Caetano Veloso en Buenos Aires, marzo de 2010

En el teatro Gran Rex, los días 5 y 6 de marzo nos visita nuevamente Caetano Veloso, para darnos un poco de felicidad.

Presentando "Zii e Zie" con Pedro Sá y músicos.

Horario: 21:30

Entradas en venta en el teatro, Corrientes 857.

Entre $ 80 y $ 280.

Steve McCurry en el Centro Cultural Borges en Buenos Aires

(información del CCBorges)

Por primera vez en Argentina, el Centro Cultural se complace en presentar una cuidada de selección 110 obras que capturan la esencia de la lucha humana y la alegría. En la mejor tradición documental Steve McCurry busca y encuentra aquellos retratos inolvidables. Reconocido universalmente como uno de los mejores creadores de imagen actual, McCurry es periodista estadounidense, autor de la célebre fotografía La niña afgana, aparecida en la revista Nacional Geographic en junio de 1985. Sharbat Gula fue fotografiada cuando tenía 12 años en junio de 1984 en el campamento de refugiados Nasir Bagh de Pakistán durante la guerra contra la invasión soviética. Su foto debido a su expresivo rostro de ojos verdes convirtió a la portada en una de las más famosas de la revista. McCurry cubrió gran cantidad de áreas de conflicto, incluyendo la guerra Irak-Irán, la desintegración de Yugoslavia, Beirut, Camboya, Filipinas, la Guerra del Golfo, China y cobertura continua de la situación en Afganistán.
Patrocina: Embajada de Estados Unidos Epson Magnun Photos

Inauguración: 25/02/2010

Información de la página oficial del Centro Cultural Borges

http://www.ccborges.org.ar/

Viamonte esq. San Martín C1053ABK - Buenos Aires - ArgentinaTels:0054 (11) 5555-5359

Un Hombre Serio de los Hermanos Coen

Dios es justo?

Es justo el hombre con lo que Dios le ha dado aunque sea un hombre serio y responsable?

Cúales son las pruebas a las que seremos sometidos , y cúal será en ésa hora, nuestro carácter?

Es todo a lo que estamos expuestos, incertidumbre. Y si este principio prevalece, cúanto podemos enfrentarnos, sin saber si es un plan divino o una burla cruel?

No hay forma de saber, parecen decir los rabinos, y luego de un rabino hay otro. Y otro al infinito.

Aceptar todo con humildad, la frase de un rabino con la cual se abre el film, nos introduce en el terreno de la parábola. Si en la estepa invitamos al hombre sabio o al dibbuk.

Qué es una señal divina, y que es obra del demonio. El tiempo de la fábula y aquel visitante al que no sabemos si dar de comer o no, nos introduce en otra época que suena con la música de Jefferson Airplane, los 60's y los Oldsmobile y los Impala.

No basta con ser un hombre serio, o precisamente por eso, no alcanza con ser catedrático paciente y honesto, un judío en barrio de la colectividad y en la escuela correspondiente: como a Job, las respuestas pueden resultar insuficientes. Es eso una falta a la humildad?

Hay una puesta en escena que privilegia el punto de vista cuando lo que escucha la oreja del estudiante está situada en otro plano. Pareciera todo contar a partir del plano en que se sufre: las evasivas del director de catedráticos, la incomprensión acerca del audífono confiscado del director del colegio, la ceguera de la mujer que ve arrobada al estúpido y pedante pretendiente.

El hebreo y la tradición cultural, religiosa, familiar, nos llevan como extraños, como somos extraños en vecindarios sin cercas, con vecinos invasivos y sugestivamente pro armas; somos extraños incapaces de resolver si el gato está muerto o no en la paradoja de Schrödinger y apenas podemos suponer o sacar probabilidades.

No es lo que importa, piensa el físico, intentando evitar un apriete de un alumno oriental, tan extraño como estamos nosotros en la tierra, que intenta demostrar que sabe lo que desconoce, extraños como estamos presa de calamidades, que banalmente, se acercan a la infidelidad, los problemas de los hijos, la carga de los hermanos, el ascenso social y el dinero en el banco.

El mito de Sísifo es como el quiste sebáceo del hermano, una tarea que debe volver a empezar y empezar y no termina, y cuando algo de la felicidad se asoma, quizás el ascenso, el descubrimiento de un enigma, la fortuna en las cartas, todo, dicen los Coen, caerá como si la prueba fuera infinita.

Como implora el exabrupto del religioso judío a punto de tropezar en la ceremonia:

-"Jesucristo!"

En el horizonte, en tanto, asoma el tornado, ocurre la tormenta.

Roberto Camarra

Título original: A Serious Man

Dirección : Joel Coen, Ethan Coen

Guión: Joel Coen, Ethan Coen

Fotografía: Roger Deakins

Productora: Focus Feature, Working Title films.

País: USA.

Año: 2009

Duración: 106 min.

Género: Drama , comedia

Reparto: Michael Stuhlbarg, Richard Kind, Fred Melamed, Sari Lennick y elenco.

Amigos y Conejos (sobre Jan van der Broek)

Para Fibo, que en realidad nunca se fue

A veces los amigos se van, pero se van en serio, se van para siempre, nos dejan solos y ateridos en un lugar donde no queremos quedarnos. O no queremos quedarnos sin ellos.

El abandono es la peor decepción que nos pueden dar, es triste, el corazón se parte y muchas veces no se puede soportar, uno no puede levantarse de la cama, ni comer, ni dormir, nada parece ser necesario. Y a veces la gente nos deja solos, a veces es terriblemente doloroso darse cuenta de que son tan pocas las cosas que permanecen, las cosas que perduran y quedan para siempre, que hasta respirar duele.

A veces nos hablan de cualquier cosa, cualquier dsesconocido, de cualquier tema y uno se acuerda de quien nos abandonó y de repente todo se detiene. No se pueden contener las lágrimas, todo queda vacío y nada importa.

Jan Van der Broek es un fotógrafo muy triste. Sus fotos son tristes, oscuramente grises. Incluso cuando quiere fotografiar cosas que no son necesariamente tristes.

Hizo una serie de fotografías llamada "goodbye my friend" que es sobre un amigo conejo que abandona a su amiga humana. No se por qué, imagino que la nena de las fotos es su hija, también imagino que soy yo, despidiendo a mi amigo Fibonacci.

No se pueden copiar las fotos de la página del fotógrafo holandés, asi que dejo el imaginario y la página para que investiguen.

Y una foto de mi Fibo, para que vuelva.

http://www.janvandenbroekfotografie.nl/index.php?option=com_g2bridge&view=gallery&Itemid=2&lang=nl&g2_itemId=18

Los hombres que no amaban a las mujeres.

Lo que más llama la atención de esta producción nórdica es la utilización tan sutil de la violencia de género, que está casi solapada en la trama principal de la película: el descubrimiento de un asesino que cometió su crimen hace más de 50 años, por parte de los dos personajes principales que son Mikael y Lisbeth.

La historia de la oscura Lisbeth se mantiene oculta a no ser por algunos datos terribles que nos muestra la película. Lisbeth es sometida sexualmente repetidas veces por su tutor, pero a pesar de su llanto de dolor y de la angustia en su tono de voz, tiene la fuerza necesaria para vencer terremotos, Lisbeth no sólo se venga de su tutor sino que además lo amenaza y logra obtener aquello que quiere (y que le corresponde).

Las escenas de violación en el cine son muy impresionantes (Irreversible, I Spit on your Grave, Last House on the Left, etc) pero lo que llama la atención es la fuerza brutal con que una mujer puede vengarse. En el caso de I Spit on your Grave (también conocida como "Day of the woman", de Meir Zarchi) la protagonista, quien es sometida por 4 hombres durante 40 minutos de la duración de la película, dedica una venganza especial a cada uno de sus atacantes, castra, mata, mutila, golpea, ahorca, ataca con hachas, etc. Meir Zarchi hizo especialmente esta película para una mujer, a la que encontró en la calle y tuvo que auxiliar, que no sólo había sido violada, sino que además fue salvajemente golpeada.

De Last House of the Left lo que vemos en realidad no es la venganza de las chicas violadas, porque no llegan vivas al final de la película, pero la venganza es aun mucho peor, es llevada a cabo por la madre de una de las chicas. Es que los violadores tienen la suerte de caer en la casa de los padres de las chicas a quienes asesinaron y violaron, de casualidad, pero los padres descubren quiénes son ellos y cometen una serie de atrocidades en venganza que sería imposible de enumerar aca.

En la mitología hebrea, Lilith es la primera mujer, antes que Eva, pero se va del Paraíso, porque la aburre la posición sexual que Adán le impone, ella dice: «¿Por qué he de acostarme debajo de ti? —: yo también fui hecha con polvo, y por lo tanto soy tu igual». Pero Adán quiso obligarla, entonces Lilith huyó al Mar Rojo y allí se queda hasta que , dicen, sale para llevarse a los niños de menos de 8 días no circuncidados, Lilith odia por eso a los matrimonios, a los hijos, ella es la reina del desacato.

En Los Hombres que no Amaban a las Mujeres también hay violaciones, y también hay venganza. Y es que, como Lilith, son muchas las mujeres que ahora se animan a decir que no y hay que tener cuidado si no se las respeta.

Lucía Luna

The Bad Lieutenant: Port of Call - New Orleans

Una serpiente se desplaza sobre el agua, como si fuera un mal presagio, como si fuese lo que dios envió como castigo para un espacio del pecado, y vamos a ver ruinas y los restos de los que nos dejó el huracán. No como catástrofe de la naturaleza, sino con la fuerza animal de los hombres que hacen de la adicción, su motor y su centro.

Ahí está Nicholas Cage, en su interpretación más desbocada, si es esto posible, fuera de registro y presa de una fiebre alucinada, un herramienta que Herzog mueve a su antojo, como un nuevo Kinski, dispuesto a beber toda la droga del universo para soportar el dolor físico y enfrentar un viaje por un universo a lo David Lynch de New Orleans.

Nicholas Cage y Val Kilmer apostando sobre la vida del convicto en la celda bajo el agua es un inicio de pesadilla y amoral.

Iguanes y caimanes, inmigrantes africanos ilegales, droga, crímenes, corrupción y alcohol, en una travesía sin sueño por el derrumbe de un adicto en clave de policial negro.

Padres alcohólicos con perros que nadie cuidad, mejicaneadas y bolsas con cadáveres arrojados al río.

Como dice este maldito policía interpretado por el espíritu de Kinski en Cage: dispárenle aunque esté muerto, su alma sigue bailando.

Roberto Camarra

The Lovely Bones de Peter Jackson

" No éramos ése tipo de gente", menciona la adolescente desde su propio cielo, un cielo maravilloso que es un limbo en el que permanecen las cuentas pendientes que no la dejan ir a un horizonte de nubes.
Peter Jackson rompe los códigos y lo que parece un policial, es a su vez, una historia inspirada en "El cielo puede esperar" de Lubitsch y claro, también de la versión de Warren Beatty en plan adolescente de una chica de 13 años a punto de sentir como sus hormonas cambian el horizonte de sus intereses. De la explosión del cuerpo a la inocencia rota, a un punto quebrado, roto, muerto. Del punto caramelo en que el cuerpo despierta al deseo al punto del cuerpo descomponiéndose en una caja.

Peter Jackson relata una historia en el "antes que las fotos aparecieran en los cartones de leche". Las fotos de los chicos y adolescentes desaparecidos. Pero también es un diálogo con esas películas en las que los muertos vienen a resolver sus cuentas pendientes por una gracia del cielo, y el film también confronta con las historias de los crímenes que tranquilizadoramente parecen que pudieran ser resueltas.

Desde Mi Cielo, su título en español, trabaja con los códigos del trhiller, del policial, y se burla de ellos, al descubrir un personaje en un plano, explica que no es, y desvía la sospecha del espectador, hacia otro espacio, el sueño imaginario de la protagonista, que ya no puede regresar a contactarse con los suyos.

Como una casa de muñecas. en la que vemos a una escala muy pequeña, los objetos y las cosas, así, Jackson controla el montaje alterno o paralelo, convierte elipsis y transiciones y nos introduce en los bosques y lagos de la imaginación, en prados llenos de ruidos y silencios y hojas doradas y costas de piedras negras, en el que naufragan barcos armados dentro de una botella.

Dentro de un alma adolescente, nos da la nostalgia de lo trunco y nos ofrece el deseo de la posibilidad.

R Camarra

Lucy toca fondo de Patrizia Camponovo dirigida por Paula Lemme

LUCY TOCA FONDO

...qué pasa cuando un vicio secreto se descontrola...


Escrito e interpretado por
Patrizia Camponovo

Dirección: Paula Lemme

Contribución al texto: Fernando Arechaga
Monólogo en Off: Cassandra da Cunha
Iluminación: Gonzalo Calcagno
Escenografía: Silvana Lacarra
Vestuario: Amparo Saiz
Foto: Verónica Gómez Pola
www.veronicagomezpola.com.ar
Diseño gráfico: Silvia Berger
berger.silvia@gmail.com

A PARTIR DEL 20 DE FEBRERO

BAR & CONCERT BATACLANA

Sábados a las 00 hs. (trasnoche de sábado a domingo)
Av. Corrientes 3500.
Informes y reservas: 4862-0888

www.bataclanabar.com

reservas@bataclanabar.com

Localidades: $ 25

Barnes Hotel en la sala 12 del Centro Cultuiral Recoleta

Barnes Hotel -

Instalación, pinturas Cristian Barnes,

fotos Salomé Vorfas.

Sala 12

Miércoles 3 aldomingo 28 de febrero

Desde el 2008 el artista plástico Cristian Barnes y la fotógrafa mendocina Salome Vorfas se han dedicado a fotografiar el espacio donde Barnes vive y trabaja. Estas fotos junto a las amigas, musas, modelos y retratos de Barnes, recibieron el nombre de Barnes Hotel.

(Información del CCR)

Interesante trabajo de aires pop y fotografías a lo Helmut Newton.

(de Rayoverde)

Curaduría: Renato Rita.

Centro Cultural Recoleta, junín 1930

Cursos en el CIAC

El Centro de Investigaciones Artísticas abre la inscripción para el curso de Historia y Teoría.
Inscripción hasta el 8 de Marzo

Cuestiones de teoría e historia del arte tratados a través de un curso de 4 meses de duración, una clase por semana. Será impartido por Ana Longoni, Victoria Noorthoorn y José Fernández Vega. El segundo cuatrimestre contará con la participación de Roberto Amigo, Gonzalo Aguilar, entre otros.


Ana Longoni
Poéticas / Políticas

A lo largo del curso, nos proponemos a revisar una serie de experiencias de articulación entre arte y política que tuvieron lugar en Argentina y otros países de América Latina desde la década del 60 en adelante. Esta diversidad de “casos” comparte la voluntad por confrontar o incidir desde el arte sobre las condiciones de existencia, y por consiguiente la puesta en cuestión o el desbordamiento del límite convencional entre arte y no arte. En distintos contextos históricos y geopolíticos, estos movimientos sostuvieron posicionamientos explícitos que cuestionaron o redefinieron la noción instituida de “obra”, “arte”, “artista” a la vez que la concepción de lo “político” a través de diversos rumbos que conjugaron la experimentación y la radicalización tanto poética como política.

Fechas: viernes 12/03, 19/03, 26/03, 09/04, 16/04 y 23/04 de 18.30 a 20.30 hs



El Programa de Cursos y Seminarios es realizado con el apoyo de
CENTRO DE INVESTIGACIONESARTÍSTICAS
www.ciacentro.org
cursos@ciacentro.org
Tucumán 3758
Ciudad de Buenos Aires
4861 7838

DANZA-TEATRO: Me Acosté con la Cabeza Mojada de Carla LLopis en el espacio cultural Nuestros Hijos, EX-ESMA

Me acosté con la cabeza mojada

Una obra que habla sobre el vacío, y el modo en que nos afecta a diario. El vacío cotidiano. Lo que uno es, lo que el otro es, y la imposibilidad de comunicarnos.
Solos en el medio de la nada, respiramos, caminamos, comemos, hablamos, trabajamos, dormimos, siempre solos.
La estructura social, de algún modo, configura nuestra cultura, sus reglas, sus mandamientos; y sin salida, intentamos continuar viviendo.

Espacios y tiempos fragmentados.
Soledades. Pedazos de cuerpos.
Somos síntesis de lo que somos.
Síntesis despojada de historia, verdad, cultura.
El silencio es lo único propio.
Fragmentado, roto, fisurado. Lo integral se vuelve imposible.
El mundo te saca de foco.
El orden de las cosas no está dispuesto de modo tal que uno mire para adentro.
Y cuando uno mira es porque está hundido.
Introspección de la nada.
Asumir algo que está pasando y no taparlo.
Reconocer lo que uno es. Que a la vez es todo, y a la vez es la nada.
El vacío es un todo, una nada, un blanco, un negro, algo no contaminado.
Puro. Porque es real.
Pero no deja de ser terrible.
Al asumir que es terrible, pasa a ser maravilloso.
Uno nace con eso, y lo tapa y lo tapa, hasta que se da cuenta que lo tiene que destapar.
Y destapa la mierda, y se da cuenta que tiene que empezar a construir desde el vacío.
Acá estamos. Ahora elijamos lo que queremos.
El silencio es lo único propio.

Idea y dirección: Carla Llopis
Intérpretes: Rocío Barcia, Marianela Navarro, Carla LLopis
Musicalización, composición, arreglos y ejecución en escena: Emilia Parodi
Percusión: Salvador Ávila.
Iluminación: Guillermo Parodi
Fotografía: Mariano Martino
Retoque fotográfico: Rocío Barcia

FUNCIONES: VIERNES 20.30 HS.
PRIMERA TEMPORADA DE ESTRENO: MARZO Y ABRIL.
Duración: 60 minutos.
ESTRENO: 5 DE MARZO DE 2010
SALA FEDERICO GARCÍA LORCA
ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

Fundación Madres de Plaza de Mayo
Espacio Cultural Nuestros Hijos
Av. del Libertador 8465 (EX ESMA) (entrada peatonal)
Comodoro Rivadavia 1273 (entrada vehicular)
TE: 4703-5089

Desde Mi Cielo, dirigida por Peter Jackson

TITULO ORIGINAL: The lovely bones

DIRECTOR: Peter Jackson.

ORIGEN: Nueva Zelanda, Estados Unidos, Reino Unido.

CAST: Saoirse Ronan, Rachel Weisz, Mark Wahlberg. Jake Abel, Susan Sarandon, Stanley Tucci.

FOTOGRAFIA: Andrew Lesnie.

GUION: Peter Jackson, Fran Walsh.

MÚSICA: Brian Eno.

PRODUCTOR: Steven Spielberg, Fran Walsh, Peter Jackson.

DURACION: 135 Minutos

PAGINA WEB: http://www.lovelybones.com

Un Maldito Policía en NEw Orleans

UN MALDITO POLICIA EN NUEVA ORLEANS
(BAD LIEUTENANT)

Selección oficial Toronto International Film Festival
Selección oficial Venice Film Festival

UNA PELICULA DE WERNER HERZOG

con
NICOLAS CAGE
EVA MENDES
VAL KILMER

SINOPSIS:
El teniente corrupto Terence McDonough (Nicolas Cage), detective de homicidios utiliza a su antojo los placeres prohibidos gracias a su estatus profesional. Nunca le falta droga con la que saciar su adicción y está abierto a hacer favores a cambio de sexo. Terence y Frankie (Eva Mendes), se aman profundamente. Que ella sea una prostituta no cambia el hecho de que él la ame, sólo lo hace querer protegerla aún más.
Pero su nueva investigación, el misterioso asesinato de cinco inmigrantes senegaleses, lo pondrá entre la espada y la pared.

FICHA ARTISTICA
DIRIGIDA POR WERNER HERZOG
ESCRITA POR WILLIAM FINKELSTEIN
PRODUCTOR ED PRESSMAN, RANDALL EMMETT, ALAN POLSKY GABY POLSKY STEPHEN PRODUCTORES EJECUTIVOS AVI LERNER DANNY DIMBORT TREVOR SHORT BOAZ DAVIDSON ELLIOT ROSENBLATT BELAFONTE
DIRECTOR DE FOTOGRAFIA PETER ZEITLINGER. .
DISEÑO DE PRODUCCION TONY CORBETT
DISEÑO DE VESTUARIO JILL NEWELL
CASTING POR JOHANNA RAY

ELENCO
Nicolas Cage ... Terence McDonagh
Eva Mendes ... Frankie Donnenfeld
Val Kilmer ... Stevie Pruit
Xzibit ... Big Fate IDGE
Fairuza Balk ... Heidi
Tom Bower ... Pat McDonough
Shawn Hatosy ... Armand Benoit
Jennifer Coolidge ... Genevieve

FICHA TECNICA
Título Original: Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans
Género: Drama/ Policial
Año: 2009
Duración: 121 minutos
Idioma: Inglés/ Español
País: Estados Unidos
Sitio Web: http://www.badlt.com/

Al Filo de la Oscuridad

Paranoia Confidencial

Acaso el film proponga que cada crimen es político.

En las respuestas del oficial que hace de Judas, y como siempre en los films dirigidos o protagonizados por Gibson, parecen guiarse por referencias religiosas y míticas, (la cita a Diógenes que busca a un hombre honesto con una linterna, el usar términos en latín, código y contraseña de ciertos tipos fuera de moda), esta película trata sobre el padre y el hijo, más específicamente la hija, la protección y el sacrificio.

Cómo encontrar consuelo?

y en los cádaveres flotando en el agua, casi como un calco en el afuera, del adentro de las Viudas de los Jueves de Pineyro, muertos que plantean la intriga y a la vez, lo irresuelto, el número 3 simboliza aquí el combate contra lo que depreda y altera cualquier rasgo de humanidad.

Si el motín del té, que marca la rebelión de colonos contra ingleses que grababan las importaciones para favorecer a la Companía de Indias Orientales, se refiere en la película, es que Los Estados Unidos, ése lugar en la que todo está prohibido, como señalan los personajes al romper las normas, no puede evitar estar convicto de la paranoia, de los códigos de seguridad y de las sanciones a las violaciones de esos códigos, y de los organismos de seguridad del Estado que cumplen con la misión de que A nunca se junte con B.

Pese a que, como dice uno de los personajes, la gente se merece un país mejor.

Ahí está la política, las trampas y las multinacionales; es tan brutal la descripción del latrocinio y la devastación, que la venganza es el único motor que mantiene vivos a los mortales.

Parecen contestarse el agente del gobierno, cuando le pregunta al oftalmólogo, si al ver en su ojo, ve un alma, parece contestarle el personaje de Craven cuando advierte que hay que elegir, entre estar en la cruz o clavar los clavos, que en la búsqueda de un poco de sentido sólo queda una opción de sacrificio.

Al Filo de la Oscuridad: The Edge of DARKNESS protagonizada por Mel Gibson

Título Original:
Edge of Darkness
Año: 2010
País: Inglaterra, Estados Unidos
Género: thriller
Elenco: Mel Gibson, Ray Winstone, Danny Huston, Bojana Novakovic
, Shawn Roberts, David Aaron Baker, Jay O. Sanders, Denis O'Hare
Dirección: Martin Campbell
Producción: Tim Headington, Graham King, Michael Wearing
Guión: William Monahan, Andrew Bovell
Música: Howard Shore
Fotografía: Phil Meheux
Duración: 117 Minutos

Muestra Anual de los Talleres de fotografía del Centro Cultural Recoleta. Curado por Roberto Camarra y el área de fotografía del CCR

Seminario de Augusto Fernandes en la escuela de teatro de Lito Cruz. Edi Flechner, María Zocas y otros asistentes comparten el cierre.

Seminario de Augusto Fernandes.

Análisis de texto y puesta en escena sobre Edipo Rey de Sófocles

y Rey Lear de William Shakespeare.

Realizado en enero de 2010 en el

Estudio de Formación Actoral de Lito Cruz

Suipacha 128 1º “A” (1008)

Ciudad de Buenos Aires

República Argentina

Informes: (54 11) 4327-2797

Copacabana de Rejtman en PROA

Ruda Cine y Martín Rejtman Presentan Copacabana, una película de Martín Rejtman Argentina, 2007

Entradas anticipadas en la sede. Martes a Domingos de 11 a 19 hs.
Admisión General $10 - Estudiantes / Jubilados $ 8
Auditorio Fundación Proa Av. Pedro de Mendoza 1929, La Boca, Buenos Aires / TE 4104-1000

"No hay en Copacabana, su primer documental, ni playas ni tangas, sino calles de Liniers y Mataderos. Rejtman da cuenta de una tradicional celebración religiosa de la comunidad boliviana pero, más que el desfile en sí, elige mostrar lo que hay detrás de la ceremonia." Horacio Bernades. Página 12.-

LA MEDICINA EN LA ARGENTINA

LA MEDICINA EN LA ARGENTINA

FOTOGRAFÍAS 1860-1960

8 colecciones privadas de

César Gotta
Dirán Sirinian
Cuarterolo
Roberto Conde
Abel Alexander
Guillermo Campion
Héctor Pezzimenti
Grupo Inn

Curadoría
Abel Alexander
Juan Travnik


hasta el 28 de febrero de 2010

De lunes a viernes desde las 12 horas y los sábados y domingos desde las 14 horas hasta la finalización de las actividades del día en el teatro.
La entrada es libre.

FotoGaleríaTeatro San Martín

Avda. Corrientes 1530
Tel.: 0800-333-5254

Folk-rock-punk-gitano para latinoamérica; Emir Kusturica y The No Smoking Orchestra en gira por Argentina

El cineasta, cantante y músico Emir Kusturica volverá a actuar en Argentina junto a The No Smoking Orchestra el 18 de febrero en el porteño estadio Luna Park (Av. Corrientes y Bouchard).

La gira abarca una presentación en el Cosquín Rock (12 de febrero)

Rosario (14)

Neuquén (16)

Chile (20).

El cineasta y músico serbio-bosnio Emir Kusturica regresa a nuestro país junto a The No Smoking Orchestra, la banda liderada por el carismático cantante Nele Karajilik.

De los balcanes, a la relación con Maradona, film incluído; de la realización de un dvd en Buenos Aires, La Vida es un Milagro, a otra película; sea Macedonia, Yugoeslavia, Sarajevo, Bosnia o Croacia: sea húngaro o búlgaro o Montenegrino o polaco, algo inconfundible y vital cruza esta música.

Como declara Emir:

"...estamos más locos que la otra vez. Y espero que la gente que vaya a vernos también esté más loca. Será el reencuentro de dos buenos amigos".

http://www.pagina12.com.ar/diario/espectaculos/6-47976-2005-03-03.html

Grupo invitado: Baltasar Comotto & Los Dragones Albinos

BEYONCE en el Hipódromo de San Isidro

Beyoncé en el Hipodromo de San Isidro

Presentando “I Am… Tour”, una serie de show’s donde va a presentar su último trabajo discográfico “I am… Sasha Fierce”.

Beyoncé fue elegida Mejor Artista Femenina en los premios Mtv.

El I Am… Tour 2010 lleva a Beyoncé por Brasil, Argentina, Chile y Perú entre otros países de Latinoamérica.

Viernes 12 de Febrero de 2010 a las 22 hs.

Hipodromo de San Isidro
Av. Márquez 504 en el barrio de San Isidro

Capacidad para 100.000 espectadores en las seis tribunas.

Automóviles particulares o remises pueden tomar por la
Autopista Panamericana, y hacer la salida en Avenida Márquez-San Isidro, o tomar la

Avenida del Libertador y por la calle Leandro N.Alem llegar al Hipódromo de San Isidro, o por la Avenida Cabildo, que continúa como Maipú, y luego en Centenario doblar hasta el Hipódromo.

Tren: desde Buenos Aires, el Ferrocarril Mitre, por ramal a Tigre desde estación Retiro hasta estación San Isidro.

Colectivos: Linea 60, 15, 21.

Precios de las entradas:

Platea Platino (Sector C-D-K): $800
Platea Gold( Sector A-B-E-F-H-I-J-L-M-N): $680
Platea Vip (Sector G-R-S-T-U-O):$580
Platea Preferencial( Sector P-Q-V-W): $480
Platea Tribuna: $300
Campo (sin numerar): $150

Soledad Villamil canta aires de campo y ciudad en el Centro Cultural Torcuato Tasso de San Telmo

La consagrada actriz Soledad Villamil seguirá con sus presentaciones en el

Tasso, en las que interpretará tangos, valses, milongas camperas, chamarritas, rancheras y aires de campo.

Durante febrero, se presentará los jueves, viernes y sábados, a las 22.

Juan Miguens (contrabajo),

Nicolás Perrone (bandoneón y acordeón),

Martín González (percusión)

Jose Teixidó (guitarra, arreglos y dirección)

Localidades: $40 y $50 .

Centro Cultural Torcuato Tasso.

Defensa 1575

República de San Telmo

http://www.soledadvillamil.com/

Juegos crueles a la hora de la siesta: "ANDRES NO QUIERE DORMIR LA SIESTA" DE DANIEL BUSTAMANTE

Un pensamiento que a uno lo puede incomodar, pertinaz como un recuerdo de la infancia que no se termina de definir, entre la duermevela de lo soñado y lo negado, es, si a los 7 espectadores que vemos en el último subsuelo de la sala 6 del Atlas Lavalle, Andrés no quiere dormir la siesta de Daniel Bustamante, la negación de una puerta de emergencia inexistente, funciona, adecuadamente, para nuestra conciencia, para la sala y para el pasado.
Quizás el film tenga incongruencias y fallidos, pero es tan brutal la puesta en escena de la negación familiar y social, que no nos deja otro opción que mirar a nuestro lado. Y lo que vemos, en El Secreto de Tus Ojos, de Juan Jose Campanella, es la imposibilidad de una salida colectiva para producir justicia, un campo anómico libre en el que se toman forma las cárceles clandestinas para ejercer justicia por mano propia.
Lo que vemos, en esa obra maestra que es La Mujer sin Cabeza, de Lucrecia Martel, por citar un par de films reveladores de los últimos años, es que lo ya lo negado toma forma de una conspiración colectiva para desentender, deformar y desaparecer cualquier rastro de culpa y de verdad.
No hay ternura, acaso fingida, de los familiares, no hay otra cosa que un campo de batalla, preparado para envilecer y corromper a los chicos.
Y esto funciona al revés de lo que sostenían los militares, orden y control para una patria familiar: aquí, lo que parece sostener Bustamante, es que la misma descomposición familiar, hecha de traiciones, de egoísmos y de cobardías mundanas no puede producir otra cosa que un estado represivo que la contenga.
Aún en su factura artesanal, no hay piedad con el destino de los personajes, parece no haber ningún tipo de escapatoria si se arma una familia hecha de medias palabras y medias mentiras.
Entonces no importa tanto la lógica del films en que una carga tan pesada no sepa ser ocultada ni enterrada, ni que los chicos hipercontrolados se escapen continuamente; lo terrible del aprendizaje se produce en la ausencia de un cariño verdadero, de una compasión inexistente.
Como en el juego del comienzo, juegos a la hora de la siesta que producen, en la incomprensión infantil un terreno actuado del horror, en las esposas que lastiman a la niñita capturada en un oscuro juego de buenos y malos.
Como lo que Andrés ve por la ventana una noche: una brutal golpiza a una pareja que la abuela se empeña en desaparecer, no tanto para proteger en el terreno de las pesadillas la verdad, sino en enmascarar la falta de piedad, un pequeño pueblo cruel, que crea monstruos desde chiquitos.

Roberto Camarra

Intérpretes:

Norma Aleandro (Olga)
Conrado Valenzuela (Andrés)
Fabio Aste (Raúl)
Marcelo Melingo (Sebastián)
Celina Font (Nora)
Juan Manuel Tenuta (Antonio)
María José Gabin (Carmen)
Lautaro Puccia Sagardoy (Armando)
Ezequiel Díaz (Alfredo)
Brian Sichel (Gustavo)
Nontué Bautista (Hernán)
Alicia Aller (Martha)

Dirección
Daniel Bustamante
Producida por
El Ansia Producciones
San Luis Cine
Productora Ejecutiva
Carolina Alvarez
Dirección de Fotografía
Sebastián Gallo
Dirección de Arte
Romina Cariola
Vestuario
Ana Lidejover y César Taibo
Dirección de Sonido
Damián Montes Calabró
Música
Federico Salcedo
Montaje
Rafael Menendez

Andrés no quiere dormir la siesta
Argentina, 2009

TALLER GRUPAL DE LECTURA Y ESCRITURA

Taller grupal de lectura y escritura

LA IMAGINACIÓN DE LO COMÚN

recursos narrativos para la transformación de personajes cotidianos en héroes de aventura y fantasía

Coordinación: Juan Diego Incardona

juandiego.incardona@gmail.com

MARATON CABRERA CON MONICA CABRERA

SÁBADOS DE MARATÓN

MARATÓN CABRERA

Cinco espectáculos de Mónica Cabrera pasarán por el Teatro Payró a partir del 6 de febrero:

FEBRERO : EL SISTEMA DE LA VÍCTIMA

Una reflexión con humor sobre un mal que aqueja a la población: la sensación de ser víctima. De no poder contra las circunstancias o de no poder contra una naturaleza secreta que nos obliga a la queja. En alguna instancia de nuestras vidas nos sentimos víctimas de la injusticia, marionetas a las que la mala fortuna empuja al fracaso. El grito que sintetiza el sistema de la víctima es: “Y ahora, ¿quién vendrá a socorrernos?”.
Texto, dirección y actuación: Mónica Cabrera.
Asistencia de dirección: Ana Bonet. Dirección musical y diseño gráfico: Claudio Martini. Fotografía: María Eugenia Cabello. Escenografía y vestuario: Bonet, Cabrera y Martini. Producción general: The Cabrera’s Company. Producción ejecutiva: La Mosca Blanca.

MARZO : ARRABALERA, MUJERES QUE TRABAJAN

“Si me gano el morfi diario, que me importa el diccionario ni el hablar con distinción...”Arrabalera... narra la historia de siete mujeres que intentan sobrevivir en esta sociedad. Cada una de ellas ha conseguido un trabajo; con mayor o menor éxito, con más o menos alegría, han dado batalla para obtener un pequeño lugar en el que son necesarias. Estas mujeres no son un número en una estadística del ministerio de trabajo, son personas de carne y hueso, que cuentan su historia y muestran sus sentimientos. No pueden seguir la senda de los modelos femeninos modernos y exitosos; son mujeres sin molde, comunes, con una historia interesante, cómica y dramática al mismo tiempo. Inteligentes, seductoras, malvadas, perversas, con secretos, con fantasías, llenas de talento, sumergidas en la locura, o al borde de la locura, mantienen la calma a pesar de todo. Ni sus cuerpos, ni sus pensamientos, ni sus deseos siguen la corriente. Muchas veces desearían llevar otras vidas, sostener otros principios tener otros gustos. No pueden dar cátedra sobre como vivir, ni escribir esos libros americanos del tipo “cómo obtener amigos...” o “cómo alcanzar el éxito...” No son modelo, son lo que hay.

ABRIL : THE VICTORY TO LA MADRECITA(actriz invitada Teresa Murias)


Esta obra cuenta la historia de una mujer del pueblo, que tiene capacidades extraordinarias de curación y es milagrosa. Su hermana, interpretada por la actriz Teresa Murias, lucha tras su asesinato, para que la canonicen. Los enigmas que plantea al espectador a lo largo del espectáculo son: 1º ¿Es realmente santa la Madrecita?2° ¿Las familias aristocráticas tiran a sus hijos ilegales a los chanchos? 3º ¿Los asesinos de la Madrecita serán castigados? ¿Por la justicia divina o por la ley de los hombres?4º ¿En la Argentina todos los sucesos parecen extraordinarios?5º ¿Dios es argentino?En esta obra se abre una segunda etapa en la dramaturgia de la compañía, que se conformará con tres espectáculos representados por dos actrices. Concluye así el primer ciclo de unipersonales.El montaje cuenta con un altar, donde la madrecita tiene visiones y se le hacen los pedidos y se le reza, el salón de la kermese donde la madrecita cura y hace milagros y la piecita donde las hermanas comen y descansan los pies mientras cuentan las limosnas recaudadas. El armado es sencillo y diseñado para realizar giras por el país y el exterior. Se cantan seis temas en vivo, con música original .

MAYO : LIMOSNA DE AMORES

¿Es posible hacer humor con el amor, la muerte, la existencia de Dios, el capitalismo y el poder? Posiblemente sean los tópicos más acertados, siendo la materia del humor lo que no tiene solución, respuesta ni salida.a la vista.En este trabajo he intentado investigar sobre recursos narrativos alejados del realismo. En la obra se discute sobre la guerra, la esencia del capitalismo, la acumulación de riqueza, el lugar de la mujer, el hombre puesto en la máquina de la producción, (guerra o lo que fuera que se esté produciendo). Problemas que se debatían en la década del 60, y que produce cierta fatiga tocar fuera de los círculos militantes.Apelando a la narración y utilizando recursos del cabaret, el musical y otros géneros menores, se articula un cuento expuesto por personajes típicos: la reina, el soldado, el comerciante, la prostituta, y la pitonisa.Una pequeña parábola, (con el ingrediente de canciones a la antigua, que exponían ideas) para volver a poner sobre la mesa la discusión de algunas cosas que nos estropean la vida, como el sistema en el que vivimos. Un gesto para no resignarnos.

JUNIO : ¡DOLLY GUZMÁN NO ESTÁ MUERTA!


Dolly Guzmán, gloria del espectáculo porteño, ha desaparecido. Una llamada anónima a la policía da cuenta de que su cadáver yace en su departamento en Villa Crespo. Pero una vez allí, descubren que el cuerpo no está. A lo largo del espectáculo, el Detective a cargo de la investigación, intenta develar el misterio. Recibe la declaración de vecinos, familiares y amigos de Dolly. Entre canciones, llantos, chismes y tiros comienza a desentrañarse la oscura trama de mentiras que rodea a la doble, triple y cuádruple vida de la estrella porteña. ¿Dolly ha sido asesinada? ¿Se suicidó y sus fanáticos han ocultado el cadáver? ¿Huyó con algo que no le pertenecía? ¿Cómo puede declarar la Madre Muerta de Dolly? ¿La monja es su amiga, su asesina o su amante? ¿Qué hace la ojota de la encargada en el lugar del crimen? ¿La mucama es muda o es caníbal? ¿Qué pasa con los cadáveres en la Argentina? En un recorrido por los ámbitos donde Dolly se desenvolvía, veremos quién era realmente Dolly, y el espectador podrá analizar las pruebas, para dar con la verdad.

TODOS LOS SÁBADOS A LAS 23

A PARTIR DEL 6 DE FEBRERO

TEATRO PAYRÓ

San Martín 766(pegado a Galerías Pacífico)

Informes: 4312 – 5922teatropayro@sion.com / bonet.ana@gmail.com

Precious de Lee Daniels

Cuando salíamos del Gaumont de la avenida Rivadavia y de la función del Cine club Núcleo y los asistentes hacían las habituales rondas para comentar el film en el hall del cine, costumbre perdida en las escaleras mecánicas de shoppings y multicines preparados para otra cosa, mi compañera recordó "Bailarina en la Oscuridad" de Lars Von Trier.

En Precious baila el melodrama, y también el género de autosuperación o de quizás en este caso, de tolerancia al dolor, Douglas Sirk, el panfleto pedagógico, el ideológico en apoyo al sistema social que supera la violencia antropófaga y demente: está el cine negro de Spike Lee, y acaso el gusto amargo de ver la caída de la institución familiar de la comunidad afroamericana, como le han criticado al director Lee Daniels.

Pero acaso, lo demoledor sea la actuación de Gabourey Sidibe como Precious y de Mo'Nique como Mary. Algo animal en el descanso y la furia, un cine corporal en el que el físico pesa y tapa la pantalla, cuerpos del desgano y de la humillación, del dolor y del comer, del vomitar y del caer. Un cuerpo inmenso, exhuberante, pesado para caer y para levantarse y moverse.

Así Precious cae y se libera, y cuando más abajo está, aparece la imaginación en el cuerpo propio como un otro, rubio y deseado en el espejo, las previsibles alfombras rojas y los estudios de televisión y hasta el neorrealismo italiano.

Como en Criaturas Celestiales de Peter Jackson, la imaginación para huir de un mundo brutal y opaco.

Lee Daniels hace un cuento de hadas y ahí está, en los ángeles de Lenny Kravitz, de María Carey, de Paula Patton, trabajando con el dolor de la maternidad, del abuso, de la enfermedad, de la imposibilidad de leer y escribir.

Hasta con la comprensión y el límite, en una mirada furiosa y sin condescendencias con la madre que no protege, con la ignorancia y las tretas para conseguir el seguro y seguir golpeando y comiéndose a sus hijos.

Roberto Camarra

Precious

Astronautas del centro de la tierra: dirigida por Kathryn Bigelow, llega "The Hurt Locker"

En un estado de insanía, jugar con la muerte parece la única droga que impide la fábula demente de un universo perfecto.

En un universo en el que todo refiere a una cuenta regresiva y a un análisis de daños: the kill zone, el tiempo para esperar que la bomba estalle, el tiempo para enviar de licencia al grupo antiexplosivos a su casa.

Tiempo cumplido, el personaje de William James está lejos del polvo y la escoria del otro mundo, hecho de traductores que transcriben actos incomprensibles, está cruzando el océano de sus trajes de buzo para evitar fragmentos de granadas, y haciendo compras en un supermercado de su país, Estados Unidos, con la tarea que le deja su mujer de llevar una caja de cereal para el desayuno. Y entonces duda y no entiende y no puede decidir por la cantidad y el derroche del packaking de lo innecesario, un universo con infnitas y previsibles posibilidades, pero indiferente el en que en tal opción no produce sino una repetición al infinito, en góndolas pulcras, y asépticas.

Es tal vez una escena entre el todo y la nada del otro espacio, una especie de luna, el crátrer de Irak; un mundo reducido a personas a punto de explotar, por causas que tampoco entiende y que no podrían más que afectar su cuerpo, el perímetro, los edificios. Un universo en el cual aunque no comprenda, no se puede dudar: a diferencia de las cajas de cereal en el supermercado, en el que las posibilidades infinitas dan otra cara del hastío y la desesperación.

En la luna del polvo y el calor, los tanques circulan con la primera línea de buzos-astronautas entre gente que se esconde en las ruinas y en el que entre basuras, cadáveres y restos, un cable determinada la muerte. Un mundo en el que descifrar los códigos no implica entender, en que las víctimas no llegan a ser una persona, no encuentran un vínculo, tanto que mueren y resucitan, y el asombro explica que lo único que puede desarmarse, entender y mirar, es el sistema detonador de las bombas caseras de los hombres bombas contra el ejército más poderoso del mundo.

En un film acerca del reconocimiento, el desactivador antiexplosivo siempre está a punto de estallar y mantener el control es el orgasmo inacabable.

Acaso no importe más que morir, en vidas vaciadas de otro significado que no sea el riesgo.

Roberto Camarra

El futuro es mujer: Kathryn Bigelow, cuarta mujer nominada al Oscar por dirección en toda la historia de los premios

Kathryn Bigelow es la primera mujer en la historia que recibe el premio a la mejor dirección por el Sindicato de Directores de Estados Unidos.
Su film "The Hurt Locker", ha sido reconocida como mejor film del 2009 por el Sindicato de Productores.

Astroboy!!!

Llegó a la Argentina la nueva versión cinematográfica del clásico de Osamu Tezuka, ASTROBOY. Basada en el manga y posterior animé, este film se presenta de buenas a primeras como una alternativa para el receso estudiantil de los más pequeños.

Contrariamente a su estética y al hecho de que en el país solo circulen copias dobladas, la historia de este pequeño “niño” robot, está cargada de drama, y esconde tras esas simpáticas botas rojas con llamas, una visión un tanto aterradora del futuro de la humanidad.

La historia tiene lugar en una pequeña ciudad que decide suspenderse en el aire, por sobre sus desechos, para así poder tener una vida plena lejos de la polución. En su mayoría generada por la incesante fabricación de robots, que se encargan de hacer todo aquello que a los humanos nos desagrada.

Durante la prueba de un nuevo armamento militar, el hijo del creador de todos estos robots descartables muere en manos de uno de sus inventos (una alternativa interesante al accidente de tránsito que presentaba la serie original). Consumido por el dolor, esta suerte de Dr. Frankestein modela un robot, dotado de “humanidad”, idéntico a su difunto hijo, incluso graba en él los recuerdos del pequeño.

Aparentando que nada pasó, este científico volverá a su casa y tratará de encontrar la relación de padre e hijo que en su ajetreada vida no tuvo lugar. Él mismo procurará educarlo con lecturas de Kant, Descartes y Da Vinci. Hasta que un día simplemente no soportará convivir con la imagen de lo que fue su verdadero hijo, y de alguna manera llevará a su hijo al mismo destino que el resto de los robots.

Confundido al descubrir que su cuerpo esconde un arsenal, ofuscado porque su padre lo niega como hijo y perseguido por la ley, este pequeño irá a parar a la superficie de la tierra, un gran vertedero de máquinas obsoletas, y refugio de niños huérfanos.

De allí en adelante el film comienza lentamente a desanudar todos estos conflictos. Como ya lo imaginarán, todas estas no son cosas de esas que se solucionan fácilmente, tendrán que conformarse con la sensación de que todo está en su lugar, cuando vean al pequeño Astroboy asumir su rol de “guardián” de la tierra.

Más allá de esta versión y el anime de los 80´, Astroboy apareció por vez primera en la pantalla allá por el año 1963, abriéndole paso a una vasta cantidad de animes con contenidos similares, convirtiéndose de alguna manera en uno de los precursores de lo que hoy se conoce como “Mecha”(denominación que reciben los animes que incluyen Robots)

Así que los fanáticos de series del calibre de Evangelion, Ghost in Shell o mismo de Mazinger Z, dedíquenle un rato a este precursor.

Ignacio Lavizzari

Excursiones de Ezequiel Acuña, durante febrero en el MALBA

"EXCURSIONES", de Ezequiel Acuña.

Viernes y Sábados , 22hs,

MALBA Cine,

Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires

Figueroa Alcorta 3415

Escrita por Ezequiel Acuña y Alberto Rojas Apel, con la colaboración de Matías Castelli

Fotografía: Fernando Lockett

Producción: Ezequiel Acuña, Matanza Cine

Con Alberto Rojas Apel, Matías Castelli, Martina Juncadella, Ignacio Rogers, Martín Piroyansky, Santiago Pedrero

Mirá el trailer: http://www.youtube.com/watch?v=MkIhfK50rPE

Juan Pablo Renzi en la Fundación Osde: "La Razón Compleja"

La muestra de este artista conceptual y político, recorre toda su carrera desde la década del '60, hasta su fallecimiento en 1991.
Curada por María Teresa Constatin y Xil Buffone, se toma la obra del artista santafesino que participó de Tucumán Arde y el Grupo Vanguardia de Rosario y que fuera discípulo de Juan Grela.

hasta el 20 de febrero el Espacio de Arte de la Fundación OSDE (Suipacha 658, 1er piso).

Visitas guiadas los miércoles, a las 18 horas.

Escándalos en el Arte

A través de un recorrido visual e histórico, se propone a los asistentes conocer y descubrir las obras de arte y las exposiciones que provocaron sucesos escandalosos a lo largo de la Historia del Arte. Desde el Renacimiento con Miguel Angel, Tizizno, Pablo Veronesey Caravaggio, pasando por la modernidad con Edouard Manet, Gustave Courbet, Henri Matisse y Marcel Duchamp, llegando a nuestro pais con Prilidiano Pueyrredón, Emilio Petorutti, Eduardo Sívori y Kenneth Kemble entre otros.

Dura tres encuentros: Lunes 8, Martes 9 y Miércoles 10 de Febrero de 17 a 19 hs.

Dictado por la Lic. Mariana Rodríguez Iglesias.

Toda Forma de Amor

Toda Forma de Amor es el nombre de la muestra que se está llevando a cabo en la nueva Galeria Oz. Exponen entre otros Ana Clara Soler y Romina Davis. Esta nueva galería queda en Av. Santa Fe 2729 local 33 y abre de martes a sábados de 15 a 20 hs.

ANDRES NO QUIERE DORMIR LA SIESTA DE DANIEL BUSTAMANTE

ANDRéS NO QUIERE DORMIR LA SIESTA

Drama
Director
Daniel Bustamante
Intérprete/s
Juan Manuel Tenuta , Fabio Aste , Celina Font , Norma Aleandro , Alicia Aller

Producción:
Carolina Alvarez

Daniel Bustamante

Producción ejecutiva:
Carolina Alvarez

Fotografía:
Sebastián Gallo

Dirección de arte:
Romina Cariola

Vestuario:
Ana Lidejover

César Taibo

Montaje:
Rafael Menéndez

Música:
Federico Salcedo

Dirección de sonido:
Damián Montes Calabró

El film:

Los lazos familiares, la mirada de un niño y la crianza ante la otra parte de la familia, y la increíble capacidad de negación ante lo evidente que se vuelve invisible.

Trama ambientada en la última dictadura militar, con un centro clandestino de detención como vecino del barrio.

Productora: El Ansia producciones.

Adopción de Lipszyc

Adopción

Una película de David Lipszyc

Sinopsis

Ricardo, que vive una relación homosexual con su pareja, adopta a Juan, un chico nacido en 1976. Si bien el niño se integra al nuevo hogar, Juan continúa padeciendo los miedos del pasado. Ricardo cree conveniente que su hijo conozca sus raíces e inicia la búsqueda de su identidad, descubriendo que la verdadera historia es diferente a la escrita en el legajo de juan.
Ésta irá apareciendo como la punta del iceberg en un mar helado.


Ficha Artística
Ignacio Monná
Ricardo González
Franco Gross
José María Regueira
María Susana de Señas


Dirección: David Lipszyc
Guión: David Lypszyc, Alejandra Bruno
Fotografía: Pablo González
Edición: Mónica Gómez
Dirección de Arte: Mariana Sosa
Sonido: Pablo Sala
Música: Pablo Sala
Producción: Néstor Sánchez Sotelo


Argentina, 2009 / 80' / 35 mm / Color / Español - Spanish

Notas de Producción
La adopción, esa determinación íntima, emocional y jurídica cuyos sentimientos, necesidades afectivas y temerosas elecciones han sido motivo de tantas películas, se manifiesta con toda plenitud en este arriesgado e intenso film de David Lipszyc.
La historia empieza por el auténtico comienzo; es decir, por el niño en el orfanato, las sesiones y encuentros con la persona (un hombre soltero) que desea cumplir con ese acto de humanidad y esperanza que es la adopción; porque él desborda cariño y necesita imperiosamente darlo. El desarrollo avanza de inmediato pues los matices argumentales comienzan prontamente a (des) cubrir situaciones coherentes y a la vez inesperadas, mientras que el espectador se siente partícipe protagónico de búsquedas, secretos, confesiones, inquietudes, historias ajenas... Y porque desgraciadamente forma parte de nuestra reciente Historia, ingresa también en los dramáticos momentos por los que pasó nuestro país hace treinta y tantos años. Es una película necesariamente dura, cuyo final, aquéllos que no advirtieron todos los matices del futuro posible de esos personajes, pueden considerarlo feliz.

http://www.adopcion-elfilm.com.ar/