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17 jun 2024

EPA Cine presenta el 7º Festival Internacional de Cine Independiente de El Palomar. En el Cine Helios y en el Bar Cultural Graf.











SE HABILITA LA VENTA DE ENTRADAS PARA EL 7° EPA CINE



Disponibles en la web del Cine Teatro Helios o por boletería.

Del 19 al 23 de junio se llevará a cabo la séptima edición del Festival Internacional de Cine Independiente de El Palomar (EPA CINE). Bajo el lema "Películas que nos encuentran", el EPA CINE acercará una selección del mejor cine independiente nacional y del mundo al oeste del conurbano bonaerense.

Las proyecciones del festival se llevarán a cabo en las salas del Cine Teatro Helios, ubicado en Blvd. San Martín 3076 (Ciudad Jardín), y en el Bar Cultural Graf, emplazado en Blvd. San Martín 2215 (Ciudad Jardín), ambos en la localidad de El Palomar.




TODAS LAS SECCIONES


Apertura
IMPRENTEROS, de Lorena Vega y Gonzalo Javier Zapico (Argentina, 2024, 72’)
Más información, aquí.

Clausura
LA TERMINAL, de Gustavo Fontán (Argentina, 2023, 62’)
Más información, aquí.

Panorama Argentino
VIENTO DEL ESTE, de Maia Gattás Vargas (Argentina, 2023, 75’)
EUREKA, de Lisandro Alonso (Argentina, Francia, Alemania, 2023, 147’)
CORRESPONSAL, de Emiliano Serra (Argentina, 2024, 75’)
EL CAMBIO DE GUARDIA, de Martín Farina (Argentina, 2022, 72’)
Más información, aquí.

Panorama Mexicano
LA MONTAÑA, de Diego Enrique Osorno (México, 2023, 93’)
EL PROTOTIPO, de Bruno Varela (México, 2022, 63’)
PRIMITIVA, de Azucena Losana (México, Argentina, 2023, 5’)
Más información, aquí.

Proyección con Música en Vivo
PERDÓN, VIEJITA, de José Agustín Ferreyra (Argentina, 1932, 49’)
Musicalizada en vivo por Eliana Liuni
Más información, aquí.

Rescate
SIMÓN DECOUVRE, de Nicolás Grandi (Argentina, 2001, 12’)
LA MUJER DEL CUADRO, de Fritz Lang (EEUU, 1944, 97’)
Más información, aquí.

Trasnoche
SUAVE Y TRANQUILA, de Beth de Araújo (EE.UU., 2022, 91’)
Más información, aquí.

Foco Víctor Iriarte
DECIR ADIÓS, de Víctor Iriarte (España, 2007, 18’)
INVISIBLE, de Víctor Iriarte (España, 2012, 65’)
SOBRE TODO DE NOCHE, de Víctor Iriarte (España, Portugal, Francia, 2023, 110’)
Más información, aquí.

Foco Experimental
AGAINST TIME, de Ben Russell (Francia, 2022, 23’)
THE NEWEST OLDS, de Pablo Mazzolo (Argentina, Canadá, 2022, 15’)
Más información, aquí.

Trilogía de lucha, fe, amor
HAMDAN, de Martín Solá (Argentina, Nueva Caledonia, Palestina, 2013, 73’)
LA FAMILIA CHECHENA, Martín Solá (Argentina, 2015, 64’)
METOK, de Martín Solá (Argentina, Italia, Tíbet, 2021, 64’)
Más información, aquí.

Homenaje Narcisa Hirsch
REFLEJO NARCISA, de Silvina Szperling (Argentina, 2015, 67’)
Más información, aquí.







SEDES DEL FESTIVAL

Cine Teatro Helios
Fundado originalmente en 1951, fue el faro cultural de la zona durante décadas hasta que cerró en 2001. Tras una puesta en valor, reabrió como cine teatro en 2012.
Desde mayo de 2016 es la sede principal del EPA Cine.

Graf Ciudad Jardín
Histórico bar alemán emblema de la zona.
Desde 2023 es sede del EPA CINE.




Entradas
General: $1.500
Jubiladxs, estudiantes, docentes: $1.200
Abono (por 5 funciones): $5.000

Función con Música en Vivo
General: $2.500
Jubiladxs, estudiantes, docentes: $2.000

Comprá tus entradas en la web del Cine Teatro Helios o a través de su boletería.
Acercate de martes a sábados de 17.00 a 21.00 hs. y los domingos de 17.00 a 20.00 hs.
Más información: 4751-8647 // WhatsApp: +54 9 11 3621 6569


12 jun 2024

JINETES DE ROCA de Sebastián Díaz. Estreno 13 de junio en el Cine Gaumont, Cine Select, en Cipolletti y gratis en Cine.ar





JINETES DE ROCA
una película de Sebastián Díaz


¿Qué esconde el mito fundacional de la Argentina moderna?


Del mismo director de
LA MURALLA CRIOLLA
4 LONKOS
LA PLATA CONTADA



El 13 de junio se estrena en el Cine Gaumont Jinetes de Roca, cuarto documental de Sebastián Díaz


ESTRENO EN CINE GAUMONT Jueves 13 de Junio
Cine Gaumont - Av. Rivadavia 1635
Del Jueves 13/6 al Miércoles 19/6
Funciones diarias a las 19hs

ESTRENO EN CINE SELECT LA PLATA
Funciones Jueves 13, Viernes 14 y Sábado 15 a las 18:30hs

ESTRENO EN CIPOLLETTI, RIO NEGRO
Jueves 13 de junio - 18hs
Miércoles 19 de junio - 20:30hs
Sala Lorenzo Kelly

ESTRENO EN CINE.AR
Del Viernes 21/6 al Jueves 27/6
gratuito, en todo el país





SINOPSIS
JINETES DE ROCA impugna el mito fundacional de la Argentina moderna, denunciando el accionar de los responsables de la “Conquista del Desierto”, develando el paralelismo ideológico entre la etapa roquista, la década infame de 1930 y las prácticas genocidas de la última dictadura cívico-militar de 1976.


DATOS DEL ESTRENO
JINETES DE ROCA (Argentina, 2023)
Dirección Sebastián Díaz | 71 minutos
Calificación ATP | Distribución Independiente





JINETES DE ROCA, último largometraje del director platense Sebastián Díaz, corona junto a sus films anteriores, La Muralla criolla y 4 Lonkos la llamada “trilogía del Desierto”, un minucioso corpus documental dedicado al genocidio de los pueblos originarios en pampa y Patagonia. Este documental se estrena en el Cine Gaumont, Avenida Rivadavia 1635, el próximo 13 de junio a las 19hs, y continuará con funciones diarias por una semana en ese mismo horario. Además, podrá verse en el Cine Select de La Plata el jueves 13, viernes 14 y sábado 15, a las 18:30hs, y tendrá dos funciones en la Sala Lorenzo Kelly de Cipolletti, Río Negro. Estará también disponible en forma gratuita del viernes 21 al jueves 27 en la plataforma Cine.ar, para todo el país.

JINETES DE ROCA impugna el mito fundacional de la Argentina moderna, denunciando el accionar de los máximos responsables de la “Conquista del Desierto” (1879-1885), operativo militar al mando del general Julio Argentino Roca, que amplió las fronteras de la República Argentina hacia las márgenes de los ríos Negro y Neuquén, incorporando para la “civilización” unas quince mil leguas de territorio feraz. El film analiza la iconografía laudatoria de la campaña militar producida en 1879 y se propone “desmonumentar” la figura de Roca, el controvertido militar tucumano, dos veces presidente de la nación que, si bien permitió la conformación del Estado Nación Territorio que actualmente poseemos, también ocasionó el derrumbe del mundo indígena, condenando a miles de seres humanos al exterminio, el sometimiento y la disgregación de sus comunidades originarias, seguido de una humillante esclavitud.

El film da cuenta sin eufemismos ni ambigüedades del dispositivo propagandístico adoptado por la oligarquía racista, dispuesta a la creación de fórmulas, imágenes, mitos y símbolos que, repetidos durante cien años, sirvieron para devaluar la humanidad de los “salvajes” y justificar el proceso de saqueo y apropiación de sus territorios y recursos.

Así pues, durante un siglo, los militares genocidas fueron perpetuados en la memoria colectiva como próceres, mereciendo estatuas, monumentos evocativos, pinturas históricas, álbumes fotográficos, postales de circulación masiva, publicaciones académicas y manuales escolares, e incluso billetes, efemérides y nomenclatura catastral. La película indaga específicamente en la iconografía laudatoria oficial producida desde 1879, develando el paralelismo ideológico entre la etapa roquista, la década infame de 1930 y las prácticas genocidas de la última dictadura cívico-militar de 1976.

El film homenajea especialmente a luchadores y activistas como Osvaldo Bayer y David Viñas quienes tras la apertura democrática de 1983 y de la mano de los organismos de DDHH, comenzaron un proceso de impugnación de la figura del general Roca, explicando la verdadera historia y denunciando sus crímenes de lesa humanidad. En paralelo, un emergente movimiento indigenista, surgido del seno de la resistencia de las comunidades originarias de todo el país, comenzó a retornar a su cultura y volver a sus tradiciones por tanto tiempo silenciada por los sanguinarios jinetes de Roca. Actualmente, sobre los pedestales de los próceres merecedores de prontuarios, en las esquinas con nomencladores de calles, en las plazas que los aluden, en las pinturas reversionadas e incluso en el cine documental, se lucha por recordar que la “Conquista del Desierto”, fue una invasión cruenta a un “desierto” que no era tal.

JINETES DE ROCA tiene, además, un potente anclaje con la actualidad pues la controvertida figura de Julio Roca sigue vigente en nuestros días, en un oscilante ida y vuelta ideológico que signa las diferentes etapas de la historia argentina. Los testimonios de Adrián Moyano, Danae Fiore, Carlos Masotta, Marcelo Valko, Marta Penhos, Fernando Pepe y Pablo Orcajo dan carnadura a este sensible y directo film documental que cierra esta “trilogía del desierto”.

FESTIVALES
Mejor documental en FESTIVAL CINE CON RIESGO (Florencio Varela, 2023)
Selección Oficial en FESAALP (La Plata, 2023)
FESTIVAL AUDIOVISUAL BARILOCHE (Bariloche, 2023)
VOCES CONTRA EL SILENCIO (México, 2024)



FICHA TECNICA
Jinetes de Roca (Argentina, 2023) | 71 minutos | Documental
Calificación ATP | Distribución Independiente
Dirección, Guión y Producción: SEBASTIAN DIAZ
Dirección de Fotografía: MANUEL MUSCHONG
Cámara: MAURO BRAGA, JULIAN OLMEDO, IGNACIO DOMÍNGUEZ, SEBASTIAN DALMOLIN
Post de Sonido: MATIAS OLMEDO
Montaje: SEBASTIAN DIAZ
Música Original: DANIEL BUGALLO
Motion Graphics: JUAN MARTIN FOURCAUD, MAURO BRAGA
Vfx JUAN CAMARDELLA
Testimonios:
MARCELO VALKO, DANAE FIORE, CARLOS MASOTTA, MARTA PENHOS, FERNANDO PEPE, ADRIAN MOYANO, PABLO ORCAJO.


MOTIVACION DEL DIRECTOR


Soy una persona curiosa. Desde chico, en La Plata, ciudad donde nací y crecí, me dediqué a fomentar el placer de la lectura. Mis padres y abuelos tenían una profusa colección de libros. Los leí. Pero no fue sino hasta la adultez cuando percibí que había recibido una educación colonizada. Tanto en la escuela como en mi círculo o en mi propia casa había recibido cierta manipulación, un mensaje que decía que había que adorar ciertos héroes de bronce. Adoctrinamiento se le llama. Desde pequeño, sin embargo, la historia argentina me pareció fascinante y sospechosa.
Hace unos quince años me propuse investigar sobre el genocidio a los pueblos originarios y ello derivó en la producción de una trilogía documental que culmina ahora con Jinetes… película que presento al gran público. Con “La Muralla criolla” (2017), “4 Lonkos” (2019) y “Jinetes de Roca” (2023) se conforma una unidad temática que aborda la “Conquista del Desierto”, en tanto eufemismo de genocidio fundante de la Nación Argentina moderna. Con “Jinetes de Roca” quise demostrar que hay ciertos héroes de bronce y mármol que están en altos pedestales, que cada tanto son revalidados por las nuevas generaciones de políticos, pedagogos, divulgadores y artistas argentinos, pero que son merecedores de prontuarios. La “Conquista” fue una invasión. El “Desierto” era un lugar poblado. Los indios no vinieron de Chile, sino que son pre existentes a la formación de los Estados americanos. La Argentina nació automutilada, como decía el maestro Carlos Sarasola, negando a los hijos de la tierra. Y nosotros estamos en el camino correcto, poniendo una semilla más de la gran reparación histórica a los pueblos americanos, y seguiremos así, a pesar de los vaivenes ideológicos de la coyuntura argentina.



Sobre el director



SEBASTIAN RAUL DIAZ nació el 31 de octubre de 1973, en La Plata, Provincia de Buenos Aires. En 1992, a los 18 años de edad, comenzó a formarse en el Instituto de Arte Cinematográfico de Avellaneda (IDAC). En 1999, como asistente de dirección, comenzó a materializar el largometraje Mataperros, una bizarra road movie criolla, que se estrenó en 2001 en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, en diferentes salas del país y del extranjero y por señales de aire y cable. Ligado al mundillo de la música, ha realizado numerosos videoclips para Peligrosos Gorriones, Palo Pandolfo, Francisco Bochatón y otros. Investigador de la historia nacional, profundamente comprometido con la causa indígena, ha dirigido la trilogía documental que incluye los films LA MURALLA CRIOLLA (2017) , 4 LONKOS (2019) y JINETES DE ROCA (2023), que denuncian el genocidio perpetrado por el Estado argentino durante las Campañas al Desierto. Ha producido también LA PLATA CONTADA, documental de gran repercusión sobre la historia masónica de la ciudad de La Plata, urbe donde el director nació y vive actualmente.

MUERDE con Luciano Cáceres. De Francisco LUMERMAN. En Timbre 4. Domingos 18 horas.


 

Desde mayo, los domingos 18 hs. en Timbre 4 
después de gran función función en Madrid en el marco del programa Conexión Buenos Aires Madrid en Casa de Américas


Luciano Cáceres


en

MUERDE

una obra escrita y dirigida por

Francisco Lumerman

ESTRELLA DE MAR 2024 MEJOR UNIPERSONAL
PREMIO MEJOR ACTOR ESCUELA DE ESPECTADORES DE BUENOS AIRES



A René lo abandonaron en el taller familiar cuando tenía diez años. Desde ese momento: ¿Cuánto tiempo pasó?

Eso no lo puede saber.

Ahora está manchado de sangre y no entiende porqué. Intenta controlar sus pensamientos, pero las palabras aúllan, golpean y perforan, como un clavo a la madera o los dientes a la carne. Sangre. Aserrín. Ladridos. Sus pensamientos se desatan sin vuelta atrás.

 Muerde es un thriller en solitario, casi policial, en el que René intentará averiguar de dónde vienen sus heridas; mientras Rosa, y su pasado lo acechan en todo lo que calló.
 

Muerde ganó el 2do premio de obras inéditas del Fondo Nacional de las Artes 2015.

Estrenada en pandemia a través de Plataforma Tevi Live en 2020 y luego en CCPUCP en Lima Perú en septiembre 2022, por el actor peruano Alfonso Dibos.

Actor: Luciano Cáceres

Escenografía: Agustín Garbellotto

Diseño de iluminación: Ricardo Sica

Diseño sonoro: Agustín Lumerman

Diseño Grafico: Choice Noise

Comunicación digital: Isidoro Sorkin

Fotografia: Eduardo Pinto

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Asistente de dirección: Emiliano Lamoglie

Dramaturgia y dirección: Francisco Lumerman

Funciones: domingos 18 hs 

 FUNCIÓN ESPECIAL EN MADRID EL MARTES 14 DE MAYO EN EL MARCO DEL PROGRAMA CONEXIÓN ARGENTINA MADRID EN CASA DE AMÉRICAS 

Duración: 50 minutos. 

 

TIMBRE 4

México 3554 

Entradas por Alternativa





Luciano Cáceres nació en Buenos Aires, Argentina, en 1977.
Es director y actor. Es uno de los artistas más destacados de la Argentina. Multifacético e incansable, sus proyectos se reparten entre el cine, la televisión y el teatro.

Como director de teatro estrenó en los mejores teatros del país más de cuarenta textos de autores contemporáneos de prestigio como Sarah Kane, René Pollesch, Javier Daulte, Gonzalo Demaría y Marius Von Mayenburg, entre otros; muchos de los cuales participaron de Festivales Nacionales e Internacionales como: Festival Grec de Barcelona; Festival Bretagne de Rennes, Francia; Festival de Manizales, Colombia; Fia de Costa Rica; Festival de Santa Cruz de la Sierra en Bolivia; Festival del Mercosur de Córdoba; Fiesta CABA de Teatro y Fiesta Nacional del Teatro, entre otros.

Como actor de teatro, trabajó en más de cincuenta montajes desde 1989 bajo las órdenes de los más importantes directores de Argentina: Javier Daulte, Helena Tritek, Rafael Spregelburd, Rubén Schumascher y Alejandra Boero, entre otros.

En cine protagonizó más de veinte películas tanto comerciales como independientes nacionales e internacionales como: Gato negro, Cien años de perdón, Carne de Neón, La mosca en la ceniza, Operación México, Corralón, Mujer conejo, El amor primera parte, entre muchas otras con presencia en festivales de Venecia, Shangay, San Sebastián, Berlín y Milán, entre otros.

En televisión participó y protagonizó éxitos como: El elegido, Graduados, Signos, Los ricos no piden permiso, Señores Papis, La 1/5/18, entre otros, siendo galardonado como mejor actor protagónico de ficción en los premios Martín Fierro 2022 por este último trabajo.

A lo largo de su trayectoria como actor y director recibió más de 50 galardones y nominaciones a premios internacionales y nacionales como: Festival Internacional de Milán, Martín Fierro, Trinidad Guevara, Teatros del Mundo, A.C.E, Tato, María Guerrero, Florencio Sánchez, Cóndor de Plata, Estrella de Mar y Festival Rojo Sangre, entre otros.
Este trabajo le valió el Estrella de Mar 2024 este último verano en Mar del Plata.
Desde enero de 2024 forma parte del elenco de El beso, escrita y dirigida por Nelso Valente.




Francisco Lumerman
 nació en Buenos Aires, Argentina, en 1982.

Es director, dramaturgo, actor y docente. Desde 1998 escribe y dirige sus propias producciones, entre sus últimos trabajos figuran: El amor es un bien, Muerde, El río en mí y La vida sin ficción que estrenó en 2022 donde se desempeña como dramaturgo, actor y director. Participó de diversos festivales tanto nacionales e internacionales como el Theater Spektakel en Zurich, MICBR en San Pablo y FIBA. Obtuvo nominaciones y premios como  German Rozenmacher en FIBA, Obra inédita del FNA, Teatros del Mundo y premios Florencio de Uruguay, Premios ACE y Trinidad Guevara. Estrenó como director y dramaturgo una versión de El amo del mundo de Alfonsina Storni para el Complejo Teatral de Buenos Aires en el Regio.

Trabajó además con directores teatrales como: Claudio Tolcachir en Emilia, Daniel Barone en Un rato con él, Luciano Suardi en El adulador, entre otros.

También participó de numerosas películas y series de televisión.

Junto con Lisandro Penelas funda y dirige Moscú Teatro, espacio en el que dicta talleres de entrenamiento en actuación y dramaturgia.
En este momento tiene en cartel dos obras más: La vida sin ficción en Moscú Teatro y Quieto en Nun Teatro.


11 jun 2024

Santaolalla graba la huella sonora y audiovisual de Madrid junto a la Universidad TAI

Gustavo Santaolalla

El músico se encuentra componiendo junto a estudiantes de la Universidad de Artes TAI
una sinfonía sonora y visual sobre Madrid



El músico, compositor y productor argentino Gustavo Santaolalla se encuentra en Madrid para crear la sinfonía sonora y visual de la ciudad a través del proyecto Imagen sonora de Madrid. El mismo, está siendo llevado a cabo junto estudiantes de la prestigiosa 

El ganador de dos Óscar por Secretos en la montaña y Babel, de 19 Gramm,y y compositor de la música del videojuego The Last of Us, lidera esta iniciativa que comenzó en el mes de mayo. Su objetivo es narrar las historias de los lugares más emblemáticos de la capital española, capturando su huella sonora. Para ello, trabaja diariamente junto a 25 estudiantes de Música y Cine de la Universidad de Artes TAI, recogiendo sonidos e imágenes de lugares como el mercado de la Cebada, el Retiro, Centro Centro y el metro de Gran Vía . En el mes de junio tendrá lugar la presentación en la que se mostrará el resultado de este proceso creativo y de exploración en las artes llevado a cabo por el reconocido artista y los estudiantes que participan en el proyecto. Con Imagen sonora de Madrid, el músico argentino capturará los sonidos distintivos de la capital española para preservarlos en una fonoteca creada ad hoc, que también tendrá un recorrido posterior en museos y espacios expositivos.

“El propósito de este proyecto es que el alumnado descubra lo que tiene dentro, que se salgan del método que han aprendido en un espacio en el que tenga la libertad para experimentar, contemplar y crear”, ha explicado Santaolalla, en la primera sesión de trabajo. “Es importante salirse del camino, conocer cuáles son los límites para salirse de ellos y poder encontrar una voz propia con la que puedan desarrollar sus carreras artísticas”, ha afirmado el artista sobre este proyecto que lleva años queriendo llevar adelante, y que ha encontrado su momento en medio de su gira por Europa, con conciertos donde interpreta la banda sonora de The Last os Us.

Imagen sonora de Madrid es un sueño hecho realidad del compositor, pues lleva años queriendo materializar este proyecto para el que ha elegido TAI, por su esencia interdisciplinar, su posición de liderazgo en la innovación en las artes y su presencia en el corazón de Madrid. Santaolalla ha hecho hincapié en que lo fundamental de este proyecto “no es el resultado de la investigación sino poner el foco en el proceso creativo, el recuerdo, la capacidad de contemplación, la libertad creativa de los jóvenes artistas y el aprendizaje”.

Por su parte, Vincenzo Germano, docente de TAI y coordinador del proyecto, explicó que para llevar a cabo Imagen sonora de Madrid, los jóvenes artistas “usan el sentido del oído como una cámara para dirigir su atención a los elementos visuales que los rodean, componiendo así una representación sonora del paisaje urbano. Este enfoque, guiado bajo la mirada y tutela de Santaolalla, revelará nuevos horizontes cinematográficos, sonoros y musicales de la ciudad en un proyecto insólito que fusiona música y cine”.

No es la primera vez que Gustavo Santaolalla colabora con TAI. Pues en junio del 2023, el compositor visitó Madrid para llevar a cabo el proyecto Inteligencia Musical, donde junto a jóvenes artistas de la Escuela Universitaria exploraron la preservación de sonidos universales en peligro de extinción utilizando tecnología de vanguardia e inteligencia artificial para crear un repositorio de sonidos únicos como legado para generaciones futuras.

Esta colaboración con Gustavo Santaolalla es una muestra más de la apuesta de TAI por aunar creatividad e innovación a su formación académica y que se suma a la larga lista de nombres que ya han pasado por sus aulas entre los que se encuentran David Lynch, David Fincher, Bong Joon Ho, John Waters, Isabel Coixet, Spike Jonze, Julie Delpy o François Ozon, entre muchos otros.

Sobre Gustavo Santaolalla
Gustavo Santaolalla es un compositor, músico y productor musical, ganador en dos ocasiones consecutivas del premio Óscar a la mejor banda sonora original en 2005 y 2006 por las películas Brokeback Mountain y Babel, respectivamente, a los que se suma los 19 premios Grammy que ha obtenido, los dos premios BAFTA por Diarios de motocicleta y Babel y el Globo de Oro por Brokeback Mountain. Además, es conocido por ser el compositor del famoso videojuego The Last of Us y su serie homónima en HBO.

Es una figura esencial del rock latino de los años 90, produciendo para artistas como Café Tacuba o Molotov. Fundador de la mítica banda de rock argentino Arco Iris, pionera en fusionar música popular latinoamericana con rock. Su trabajo ha combinado elementos de música rock, folk, pop, new wave, ritmos africanos y folklore, entre otros. En los años 1990, su producción con diversos artistas fue clave en el boom del rock latinoamericano de la época.

Como músico, su álbum Santaolalla (1982) fue elegido en el puesto 86 de los 100 mejores álbumes de rock argentino por la Rolling Stone Argentina en 2007 y su canción Empujando tinta (1995) fue elegida en el puesto 487° de las 500 mejores canciones del rock iberoamericano por la revista estadounidense Al Borde en 2006.



Sobre Escuela Universitaria de Artes TAI
Con 50 años de experiencia educativa, la Escuela Universitaria de Artes TAI se ha consolidado como centro pionero y de excelencia en las enseñanzas artísticas universitarias en España, avalado por una sólida estructura académica y una intensa actividad de producción artística.

TAI, el único campus de las artes multidisciplinar en España, ofrece todos los niveles de especialización en Artes Escénicas, Cine y Series, Música, Artes Visuales y Animación, y Postproducción. Su oferta educativa abarca desde formación integral en grados oficiales, cualificación profesional en diplomaturas hasta la especialización en masters oficiales universitarios y propios.

PUNDONOR. Escrita por Andrea Garrote y dirigida por Andrea Garrote y Rafael Spregelburd. En el Teatro Picadero





ÚLTIMAS 4 FUNCIONES 


ANDREA GARROTE y su desopilante profesora Claudia Pérez Espinoza presenta las últimas funciones de sus clases magistrales, para reir sin parar, los domingos de junio a las 18.30 h en el teatro Picadero (Pasaje Santos Discépolo 1857, CABA).

Luego de una extensa gira internacional y del marcado éxito de la obra en Madrid, el unipersonal escrito e interpretado por Andrea Garrote -con la co- dirección de Rafael Spregelburd- desembarca en el Picadero para ponerle mucho humor a las tardes de domingo porteño.

Pundonor: s. m. Sentimiento de orgullo o amor propio que anima a mantener una actitud y apariencia dignas y respetables, nunca inferiores a las de los demás. Autoestima, dignidad.

La profesora Claudia Pérez Espinoza ha enseñado Foucault en la universidad toda su vida profesional. En este monólogo, que constituye su mejor clase, debe enfrentarse al pensador francés para sobrevivir un día más. La clase se ve interrumpida constantemente debido a su frágil situación. En su desesperación, Claudia, se vuelve imprevisible, vulnerable.

PUNDONOR es una obra hilarante y emotiva que, a través de la risa reflexiona sobre temas muy actuales como las redes sociales, el rol de la mujer, el poder y la línea de la “normalidad”, entre otros.

Por su trabajo en PUNDONOR, Andrea Garrote recibió el premio Konex 2021 al mejor unipersonal de la década, la nominación a los Premios Trinidad Guevara en el rubro mejor actuación protagónica. El Premio Teatro XXI a la mejor obra dramática y la reciente nominación a los Premios María Guerrero en la categoría actuación unipersonal.
La obra ha sido editada en España y en Argentina a través de la editorial Blatt & Ríos.


Escrito e interpretado por ANDREA GARROTE
Dirección RAFAEL SPREGELBURD & ANDREA GARROTE
Escenografía e iluminación: Santiago Badillo
Vestuario: Lara Sol Gaudini
Música original: Federico Marquestó
Producción: Carolina Stegmayer
Comunicación & prensa: Cecilia Gamboa

PUNDONOR CON ANDREA GARROTE | Dgos de junio en el Teatro PICADERO
Pasaje Santos Discépolo 1857, CABA. Localidades $15.000 disponibles en PLATEANET
8 únicas funciones: domingos de junio, 18.30 h.
2X1 con Club La Nación, Clarín 365, 10 % de descuento Comunidad Picadero y Paraíso Club.


ANDREA GARROTE
Es actriz, directora, dramaturga y docente.
Directora de la maestría en Dramaturgia de la Universidad Nacional de las Artes, titular de la cátedra Dramaturgia II y tutora de los proyectos de graduación de la carrera de Dirección escénica.
Es fundadora, junto a Rafael Spregelburd, de El Patrón Vázquez, uno de los grupos más prolíficos y longevos de la escena argentina actual.

Como actriz, ha participado en más de una veintena de obras teatrales bajo la dirección de artistas de gran trayectoria, tanto en el circuito oficial como independiente, además de varios cortometrajes, films y programas de tevé. Recientemente se destacó como co- guionista y actriz en el film “El Rapto”, con dirección de Daniela Goggi.

Publica varios artículos sobre el quehacer artístico y pedagógico y funda el ciclo Perfecta Anarquía que nuclea los trabajos de teatro breve que se producen en sus talleres de entrenamiento y dramaturgia para actores. Trabajó en la maestría de dirección de la Universidad de Cali y dictó talleres en Colombia, Uruguay y España.

En el rol de directora se destaca en la exitosa “Una casa llena de agua” de Tamara Tenembaum protagonizada por Violeta Urtizberea y próximamente tendrá a su cargo la dirección de “Prima Fascie”, monólogo de la dramaturga australiana Suzie Miller, que contará con la interpretación de la actriz Julieta Zylberberg. Hacia fin de año también dirigirá “La Madre” de Florian Zeller con Cecilia Roth y elenco.

Protagonista absoluta de PUNDONOR inicia su octava temporada en Buenos Aires con uno de los unipersonales de la década. La obra cuenta con dos ediciones bilingües, premios en varios rubros y giras nacionales e internacionales.

REVERSIBLE con Mercedes TORRE. Domingos de junio, en El Extranjero


 Reversible, la epopeya musical escrita e interpretada por Mercedes Torre


Dirección de Juan Andrés Romanazzi y música en vivo de Pablo Viotti

Domingos a las 20h en el teatro El Extranjero

(Valentín Gómez 3378, CABA).

Con música y humor, la pieza cuenta cómo Rosita, al enterarse de que su madre ha sido llevada por la muerte, decide ir en su búsqueda y finalmente rescatarla. ¿Qué pasaría si la muerte tuviera lugar de residencia y pudiésemos ir en busca de quién partió?

En el unipersonal de Mercedes Torre, los espectadores acompañarán las peripecias de la protagonista de la mano de una poética alocada que delineará la travesía de Rosita por rescatar a su propia madre.

Inspirada en el realismo mágico latinoamericano y lejos de toda solemnidad, la música, el texto escrito en verso y el humor -motor narrativo de la pieza- le otorgan un potente dinamismo a la puesta en la que el duelo aparece como una posibilidad de transformación de la propia existencia.

Mercedes Torre apunta: “Esta obra nació hace cinco años con la imagen de la última escena. Necesitaba hablar de la muerte de mi mamá, sin que fuera ‘hablar de la muerte de mi mamá’; poder hacer de ese duelo, un acto poético y político. Considero que el modo en que nos posicionamos frente al dolor es el modo en que vivimos la Vida.”
“El humor, la poesía y la música fueron y son mis herramientas para transformar lo que vivo. Rosita me permite poner el cuerpo a un duelo muy real y darlo vuelta, hacerlo Reversible”, concluye Torre.

La obra se gestó en el Laboratorio de Teatro Musical dependiente de la DGART, coordinado por Emiliano Dionisi, Fernando Albinarrate y Barby Ostrovsky. Fue seleccionada para presentarse en formato semimontado en el Centro Cultural Recoleta y para la residencia artística de “El Punto Nueva Gunea” en Navarra, España, posibilitando su montaje allá.


Dramaturgia: Mercedes Torre
Actuación: Mercedes Torre
Músico en vivo: Pablo Viotti
Letra y música de canciones: Mercedes Torre
Composición de música incidental: Pablo Viotti
Composición Coreográfica: Constanza Feldman
Diseño de luces: Agnese Lozupone
Diseño de Vestuario: Paola Delgado
Diseño de Escenografía: Micaela Sleigh
Fotografía: Estrella Herrera
Diseño gráfico: Andres Mendilaharzu
Producción ejecutiva: Valeria Casielles
Dirección: Juan Andrés Romanazzi
Idea Original y concepción escénica Mercedes Torre
Duración: 55 minutos

MERCEDES TORRE
Buenos Aires 1985. Es actriz y música. Se recibió de Licenciada en Arte Dramático en la UNA.
Continuó su formación con diversos docentes de música y danza. Trabajó tanto en teatro comercial como independiente. Fue nominada como actriz revelación en los Premios Florencio Sánchez y como mejor actriz de teatro musical infantil por los Premios Hugo. Recibió dos premios ATINA al mejor espectáculo infantil en los rubros mejor dirección y mejor espectáculo “Perdiendo el tiempo” y “Servicio de Respuestas” de las Hermanas Misterio.

Participó como actriz en diversos festivales de Argentina, Chile, México y Alemania. Como docente impartió seminarios de actuación en el festival “Cuenta Habana” Cuba con el apoyo de la Cancillería Argentina. Trabajó en “Recuerdos a la hora de la siesta “, con dirección de Emiliano Dionisi en el CTBA, “Network” con dirección de Corina Fiorillo en el Teatro Coliseo”, “El Martin Fierro“ de La Banda de la Risa, dirigida por Tony Lestingi en el TNC, “El avaro” con dirección de Corina Fiorillo en el CTBA. Fue parte del elenco de “Potranca” con dirección de Mariela Asensio, “Como una perra en un descampado “dirección Corina Fiorillo, entre otros.

Es creadora del grupo de teatro y música “Las Hermanas Misterio”, con el que recibió 6 premios ATINA, cinco nominaciones para los Premios Hugo, fueron destacadas en Teatro del Mundo, nominadas como mejor espectáculo extranjero en los Premios Florencio Sánchez en Uruguay y destacadas de interés cultural por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

"Antología Flotante", homenaje a Carlos Bissolino. Inauguración13 de junio. En el CCRecoleta

 



80 obras de Carlos Bissolino, un artista inclasificable 

El próximo jueves 13 de junio a las 18 inaugura “Antología Flotante”, una exposición integrada por 80 obras del artista visual Carlos Bissolino que será exhibida en las salas 7, 8 y 9 del Centro Cultural Recoleta.

Figura vital de la escena del arte argentino desde la década del 70 hasta el presente, Bissolino ha desarrollado parte de su obra durante los años 80 en Italia y, desde su regreso al país, dirige una de las cátedras más activas e influyentes de la Universidad Nacional de las Artes.

Óleos, acrílicos, técnica mixta sobre tela, tinta sobre papel -entre otros formatos- son algunas de las piezas que reflejan el universo del artista en el que coexisten paisajes oníricos de una intensa exploración técnica.

Agustín Fernandez, Sol Ganim, Rodolfo Marqués, Ramiro Oller, Juan Reos y Gonzalo Silva conforman el equipo curatorial de la muestra celebratoria del artista argentino. Todos ellos, formados en su cátedra, festejan hoy la vitalidad y experimentación radical de la producción del maestro abarcando al menos cuatro décadas de un trabajo ininterrumpido.

“Bissolino es para todos nosotros el ideólogo de un espacio donde nos formamos y del que surgió nuestro primer grupo de pertenencia dentro del campo del arte en Buenos Aires”, apunta Agustín Fernández. “Nos entusiasmamos con las obras que se resisten a ser explicadas, las más inclasificables, las que sostienen un misterio tanto en su imagen como en su dimensión técnica”, agrega Rodolfo Marqués. “Algunas de ellas no habían sido exhibidas y otras habían sido vistas hace ya mucho tiempo, en contextos muy diferentes”, cuenta Ramiro Oller.

La muestra se organiza asincrónicamente, permitiendo que obras de distintos períodos convivan en una misma sala e incluye la producción más reciente de Bissolino (2020-2021), plagada de abstracciones matéricas de gran formato, junto a tintas alucinadas y prolíficos cuadernos que dan cuenta de su vasto imaginario.

En la sala 7 se exhiben pinturas de gran formato “donde ciertos objetos animados habitan atmósferas misteriosas”, explica Juan Reos, y “en la sala 8 se muestran paisajes metafísicos poblados de escalinatas de perspectivas imposibles junto con objetos que flotan en un espacio ambiguo”, agrega Sol Ganim.

Por último, “en la sala 9 diseñamos un espacio pequeño, escenográfico, que funciona como transición y donde nos permitimos reunir las obras más fantasmales de la muestra", comenta Gonzalo Silva.

En Bissolino la propia práctica de la pintura cobra jerarquía convirtiéndose en una especie de fluido vital que se redefine y reconstituye en cada serie. “Antología Flotante” es, más que un homenaje, un redescubrimiento y puesta en valor de lo que sus obras pueden mostrarnos hoy.

Centro Cultural Recoleta (Junín 1930)

23 may 2024

10 años del programa EL CINE ARGENTINO VA A LA ESCUELA. Encuentro e inauguración de un mural homenaje en el Día del Cine Nacional.Por la FUNDACION DAC en Directores Argentinos Cinematográficos










Este 23 de mayo, Día del Cine Nacional, nuestra cinematografía cumple 115 años, y se realizó en la sede de DAC, Vera 559, un evento de homenaje a los 10 años del programa EL CINE ARGENTINO VA A LA ESCUELA, que lleva a cabo la Fundación DAC.



El evento consistiò en un encuentro entre los directivos/as de la Fundación, organizadores del programa, actores, actrices y directores/as que participaron de las proyecciones, más la presencia de docentes de las provincias de Chubut, Misiones y Santa Fe que recibieron la visita del programa. Asistieron también docentes y alumnos/as de escuelas del conurbano bonaerense. Luego se proyectò el documental SIEMBRA DE CINE, producido por la Fundación DAC y estrenado en el pasado Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Tras la función, se inauguró un mural en homenaje al cine argentino.



El cine argentino va a la escuela es un programa que desde 2014 visita escuelas secundarias públicas de todo el país, con el objetivo de organizar funciones de cine argentino acompañadas del director/a o protagonistas de la película, para desarrollar un intercambio entre los estudiantes y los hacedores de los films.

La misión del programa es formar nuevos públicos, entre los estudiantes de 13 a 18 años, que muchas veces no tienen acceso a ver películas argentinas y brindarles la oportunidad de ver cine en una pantalla grande, en una sala oscurecida y en comunidad, emulando la experiencia de la sala cinematográfica.


EL CINE ARGENTINO VA A LA ESCUELA ofrece esta experiencia a las escuelas que envían su solicitud por su página web, y coordinan una fecha para el evento.

Durante la pandemia el programa no se detuvo, y organizó funciones online vía zoom con la participación de los hacedores de las películas.

En 2024, su décimo año, el programa sigue visitando escuelas públicas de todo el país acercando el cine argentino a jóvenes estudiantes que por razones geográficas, culturales o económicas no tienen acceso.

La Fundación DAC fue creada por Directores Argentinos Cinematográficos (DAC), asociación que agrupa a los directores argentinos de cine y es financiada por dicha asociación.

Estuvieron presentes coordinadores, participantes y docentes
de Apóstoles, Misiones; de Lago Puelo, Chubut y de Esperanza, Santa Fe, que contaron sus experiencias junto con los impulsores del programa y profesionales del cine argentino.


SINOPSIS: Alumnos y docentes viven una experiencia singular: se arma una sala de proyección en una escuela rural, y juntos ven una película argentina que es acompañada por uno de sus actores.



Conocé más sobre el programa El cine argentino va a la escuela
https://www.fundaciondac.org.ar/



ANIMAL Un film de Sofía Exarchou. Estreno: 13 de junio

 




FESTIVALES

- FESTIVAL DE CINE DE LOCARNO - GANADORA MEJOR ACTRIZ
- FESTIVAL DE CINE DE TESALÓNICA - GOLDEN ALEXANDER A LA MEJOR PELÍCULA Y MEJOR ACTRIZ
- FESTIVAL DE CINE DE SARAJEVO - COMPETENCIA INTERNACIONAL
- FESTIVAL DE CINE DE HAIFA - COMPETENCIA OFICIAL
- NOUVEAU CINÉMA MONTREAL - PANORAMA INTERNATIONAL
- FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE VANCOUVER - PREMIO VANGUARDIA
- SEMINCI VALLADOLID - MENCIÓN ESPECIAL "PUNTO DE ENCUENTRO"
- FESTIVAL INTERNACIONAL DE URUGUAY - MENCIÓN ESPECIAL
COMPETENCIA NUEVOS REALIZADORES.


SINOPSIS
Bajo el ardiente sol griego, los animadores de un hotel all inclusive de la isla se preparan para la ajetreada temporada turística. Kalia es la líder del equipo. Cotillón, trajes brillantes y espectáculos de danza protagonizan la escena. Mientras que el verano se intensifica y la presión laboral aumenta, la noche se vuelve violenta y la lucha de Kalia se revela en la oscuridad. Pero cuando las luces se encienden nuevamente, el show debe continuar.




ELENCO
DIMITRA VLAGOPOULOU
FLOMARIA PAPADAKI
AHILLEAS HARISKOS
CHRONIS BARBARIAN
ILIAS HATZIGEORGIOU
DANAI PETROPOULEA
KRISTOF




EQUIPO TÉCNICO
Guion y Dirección: Sofia Exarchou
Dirección de fotografía: Monika Lenczewska
Producción de diseño: Jorien Sont
Edición: Dragos Apetri
Edición adicional: Nikos Vavouris
Vestuario: Vassilia Rozana
Música: Sofa Surfers
Distribuye: Lat-e

DATOS TÉCNICOS
Países: GREECE, AUSTRIA, ROMANIA, CYPRUS, BULGARIA
Duración: 116 minutos
Año: 2023


BIOFILMOGRAFÍA DE LA DIRECTORA:
SOFÍA EXARCHOU


Sofia Exarchou nació en Atenas. Estudió ingeniería electrónica en la Universidad Técnica Nacional de Atenas, dirección cinematográfica en la Stavrakos Film School y teatro en el Stella Adler Studio of Acting de Nueva York. Realizó estudios de posgrado en cine en Esav en Toulouse, Francia. En 2014, fue seleccionada para el Laboratorio de Guionistas y Directores de Sundance. Park, su primer largometraje, se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto y el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde ganó el Premio Nuevos Directores. Desde entonces, ha participado y ganado premios en numerosos festivales de cine internacionales (Rotterdam, BFI, Thessaloniki - Mejor Actriz y Mejor Película Griega, Festival de Cine Europeo Palic - Mejor Película Europea, Academia de Cine Griego - Mejor Ópera Prima y Premio al Mejor Sonido). Animal es su segundo largometraje.




NOTAS DE LA DIRECTORA

"Después de mi primera película, "Park" (2016), supe que quería hacer una película sobre el trabajo y las condiciones laborales en el mundo capitalista occidental, explorando las duras condiciones de trabajo. Quería hablar sobre las personas que se encuentran en estas estructuras y la precariedad, la oscuridad y el cansancio que experimentan. Para mí "Animal" es una alegoría de cualquier tipo de labor y trabajo. Este fue mi punto de partida. El siguiente paso fue elegir el escenario que mejor ilustrara esto. La industria turística parecía ser la mejor opción porque, como griega, es un mundo con el que estoy íntimamente familiarizada, ya que el turismo es la "industria" más grande de Grecia y genera la mayor parte de los ingresos del país. Desde niña me había alojado en hoteles durante el verano y estaba familiarizada con la temporada turística en las islas y en cómo todos estos lugares cambian drásticamente durante esta época del año. Fue en los años 80´s y 90´s, cuando el turismo de masas literalmente explotó. Dentro de esta máquina turística, los animadores son los empleados que proporcionan entretenimiento.
Su característica única me dio la oportunidad de explorar el papel y el poder del entretenimiento en Europa y el mundo occidental como un componente crítico para la supervivencia del capitalismo.
Comencé mi investigación sobre esta idea inicial de trabajo y turismo. Aprendí lo bien organizado que está este sistema, que brinda entretenimiento durante todo el día: entretenimiento para adultos, entretenimiento para niños, entretenimiento en la piscina, en el bar y en la playa, Todo incluido / All inclusive".

SOFÍA EXARCHOU