderbolt por Heidi Phillips - 3:25’ - 16mm, b&n


Un ojo que aparece de la nada atrae físicamente al espectador, mientras que la luz


explora la oscuridad y a su vez envuelve a una mujer que trata de encontrar su


camino en plena tormenta.


HEIDI PHILLIPS es un cineasta experimental con base en Manitoba. Phillips utiliza a


menudo películas súper 8 y experimenta en el cuarto oscuro para desarrollar su


trabajo. Phillips también participa se convierte con frecuencia en parte del


contenido, pues las películas rayadas granuladas se combinan con las imágenes


levantadas de metraje encontrado para crear trabajos hipnotizantes y


trascendentes. Sus películas han sido proyectadas por todo el mundo en galerías y


festivales como The Power Plant en Toronto y Transmiedale en Berlín. También fue


galardonada con el Premio Hothouse del Manitoba Film Festival y fue homenajeada


en la Cinemateca con una retrospectiva de su trabajo.


Poem por Dan Browne - 3:45’ - video, color


Es una oda onírica a la vida cotidiana y la presencia de los seres -uno recién llegado


y otro que partió recientemente-.


DAN BROWNE es un cineasta, fotógrafo y artista multimedia de Toronto, cuyas


obras exploran los patrones, la naturaleza y la percepción sensorial a través de


formas densas y cinéticas. Las películas y los videos de Dan se han presentado en


más de cien festivales y lugares en todo el mundo, entre ellos el Festival


Internacional de Cine de Rotterdam, Art Cinema OFFoff, Diagonal Film Archive, el


Centro Georges Pompidou, el Festival du Nouveau Cinéma y TIFF Cinematheque.


http://danbrowne.ca


Untitled, 1925 por Madi Piller - 9:00’ - 16mm, b&n


En busca de la identidad, la cineasta viaja a las montañas del Perú, recorriendo el


mismo camino que su abuelo realizó en 1925 de Lima a Cuzco. Los vastos y


silenciosos paisajes de los Andes marcan un excelente telón de fondo para este


recorrido personal e histórico.


MADI PILLER es directora de cine, animadora, programadora y curadora


independiente que actualmente vive y trabaja en Toronto. Sus films se han


proyectado en diferentes festivales incluyendo el Toronto International Film


Festival, el Festival de Cine du Jeune, Bienal de la Imagen Movimiento y el Festival


de Animación de Melbourne, entre otros. http://www.madipiller.com


More or Less por Andrew James Paterson - 2:00’ - video, color


Basado en su extrema ambivalencia sobre el minimalismo, el maximalismo y el


modernismo, el artista explora el choque explosivo y las relaciones de las imágenes


de los mismos.


ANDREW JAMES PATERSON es un artista interdisciplinario que trabaja con el


video y el cine, la composición musical y la crítica de arte. Sus videos han sido


presentados y exhibidos a nivel local, nacional e internacional. Paterson fue


anteriormente el cantante principal y escritor principal de una banda llamada The


Government. Paterson ha sido miembro de la junta directiva de Trinity Square


Video, A Space y YYZ Artists 'Outlet. Ha organizado anteriormente programas de



medios de comunicación para la Galería Mercer Unión, la Cinemateca de Ontario,


Pleasure Dome y YYZ Artists 'Outlet y ha publicado artículos de arte mediático y


política cultural para FUSE, PUBLIC, IMPULSE y FILE magazines.


http://andrewjamespaterson.com


This Town of Toronto por Izabella Pruska-Oldenhof - 3:50’ - 16mm, b&n


Este film explora la atmósfera generada a través de archivos pictóricos, fílmicos y


personales que permite mostrar a la ciudad de Toronto en forma atemporal.


IZABELLA PRUSKA-OLDENHOF Es una cineasta con base en Toronto, es asistente


en la Escuela de Artes de la Imagen de Toronto y es graduada en Artes de Medios en


la Universidad Ryerson (BAA) y Comunicación y Cultura en la Universidad de York


(MA) y (PhD). Su investigación doctoral se centró en la estética femenina en el cine


de vanguardia y el arte corporal y en las teorías de Julia Kristeva sobre la poesía de


vanguardia y la filosofía de ética de Luce Irigaray. Los proyectos de cine y video de


Izabella han sido proyectados en numerosos programas en festivales


internacionales de cine, galerías y centros de arte en Canadá y en el extranjero. Los


proyectos de Izabella recibieron muchos premios de festivales de cine, así como


subvenciones del Consejo de las Artes de Canadá, Ontario Arts Council, ONF, LIFT y


la Universidad Ryerson. Es cofundadora y miembro activo del colectivo de cine


experimental de Toronto, The Loop Collective (www.loopcollective.com). Su trabajo


como artista y académica es interdisciplinario y a menudo explora conexiones entre


el arte, los cuerpos y la tecnología.


Famous Diamonds por Daniel McIntyre - 6:00’ - video, color


Basada en un siglo de imagines publicitarias sobre diamantes, este cortometraje


muestra la obsesión personal y las consecuencias de querer y de ser querido.


DANIEL MCINTYRE es un artista que trabaja principalmente con el cine para crear


trabajo sobre la memoria, la identidad y la historia. A través de la experimentación


con el procesamiento manual de sus films, su práctica artística se basa en la


manipulación física de los materiales para alterar la creación de la imagen. Desde


que se graduó de la Universidad de York, ha estado creando obras cinematográficas


galardonadas y expuestas en todo el mundo en lugares como Oberhausen


Kurzfilmtage, el Festival Internacional de Cine Rotterdam, Cinémathèque


Québécoise, el British Film Institute, Istanbul Modern y el Museum of the Moving


Image . Además de formar parte de jurados como Queer Lisboa, MIX Copenhague y


el Consejo de las Artes de Canadá, ha estado trabajando en imágenes en movimiento


con Pleasure Dome, Inside Out LGBT y Images Festival.


http://www.danielmcintyre.info



Miércoles 14 de Diciembre 2016, 20:00hs


Club Cultural Matienzo


Pringles 1249 - Buenos Aires


Entrada gratuita


RETROSPECTIVA


ERRORES DE VIDA


Nicholas Pye y Sheila Pye


http://www.nicholaspye.com


http://www.nickandsheila.com


Trabajando diferentes medios, tales como: performance, cine, vídeo, instalación y


fotografía, Nicholas Pye y Sheila Pye exploran las dinámicas subyacentes a las


relaciones humanas. El programa ERRORES DE VIDA presenta un trabajo


colaborativo entre los dos artistas. Las películas relatan la atracción magnética de


los opuestos. Nicholas y Sheila toman su relación como punto de partida para una


incursión metafórica entre las luchas de poder y los problemas de comunicación


entre dos individuos. Sin embargo, su trabajo mantiene una ambigüedad dramática


acerca de la naturaleza de las relaciones, tales como el vaivén de la atracción y los


diferentes roles de género. La pareja disecciona sus propios límites y saca a relucir


la riqueza de la intimidad. Sus películas son inquietantes y melancólicas y también


exploran el aislamiento y el existencialismo. Nicholas y Sheila juegan con las


hipótesis derivadas de las facetas de una relación y se utilizan a sí mismos como


sujetos de investigación entre las dualidades de la atracción, repulsión, dependencia


y pérdida. ERRORES DE VIDA explora los ciclos de la intimidad y la vida conyugal.


SHEILA PYE nació en las cercanías de Hamilton, Ontario. Estudió pintura,


fotografía y vídeo en el Ontario College of Art and Design. Sheila completó su


maestría en producción de películas en la Universidad de Concordia en Montreal.


Actualmente, vive y trabaja en Madrid, España. Sheila ha escrito, dirigido y


producido 9 cortometrajes y actualmente está desarrollando su primer


largometraje. Su trabajo ha sido expuesto internacionalmente en galerías de arte,


museos y festivales de cine.


NICHOLAS PYE nació en Torquay, Inglaterra. Vive y trabaja en Toronto. Nicholas


completó una maestría en Bellas Artes en la Universidad de Concordia en Montreal,


y recibió su título de grado en el Ontario College of Art and Design. Su práctica


artística se desarrolla en cine y fotografía. Sus trabajos han sido exhibidos en


museos como el Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas, Washington, DC; el Museo


Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España; Galerie Nationale du Jeu de


Paume, París, Francia; Museum of Contemporary Canadian Art, Toronto, Canadá;


The Power Plant, Toronto, Canadá, el Museo Glenbow, Calgary, Canadá; y la Galería


de arte Gran Victoria, Columbia Británica, Canadá. Su trabajo ha sido presentado en


numerosos festivales de cine internacionales como el Festival Internacional de Cine


de Toronto; el Festival Internacional de Cine de Suiza y Les Rencontres


Internationales en París, Berlín y Madrid. Martes 13, Miércoles 14, Jueves 15 y


Viernes 16 de Diciembre 2016.


Club Cultural Matienzo - Sala Panamá


Entrada gratuita


PROYECCIONES


Artistas por orden alfabético


Calendar Girls por Lisa Birke - video, color


Doce chicas de calendario ejemplifican diferentes tipos de carácteres que entran en


diversos paisajes que representan los meses del año. Inicialmente, todas las chicas


se quedan inmóviles frente al observador durante un periodo de tiempo hasta que


una cacofonía de estilos musicales que provoca que se comiencen a mover como


bailarinas clásicas, vogue, hip hop, baile salón, etc. El trabajo es una exploración


humorística de las expectativas sociales de la mujer como símbolo de la estética.


LIZA BIRKE es una galardonada artista visual canadiense que trabaja en diferentes


medios tales como la pintura, el video digital y el arte de la performance. Ella recibió


un MFA con distinción de la Universidad de Waterloo, Ontario. Ha tenido


exposiciones individuales en todo Canadá y sus cortometrajes han sido proyectados


en festivales de cine y centros de arte internacional. http://www.lisabirke.com


Alberta por Dan Browne - video, color


Alberta presenta una visión intensificada de las experiencias percibidas, un juego


vertiginoso y sin fin que explora la imagen en movimiento como parte del propio


ambiente donde el entorno se convierte en arquitectura. Un viaje atemporal de los


parques nacionales de las Montañas Rocallosas.


DAN BROWNE es un cineasta, fotógrafo y artista multimedia de Toronto, cuyas


obras exploran los patrones, la naturaleza y la percepción sensorial a través de


formas densas y cinéticas. Las películas y los videos de Dan se han presentado en


más de cien festivales y lugares en todo el mundo, entre ellos el Festival


Internacional de Cine de Rotterdam, Art Cinema OFFoff, Diagonal Film Archive, el


Centro Georges Pompidou, el Festival du Nouveau Cinéma y TIFF Cinematheque.


http://danbrowne.ca



Passage 14 por Alexandre Larose - 35mm, color


Como resultado de una investigación acerca de la memoria, las horas y lugares


físicos, esta producción explora un camino de hierbas que parte desde su casa


familiar en Quebec hasta un muelle de madera rodeado de agua azul. El efecto es


fascinante, capturando el ritmo de caminar sobre la hierba, la oscilación de hojas a


lo largo del camino, capas de cielo azul y nubes por encima del mismo, los fantasmas


de niños corriendo, un barco que vibra atracado en el muelle y el brillo de la luz


sobre el agua. Es como si el paisaje se llenara de vida para alcanzar y tocar al


espectador.


ALEXANDRE LAROSE es un artista franco-canadiense con sede en Montreal.


Completó un bachillerato en ingeniería mecánica. Larose se interesó por la


cinematografía como una herramienta para reconfigurar las experiencias


temporales. Su práctica de imágenes en movimiento investiga fenómenos de


apariencia y representación traducidos por los medios de la óptica y el celuloide. Su


enfoque se basa en un despojo metódico y la técnica de los artefactos visuales. Su


trabajo ha sido proyectado internacionalmente desde 2006.


Dance to Miss Chief por Kent Monkman - video, color


Kent Monkman enfrenta la idealización de los nativos norteamericanos en el cine,


contra el control y la sensualidad del postcolonial alter-ego de los conquistadores


europeos. La señorita Miss Chief Testickle de Monkman canta Hazte a un lado de J.Lo


y Cher. Miss Chief Testickle tiene un nuevo video sexy en la pista del club: “Dance to


Miss Chief” que es una crítica lúdica de la fascinación que los europeos tienen de los


nativos norteamericanos. Este remix contemporáneo es una ficticia celebración de la


visión del oeste norte americano idealizada por Karl Friedrich May.


KENT MONKMAN es un artista canadiense de ascendencia Cree que trabaja con una


variedad de medios, incluyendo pintura, cine / video, performance e instalación. Ha


realizado exposiciones individuales en numerosos museos canadienses, entre ellos


el Museo de Bellas Artes de Montreal, el Museo de Arte Canadiense Contemporáneo


de Toronto, la Galería de Arte de Winnipeg y la Galería de Arte de Hamilton. Ha


participado en varias exposiciones de grupos internacionales, entre ellas: The


American West, Compton Verney, en Warwickshire, Inglaterra, Remember


Humanity en Witte de With, Rotterdam, la Bienal de Sydney 2010, My Winnipeg en


Maison Rouge, Paris y Oh Canada ! Sus de video han sido proyectadas en varios


festivales nacionales e internacionales, incluyendo la Berlinale y el Festival


Internacional de Cine de Toronto. Su obra pictórica está en numerosas colecciones


públicas y privadas, incluyendo la Galería Nacional de Canadá, el Museo de Arte de


Denver, el Museo de Bellas Artes de Montreal, el Museo de Londres, etc.


http://www.kentmonkman.com


Self-portrait in alterNation between ascension and descent


por Jude Norris/Tatakwan - video, color


Esta video instalación presenta el autorretrato de la artista en la escalera mecánica


de la biblioteca de Brooklyn, vistiendo un traje indígena del 1800 de piel de ciervo,


hecho a mano por la artista. En un perpetuo movimiento que cambia sutilmente,


podemos observar una lúdica y surrealista acción que se convierte en el simple



acto de tomar medidas y estar presente para convertirse en símbolo de exploración


de los paradigmas indígenas y post-coloniales relacionados con el medio ambiente,


el tiempo, la tecnología y el movimiento espiritual.


JUDE NORRIS/TATAKWAN (Kehiyow Tatakwan Awasis) Es una artista multi-


media de origen Cree/Metis de Alberta, Canadá, actualmente con sede en Ontario,


Nueva York y Okanagan Valley. Estudió bellas artes formalmente en el Reino Unido


y Canadá, así como aprendiendo en las formas tradicionales de arte de las Primeras


Naciones (amerindias) y prácticas culturales / ceremoniales. Jude fue galardonada


con la prestigiosa beca Chalmer's Arts Fellowship, ella ha recibido premios del


Consejo de las Artes de Canadá, la Fundación Alberta para las Artes y el Consejo de


las Artes de Ontario, su trabajo ha sido exhibido, proyectado internacionalmente.


http://www.judenorris.com


Fluff Film por Mée Rose - video, color


Este trabajo de vídeo es un experimento acerca del auto retrato y el amor propio, del


sadomasoquismo y el sexo como una aventura solitaria en busca del crecimiento y la


transformación. Es un viaje para encontrar un lugar donde también se puede curar y


donde las imágenes cuentan la historia de un cuerpo extraño.


MEE ROSE es una artista “queer” de sexo femenino que utiliza la fotografía y el video


para explorar su vida, pasado, presente y futuro. Hasta ahora, ha trabajado


principalmente en autorretrato erótico. https://meeroseart.com


Crawl: Altes Museum Berlin por Alize Zorlutuna - video, color


Arrastrándose hacia atrás, esta intervención publica en el Altes Museum en Berlín,


forma parte de una serie de intervenciones que Alize realiza en diferentes museos


alrededor del mundo, cuestionando las colecciones de artefactos históricos no


occidentales, específicamente del mundo islámico. Zorlutuna lleva a cabo esta ardua


hazaña como una crítica sobre los efectos de la colección cultural.


ALIZE ZORLUTUNA es una artista interdisciplinaria que trabaja con la instalación,


el video y la performance para investigar temas relacionados con la identidad, la


sexualidad “queer” las relaciones de la femineidad en la cultura musulmana y las


relaciones post-coloniales de cultura y la historia, así mismo plantea trabajos sobre


la intimidad y la tecnología. Alize vive y trabaja en Toronto.


https://alizezorlutuna.wordpress.com


Once en movimiento, Expresiones Abstractas en Animación - video, color, b&n


Es un programa de animación curado por MADI PILLER y comisionado por Toronto


Animated Image Society y The Petman Fundation que explora, a través de cineastas


y animadores independientes, la obra del grupo artístico P11. El Grupo de los 11 fue


un grupo de artistas que se agruparon en 1953 en la ciudad de Toronto. El programa


presenta los siguientes artistas:


RICK RAXLEN (inspirado en la obra de Harold Town)


PATRICK JENKINS (inspirado en la obra de Kazuo Nakamura)


ÉLISE SIMARD (inspirado en la obra de Alexandra Luke)


RICHARD REEVES (inspirado en la obra de Walter Yarwood)


NICK FOX-GIEG (inspirado en la obra de Oscar Cahén)


FÉLIX DUFOUR-LAPERRIÉRE (inspirado en la obra de Jack Bush)



ELLEN BESEN (inspirado en la obra de Tom Hodgson)


STEVEN WOLOSHEN (inspirado en la obra de Jock Macdonald)


PASQUALE LAMONTAGNA (inspirado en la obra de William Ronald)


CRAIG MARSHALL (inspirado en la obra de Ray Mead)


LISA MORSE (inspirado en la obra de Hortense Gordon)


http://www.vtape.org/artist?ai=1530


MADI PILLER es directora de cine, animadora, programadora y curadora


independiente que actualmente vive y trabaja en Toronto. Sus films se han


proyectado en diferentes festivales incluyendo el Toronto International Film


Festival, el Festival de Cine du Jeune, Bienal de la Imagen Movimiento y el Festival


de Animación de Melbourne, entre otros. http://www.madipiller.com


Reconocemos el apoyo del Consejo de las Artes de Canadá, que el año pasado


invirtió $ 153 millones de dólares para acercar el arte a los canadienses en


todo el país. Las películas presentadas en Canadá y Argentina han sido


proporcionadas por los artistas y por los centros de distribución cinematográfica:


CFMDC (Canadian Filmmakers Distribution Centre) Vtape (The Source for Video and


New Media), NFB (National Film Board of Canada).


Reconocemos el apoyo de las siguientes personas: Carolina Konstantinovsky,


Laura Preger, Juan Manuel Aranovich, Alejandra Sifontes, Gustavo Vergelli, Hilary


Roche, Nestor Buzio, Kathleen Mullen, David Fernandez, Jyssika Russell, Jennifer


Snider, Beatriz Ventura, Federico Spataro, Natalia Puente, Susana Hornos, Beatriz


Rotundo, Wanda Vanderstoop, Aimée Mitchell, Lauren Howes, Marinela Stalteri,


Pablo Strozza, Estevan Alvarez, Graciela Taquini.


Colectivo Toronto


http://www.guillerminabuzio.com/Colectivo-Toronto


Colectivo Toronto se dedica a la producción y presentación de arte contemporáneo.


Trabajamos en colaboración con otros colectivos, centros gestionados por artistas,


galerías y organizaciones de arte.


-Miembros del Colectivo: Hugo Ares - Guillermina Buzio - Madi Piller-


Desde su formación en 2014, Colectivo Toronto ha tenido la oportunidad de


presentar los siguientes artistas: Kika Nicolela, Ana Moravi, Dellani Lima,


Guillermina Buzio, Andres Weber, Arthur Tuoto, Christian Leduc, Clémence


Demesme, Evan Tyler, François Zajéva, Gabriel Soucheyre, John Criscitello, John


Pirard, John Sanborn, Jorge Lozano, Kai Lossgott, Kin Dotty Hachman, Steffi Simen,


Marcelo Amorin, Matthias Roth, Natalia De Mello, Alejandra Gelis, Pila Rusjan, Nia


Pushkarova, Niclas Hallberg, Ninja Thyberg, Moönk Nung-Hsin, Per E. Riksson, Savio


Leite, Simone Stoll, Sojin Chun, Stina Perhsdotter, Wait Kit Lam, Ulf Kristiansen,


Ulysses Castellanos, Rosa Mesa, Teresa Ascencao, Eduardo Vaisman, Coco Guzman,


Juana Awad, Nike Arnold, Oliver Pietsch, Mathieu Brohan, Scott Miller Berry, Gareth


Long, Heather Keung, Lorena Salome, Michelle Irving, Gunilla Josephson, Deirdre


Logue, Tom Sherman, Jeremy Bailey, Nelson Henricks, Z’otz* Collective: (Nahúm


Flores, Erik Jerezano, Ilyana Martínez), Alize Zorlutuna and Sybil Lamb. –


Actividdades apoyadas por The Ontario Arts Council.


Acerca de los Curadores del proyecto:


Hugo Ares


Curador y programador de arte visual y mediático con base en la ciudad de Toronto.


Estudio Historia y Crítica de Arte en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Ha


estado trabajando como curador, programador y administrador de arte para centros


gestionados por artistas, colectivos y asociaciones culturales como: Espacio


Ecléctico; Corrientes del Sur-colectivo de Film y Vídeo, aluCine-Toronto Latin


Festival Media Art, "DigitalEvent" por e-fagia- Organización en Media Art, Sociedad


Animada de Imagen de Toronto, ArtsXplosion Sociedad Cultural; Latin American


Dossier of Arts y Colectivo Toronto. www.hugoares.com


Guillermina Buzio


Guillermina es un artista Argentina-Canadiense con sede en Toronto tiene un BFA


de la Universidad Nacional de Bellas Artes P. Pueyrredón en Argentina y una


Licenciatura en Artes Audiovisuales del Instituto Emily Carr de Arte y Diseño en


Vancouver; además de una maestría de la Universidad/Escuela de Arte y Diseño de


Toronto. Como artista visual ha trabajado en diferentes formatos, incluyendo


instalación y video. Durante los últimos años, Guillermina ha estado programando


para diferentes festivales tales como: BIM (Bienal de Arte en Movimiento), Inside


Out Festival LGTB, Planet in Focus, etc. Así mismo Guillermina coordinó el proyecto


3DFlic en la Universidad de York y también fue co-curadora del proyecto


Perspectivas Móviles un simposio de exposiciones y talleres audiovisuales


organizados por OCADU y Fundación Telefónica en Argentina. Actualmente es


profesora de Introducción a Edición de vídeo en los programas de Estudios


Continuos en OCADU (Universidad/Escuela de Arte y Diseño de Toronto).


www.guillerminabuzio.com